Ballet

Este artículo trata sobre la forma de la danza. Para otros usos, vea Ballet (desambiguación). Para obtener una lista de términos, consulte Glosario de ballet. No confundir con Ballad.

Tutús de campana clásicos en The Dance Class de Degas, 1874

Las artes escénicas
Acrobacia Ballet Habilidades de circo Payaso Danza Gimnasia magia Mímica Música Ópera Lucha libre profesional Títeres Habla Comedia en vivo Teatro Ventriloquia
v t mi

El ballet ( francés:  [balɛ] ) es un tipo de danza escénica que se originó durante el Renacimiento italiano en el siglo XV y más tarde se convirtió en una forma de danza de concierto en Francia y Rusia. Desde entonces se ha convertido en una forma de danza generalizada y altamente técnica con su propio vocabulario. El ballet ha sido influyente a nivel mundial y ha definido las técnicas fundamentales que se utilizan en muchos otros géneros y culturas de danza. Varias escuelas de todo el mundo han incorporado sus propias culturas. Como resultado, el ballet ha evolucionado de distintas formas.

Un ballet como obra unificada comprende la coreografía y la música para una producción de ballet. Los ballets son coreografiados e interpretados por bailarines de ballet entrenados. Los ballets clásicos tradicionales generalmente se interpretan con acompañamiento de música clásica y utilizando trajes y puesta en escena elaborados, mientras que los ballets modernos a menudo se interpretan con trajes simples y sin decorados o decorados elaborados.

• 1 Etimología
• 2 Historia
• 3 estilos
  • 3.1 Ballet clásico
  • 3.2 Ballet romántico
  • 3.3 Ballet neoclásico
  • 3.4 Ballet contemporáneo
• 4 Métodos técnicos de instrucción de ballet.
  • 4.1 método francés
  • 4.2 Método Vaganova
  • 4.3 Método Cecchetti
  • 4.4 método de Bournonville
  • 4.5 El método de la Royal Academy of Dance (RAD)
  • 4.6 Método Balanchine
• 5 Disfraces
  • 5.1 Renacimiento y Barroco
  • 5.2 Siglo XVII
  • 5.3 Siglo XVIII
  • 5.4 Siglo XIX
  • 5.5 Siglo XX
• 6 Ballet como carrera
• 7 efectos sobre la salud
• 8 Crítica
• 9 Véase también
• 10 referencias
• 11 Lecturas adicionales
• 12 Enlaces externos

Etimología

Ballet es una palabra francesa que tuvo su origen en el italiano balletto, un diminutivo de Ballo (danza) que proviene del latín Ballo, ballare, que significa "bailar", que a su vez proviene del griego "βαλλίζω" ( ballizo), "a bailar, saltar ". La palabra entró en uso en inglés del francés alrededor de 1630.

Historia

Artículos principales: Historia del ballet y Cronología del ballet. Luis XIV como Apolo en el Ballet Royal de la Nuit (1653)

El ballet se originó en las cortes italianas del Renacimiento de los siglos XV y XVI. Bajo la influencia de Catalina de Médicis como reina, se extendió a Francia, donde se desarrolló aún más. Los bailarines de estos primeros ballets de la corte eran en su mayoría amateurs nobles. Los trajes ornamentados estaban destinados a impresionar a los espectadores, pero restringían la libertad de movimiento de los artistas.

Los ballets se realizaron en grandes salas con espectadores en tres lados. La implementación del arco del proscenio a partir de 1618 en los artistas distanciados de los miembros de la audiencia, que luego pudieron ver y apreciar mejor las hazañas técnicas de los bailarines profesionales en las producciones.

El ballet de la corte francesa alcanzó su apogeo bajo el reinado del rey Luis XIV. Louis fundó la Académie Royale de Danse (Royal Dance Academy) en 1661 para establecer estándares y certificar a los instructores de baile. En 1672, Luis XIV nombró a Jean-Baptiste Lully director de la Académie Royale de Musique ( Ópera de París ) de la que surgió la primera compañía de ballet profesional, el Ballet de la Ópera de París. Pierre Beauchamp se desempeñó como maestro de ballet de Lully. Juntos, su asociación influiría drásticamente en el desarrollo del ballet, como lo demuestra el crédito que se les dio por la creación de las cinco posiciones principales de los pies. En 1681, las primeras "bailarinas" subieron al escenario tras años de formación en la Académie.

El ballet comenzó a declinar en Francia después de 1830, pero continuó desarrollándose en Dinamarca, Italia y Rusia. La llegada a Europa de los Ballets Rusos dirigidos por Sergei Diaghilev en vísperas de la Primera Guerra Mundial reavivó el interés por el ballet y dio inicio a la era moderna.

En el siglo XX, el ballet tuvo una gran influencia en otros géneros de danza. También en el siglo XX, el ballet dio un giro dividiéndolo del ballet clásico a la introducción de la danza moderna, dando lugar a movimientos modernistas en varios países.

Entre los bailarines famosos del siglo XX se encuentran Anna Pavlova, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Maya Plisetskaya, Margot Fonteyn, Rosella Hightower, Maria Tall Chief, Erik Bruhn, Mikhail Baryshnikov, Suzanne Farrell, Gelsey Kirkland, Natalia Makarova, Arthur Mitchell y Jeanne Devereaux.. Jeanne Devereaux actuó como primera bailarina durante tres décadas y estableció un récord mundial al poder ejecutar 16 triples fouettes.

Estilos

Marie Sallé, bailarina de ballet clásico

Las variaciones estilísticas y los subgéneros han evolucionado con el tiempo. Las primeras variaciones clásicas se asocian principalmente con el origen geográfico. Ejemplos de esto son el ballet ruso, el ballet francés y el ballet italiano. Las variaciones posteriores, como el ballet contemporáneo y el ballet neoclásico, incorporan tanto el ballet clásico como la técnica y el movimiento no tradicionales. Quizás el estilo de ballet más conocido y representado es el ballet romántico tardío (o Ballet blanc ).

Ballet clásico

Artículo principal: ballet clásico El Valse des cygnes del Acto II de la edición Ivanov / Petipa de El lago de los cisnes

El ballet clásico se basa en la técnica y el vocabulario del ballet tradicional. Diferentes estilos han surgido en diferentes países, como el ballet francés, ballet italiano, ballet Inglés, y el ballet ruso. Varios de los estilos de ballet clásico están asociados con métodos de entrenamiento específicos, generalmente nombrados en honor a sus creadores (ver más abajo). El método de la Royal Academy of Dance es una técnica de ballet y un sistema de entrenamiento que fue fundado por un grupo diverso de bailarines de ballet. Fusionaron sus respectivos métodos de baile (italiano, francés, danés y ruso) para crear un nuevo estilo de ballet que es exclusivo de la organización y es reconocido internacionalmente como el estilo de ballet inglés. Algunos ejemplos de producciones de ballet clásico son: El lago de los cisnes, La bella durmiente y El cascanueces.

Ballet romántico

Artículo principal: ballet romántico Carlotta Grisi, la Giselle original, 1841, con el tutú romántico

El ballet romántico fue un movimiento artístico del ballet clásico y varias producciones permanecen en el repertorio clásico de hoy. La era romántica estuvo marcada por el surgimiento del trabajo de puntas, el dominio de las bailarinas y tutús más largos y fluidos que intentan ejemplificar la suavidad y un aura delicada. Este movimiento se produjo entre principios y mediados del siglo XIX (la era romántica ) y contó con temas que enfatizaban la emoción intensa como fuente de experiencia estética. Las tramas de muchos ballets románticos giraban en torno a mujeres espirituales (sílfides, wilis y fantasmas) que esclavizaban los corazones y los sentidos de los hombres mortales. El ballet La Sylphide de 1827 es ampliamente considerado como el primero, y el ballet Coppélia de 1870 se considera el último. Entre los famosos bailarines de ballet de la época romántica se encuentran Marie Taglioni, Fanny Elssler y Jules Perrot. Jules Perrot también es conocido por su coreografía, especialmente la de Giselle, a menudo considerada como el ballet romántico más célebre.

Ballet neoclásico

Artículo principal: ballet neoclásico Alexandra Danilova y Serge Lifar, Apollon Musagète, 1928

El ballet neoclásico suele ser abstracto, sin una trama, vestuario o escenografía claros. La elección de música puede ser diversa y, a menudo, incluirá música también neoclásica (por ejemplo, Stravinsky, Roussel ). Tim Scholl, autor de De Petipa a Balanchine, considera George Balanchine 's Apolo en 1928 para ser el primer ballet neoclásico. Apollo representó un regreso a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Sergei Diaghilev. Balanchine trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham y trajo a su compañía a bailarines modernos como Paul Taylor, quien en 1959 actuó en los episodios de Balanchine.

Si bien Balanchine es ampliamente considerado el rostro del ballet neoclásico, hubo otros que hicieron contribuciones significativas. Frederick Ashton ‘s Symphonic Variations (1946) es una obra fundamental para el coreógrafo. Con la partitura del mismo título de César Franck, es una interpretación de pura danza de la partitura.

Otra forma, Modern Ballet, también surgió como una rama del neoclasicismo. Entre los innovadores en esta forma se encuentran Glen Tetley, Robert Joffrey y Gerald Arpino. Si bien es difícil analizar el ballet moderno del neoclasicismo, el trabajo de estos coreógrafos favoreció un mayor atletismo que se apartó de la delicadeza del ballet. El físico fue más atrevido, con el estado de ánimo, la temática y la música más intensos. Un ejemplo de esto sería Astarte (1967) de Joffrey, que presentaba una partitura de rock y connotaciones sexuales en la coreografía.

Ballet Contemporáneo

Artículo principal: Ballet contemporáneo Un salto de ballet realizado con una forma moderna y no clásica en un ballet contemporáneo.

Este estilo de ballet a menudo se realiza descalzo. Los ballets contemporáneos pueden incluir mímica y actuación, y generalmente tienen música (típicamente orquestal pero ocasionalmente vocal). Puede ser difícil diferenciar esta forma del ballet neoclásico o moderno. El ballet contemporáneo también está cerca de la danza contemporánea porque muchos conceptos de ballet contemporáneo provienen de las ideas e innovaciones de la danza moderna del siglo XX, incluido el trabajo de piso y el giro de las piernas. La principal distinción es que la técnica del ballet es fundamental para realizar un ballet contemporáneo.

Se considera que George Balanchine fue un pionero del ballet contemporáneo. Otro coreógrafo de ballet contemporáneo temprano, Twyla Tharp, coreografió Push Comes To Shove para el American Ballet Theatre en 1976, y en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas se consideraron innovadoras por su combinación de movimientos claramente modernos con el uso de zapatillas de punta y bailarines de formación clásica.

Hoy en día existen muchas compañías de ballet y coreógrafos contemporáneos. Entre ellos se encuentran Alonzo King y su compañía LINES Ballet ; Matthew Bourne y su empresa New Adventures ; Cutis Ballet Contemporáneo ; Nacho Duato y su Compañía Nacional de Danza ; William Forsythe y The Forsythe Company ; y Jiří Kylián del Nederlands Dans Theatre. Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Mariinsky (Kirov) y el Ballet de la Ópera de París, también interpretan regularmente obras contemporáneas.

El término ballet ha evolucionado para incluir todas las formas asociadas con él. Ahora se espera que alguien que se entrena como bailarín de ballet realice trabajos neoclásicos, modernos y contemporáneos. Se espera que un bailarín de ballet sea capaz de ser majestuoso y regio para el trabajo clásico, libre y lírico en el trabajo neoclásico, y sencillo, severo o vulgar para el trabajo moderno y contemporáneo. Además, hay varias variedades modernas de danza que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza contemporánea, como Hiplet, que requiere que los bailarines practiquen estilos de danza no occidentales.

Métodos técnicos de instrucción de ballet.

Hay seis métodos ampliamente utilizados y reconocidos internacionalmente para enseñar o estudiar ballet. Estos métodos son la escuela francesa, el método Vaganova, el Método Cecchetti, el método de Bournonville, la Real Academia de Baile método (estilo Inglés), y el método de Balanchine (estilo americano). Existen muchas más escuelas de técnica en varios países.

Aunque los niños en edad preescolar son una lucrativa fuente de ingresos para un estudio de ballet, la instrucción de ballet generalmente no es apropiada para niños pequeños. La instrucción inicial requiere permanecer quieto y concentrarse en la postura, en lugar de bailar. Debido a esto, muchos programas de ballet históricamente no han aceptado estudiantes hasta aproximadamente los 8 años de edad. Se recomiendan como alternativas para los niños el movimiento creativo y las clases de pre-ballet no exigentes.

Método francés

El método francés es la base de todo entrenamiento de ballet. Cuando Luis XIV creó la Académie Royale de Danse en 1661, ayudó a crear la técnica codificada que todavía utilizan los profesionales de la profesión, independientemente del método de formación al que se adhieran. La escuela francesa se revitalizó particularmente con Rudolf Nureyev, en la década de 1980. Su influencia revitalizó y renovó el aprecio por este estilo, y ha moldeado drásticamente el ballet en su conjunto. De hecho, la escuela francesa ahora se conoce como escuela Nureyev. El método francés se caracteriza a menudo por la precisión técnica, la fluidez y la gracia, y líneas elegantes y limpias. Para este estilo, a menudo se utiliza un juego de pies rápido para dar la impresión de que los artistas se mueven ligeramente por el escenario. Dos importantes señas de identidad de esta técnica son la forma específica en que se realizan el port de bras y el épaulement, más redondeado que cuando se baila al estilo ruso, pero no tan redondeado como el estilo danés.

Método Vaganova

Agrippina Vaganova, "Esmeralda" 1910

El método Vaganova es un estilo de entrenamiento de ballet que surgió del ballet ruso, creado por Agrippina Vaganova. Después de retirarse de la danza en 1916, Vaganova se dedicó a la docencia en la Escuela Coreográfica de Leningrado en 1921. Su método de formación es ahora reconocido internacionalmente y su libro, Los fundamentos de la danza clásica (1934), es una referencia clásica. Este método está marcado por la fusión del estilo francés clásico, específicamente elementos de la época romántica, con el atletismo del método italiano y la pasión conmovedora del ballet ruso. Desarrolló un método de instrucción extremadamente preciso en su libro Principios básicos de la danza clásica rusa (1948). Esto incluye esbozar cuándo enseñar componentes técnicos a los estudiantes en sus carreras de ballet, por cuánto tiempo concentrarse en ellos y la cantidad adecuada de enfoque en cada etapa de la carrera del estudiante. Estos libros de texto continúan siendo extremadamente importantes para la instrucción de ballet en la actualidad.

El método enfatiza el desarrollo de la fuerza, la flexibilidad y la resistencia para la ejecución adecuada del ballet. Ella defendió la creencia de que se debe dar la misma importancia a los brazos y las piernas mientras se realiza el ballet, ya que esto traerá armonía y una mayor expresión al cuerpo como un todo.

Método Cecchetti

Enrico Cecchetti con Anna Pavlova

Desarrollado por Enrico Cecchetti (1850-1928), este método es conocido internacionalmente por su intensa dependencia de la comprensión de la anatomía en lo que respecta al ballet clásico. El objetivo de este método es inculcar características importantes para la interpretación del ballet en los estudiantes para que no tengan que depender de las imitaciones de los profesores. Los componentes importantes de este método es el énfasis en el equilibrio, las elevaciones, el impulso, el equilibrio y la fuerza.

Este método defiende la importancia de reconocer que todas las partes del cuerpo se mueven juntas para crear líneas hermosas y elegantes y, como tal, advierte que no se debe pensar en el ballet en términos de brazos, piernas, cuello y torso como partes separadas. Este método es bien conocido por los ocho port de bras que se utilizan.

Método Bournonville

Agosto Bournonville

El método de Bournonville es un método danés ideado por primera vez por August Bournonville. Bournonville estuvo fuertemente influenciado por el método de ballet francés temprano debido a su formación con su padre, Antoine Bournonville y otros importantes maestros del ballet francés. Este método tiene muchas diferencias de estilo que lo diferencian de otros métodos de ballet que se enseñan en la actualidad. Un componente clave es el uso de espadas diagonales, con la parte superior del cuerpo girando hacia el pie de trabajo típicamente. Este método también incorpora un uso muy básico de los brazos, piruetas desde una posición de desarrollo bajo a la segunda y el uso de sujetadores en bas de quinta posición para el comienzo y el final de los movimientos.

El método Bournonville produce bailarines que tienen un hermoso globo ("la ilusión de una ligereza imponderable").

Niñas compitiendo en los exámenes de la Royal Academy of Dancing (Londres) celebrados en Brisbane y Toowoomba, 1938

El método de la Royal Academy of Dance (RAD)

El método de la Royal Academy of Dance, también conocido como el estilo de ballet inglés, fue establecido en 1920 por Genee, Karsavina, Bedells, E Espinosa y Richardson. El objetivo de este método es promover la formación académica en ballet clásico en toda Gran Bretaña. Este estilo también se extendió a los Estados Unidos y todavía se utiliza ampliamente en la actualidad. Hay niveles de grado específicos por los que un estudiante debe pasar para completar la capacitación en este método. El principio clave detrás de este método de instrucción es que la técnica básica de ballet debe enseñarse a un ritmo lento, con una progresión de dificultad a menudo mucho más lenta que el resto de los métodos. La idea detrás de esto es que si un estudiante debe hacer un gran esfuerzo para perfeccionar los pasos básicos, la técnica aprendida en estos pasos le permite al estudiante utilizar los más difíciles a un ritmo mucho más fácil.

Método Balanchine

Suzanne Farrell y George Balanchine bailando en un segmento de "Don Quijote" en el New York State Theatre

Desarrollado por George Balanchine en el Ballet de la Ciudad de Nueva York. Su método se basa en gran medida en su propia formación como bailarín en Rusia. La técnica es conocida por su velocidad extrema en todas las rutinas, énfasis en las líneas y pliés profundos. Quizás una de las diferencias más conocidas de este estilo es la posición poco ortodoxa del cuerpo. Los bailarines de este estilo a menudo tienen las manos flexionadas e incluso los pies, y se colocan en posiciones de desequilibrio. Los estudios de ballet importantes que enseñan este método son el Miami City Ballet, la compañía Ballet Chicago Studio y la Escuela de Ballet Americano de Nueva York.

Disfraces

Anna Pavlova (primera bailarina); Los primeros materiales para los trajes de ballet eran pesados, lo que dificultaba los movimientos del bailarín.

Los trajes de ballet juegan un papel importante en la comunidad del ballet. A menudo son la única supervivencia de una producción, que representan una imagen imaginaria viviente de la escena.

Renacimiento y Barroco

Las raíces del ballet se remontan al Renacimiento en Francia e Italia cuando la vestimenta de la corte fue el comienzo de los trajes de ballet. Los trajes de ballet existen desde principios del siglo XV. El algodón y la seda se mezclaron con lino y se tejieron en una gasa semitransparente para crear exquisitos trajes de ballet.

Decimoséptimo siglo

Durante el siglo XVII, se utilizaron diferentes tipos de tejidos y diseños para hacer que los trajes fueran más espectaculares y llamativos. La vestimenta de la corte aún permaneció para las mujeres durante este siglo. Las sedas, los rasos y las telas bordadas con oro real y piedras preciosas aumentaron el nivel de decoración espectacular asociada con los trajes de ballet. Los disfraces de las mujeres también consistían en prendas pesadas y faldas hasta la rodilla que les dificultaban crear mucho movimiento y gesto.

Siglo dieciocho

Durante el siglo XVIII, el vestuario escénico todavía era muy similar al de la corte, pero progresó con el tiempo, principalmente debido al bailarín y maestro de ballet francés Jean-Georges Noverre (1727-1810) cuyas propuestas para modernizar el ballet están contenidas en su revolucionaria Lettres sur. la danse et les ballets (1760). El libro de Noverre alteró el énfasis de una producción alejándose del vestuario hacia los movimientos físicos y las emociones de los bailarines.

El ballet europeo se centró en la Ópera de París. Durante esta época, las faldas se levantaron unos centímetros del suelo. Flores, volantes, cintas y encajes enfatizaron este opulento estilo femenino, ya que los suaves tonos pastel en cidra, melocotón, rosa y pistacho dominaron la gama cromática.

Siglo xix

Olga Spessiva; Disfraz de lago de los cisnes en el siglo XX

A principios del siglo XIX se utilizaron trajes de cuerpo ceñido, coronas de flores, ramilletes y joyas. Los ideales del romanticismo se reflejaron a través de los movimientos femeninos.

Los disfraces se volvieron mucho más ajustados a medida que comenzaron a usarse los corsés, para mostrar las curvas de una bailarina. Las joyas y los trajes deslumbrantes se hicieron mucho más populares.

Siglo veinte

Maggie Gripenberg (en el medio) actuando en el Teatro Nacional de Finlandia en 1916.

Durante el siglo XX, los trajes de ballet regresaron a la influencia del ballet ruso. Las faldas de bailarina se convirtieron en tutús hasta la rodilla, más tarde para lucir su trabajo de puntas precisas. Los colores utilizados en el vestuario escénico también se volvieron mucho más vibrantes. Los diseñadores utilizaron colores como rojo, naranja, amarillo, etc. para crear una expresión visual cuando los bailarines de ballet actúan en el escenario.

Ballet como carrera

Los bailarines profesionales generalmente no están bien pagados. A partir de 2017, a los bailarines estadounidenses (incluido el ballet y otras formas de danza) se les pagaba un promedio de 14,25 dólares por hora. Las perspectivas laborales no son sólidas y la competencia para conseguir un trabajo es intensa, y el número de solicitantes supera ampliamente el número de puestos vacantes. Algunos bailarines ganan dinero participando en concursos de baile y reciben dinero o contratos bien pagados. A los coreógrafos se les pagó casi el doble que a los bailarines en 2017.

Efectos en la salud

Bailarina en un descanso

Las bailarinas de ballet adolescentes son propensas a sufrir fracturas por estrés en la primera costilla. Los trastornos alimentarios son un estereotipo común asociado con el ballet. Además, algunos investigadores han notado que el entrenamiento intensivo en ballet da como resultado una menor densidad mineral ósea en los brazos.

Crítica

La mayoría de las coreografías de ballet están escritas para que solo las pueda realizar un bailarín relativamente joven. La estructura del ballet, en la que un coreógrafo o director (generalmente) masculino utiliza (en su mayoría) cuerpos de mujeres para expresar su visión artística, mientras ignora, objetiva o silencia a las mujeres involucradas, ha sido criticada por dañar a las mujeres.

Ver también

• Glosario de ballet
• Lista de ballets por título
• Danza y salud
• Estereotipo occidental del bailarín de ballet masculino

Referencias

Otras lecturas

• Anderson, Jack (1992). Ballet y danza moderna: una historia concisa (2ª ed.). Princeton, Nueva Jersey: Princeton Book Company, Publishers. ISBN   978-0-87127-172-3.
• Au, Susan (2002). Ballet y Danza Moderna (2ª ed.). Londres: el mundo del arte de Thames amp; Hudson. ISBN   978-0-500-20352-1.
• Bland, Alexander (1976). Una historia del ballet y la danza en el mundo occidental. Nueva York: Praeger Publishers. ISBN   978-0-275-53740-1.
• Darius, Adam (2007). Arabescos a través del tiempo. Helsinki: Libros Harlequinade. ISBN   951-98232-4-7
• Gordon, Suzanne (1984). Off Balance: El mundo real del ballet. McGraw-Hill. ISBN   978-0-07-023770-4.
• Kant, Marion (2007). Compañero de Cambridge al ballet. Compañeros de Cambridge a la música (1ª ed.). Cambridge, Reino Unido: Cambridge University Press, Publishers. ISBN   978-0-521-53986-9.
• Kirstein, Lincoln ; Stuart, Muriel (1952). El ballet clásico. Nueva York: Alfred A Knopf.
• Lee, Carol (2002). Ballet en la cultura occidental: una historia de sus orígenes y evolución. Nueva York: Routledge. ISBN   978-0-415-94256-0.

enlaces externos

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el ballet.

Busque ballet en Wikcionario, el diccionario gratuito.

• Chisholm, Hugh, ed. (1911). "Ballet" . Encyclopædia Britannica (11ª ed.). Prensa de la Universidad de Cambridge.