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Barroco

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Para otros usos, consulte Barroco (desambiguación).

El barroco
WLA metmuseum Venus y Adonis por Peter Paul Rubens.jpg Éxtasis de Santa Teresa HDR.jpg Wieskirche 1.2.jpg Arriba: Venus y Adonis de Peter Paul Rubens (1635-1640); Centro: El éxtasis de santa Teresa de Bernini (1651); Abajo: La Wieskirche de Baviera (1754)
Años activos Siglos XVII-XVIII

El barroco ( Reino Unido : / b ə r ɒ k /, Estados Unidos : / b ə r oʊ k / ; en francés:  [baʁɔk] ) es un estilo de la arquitectura, la música, la danza, la pintura, la escultura y otras artes que florecieron en Europa desde principios del siglo XVII hasta la década de 1740. En los territorios de los imperios español y portugués incluida la Península Ibérica continuó, junto con nuevos estilos, hasta la primera década del siglo XIX. Siguió el arte renacentista y el manierismo y precedió al rococó (en el pasado a menudo denominado "barroco tardío") y al estilo neoclásico. Fue alentado por la Iglesia Católica como un medio para contrarrestar la simplicidad y austeridad de la arquitectura, el arte y la música protestantes, aunque el arte barroco luterano también se desarrolló en partes de Europa.

El estilo barroco utilizó contraste, movimiento, detalles exuberantes, colores profundos, grandeza y sorpresa para lograr una sensación de asombro. El estilo comenzó a principios del siglo XVII en Roma, luego se extendió rápidamente a Francia, el norte de Italia, España y Portugal, luego a Austria, el sur de Alemania y Rusia. En la década de 1730, se había convertido en un estilo aún más extravagante, llamado rocaille o rococó, que apareció en Francia y Europa Central hasta mediados y finales del siglo XVIII.

En las artes decorativas, el estilo emplea una ornamentación abundante e intrincada. La salida del clasicismo renacentista tiene sus propios caminos en cada país. Pero una característica general es que en todas partes el punto de partida son los elementos ornamentales introducidos por el Renacimiento. El repertorio clásico está abarrotado, denso, superpuesto, cargado, para provocar efectos de choque. Los nuevos motivos introducidos por el barroco son: la orla, trofeos y armas, cestas de frutas o flores, y otros, realizados en marquetería, estuco o tallados.

Contenido
  • 1 Origen de la palabra
  • 2 Arquitectura: orígenes y características
    • 2.1 barroco italiano
    • 2.2 Barroco español
    • 2.3 Europa central y rococó (décadas de 1740 a 1770)
    • 2.4 Barroco francés o clasicismo
    • 2.5 barroco portugués
    • 2.6 Barroco ruso
    • 2.7 Barroco en la América colonial española y portuguesa
    • 2.8 Barroco en el Asia colonial española y portuguesa
  • 3 Pintura
    • 3.1 América española
  • 4 Escultura
  • 5 muebles
  • 6 Música y ballet
    • 6.1 Compositores y ejemplos
  • 7 Teatro
    • 7.1 América colonial española
  • 8 jardines
  • 9 diferencias entre rococó y barroco
  • 10 Fin del estilo, condena y redescubrimiento académico
  • 11 arte del renacimiento barroco
  • 12 Véase también
  • 13 notas
  • 14 Fuentes
  • 15 Lecturas adicionales
  • 16 Enlaces externos

Origen de la palabra

Colgante en forma de sirena, hecho de una perla barroca (el torso) con monturas de oro esmaltadas engastadas con rubíes, probablemente hacia 1860, en el Museo Metropolitano de Arte (Ciudad de Nueva York)

La palabra inglesa barroco proviene directamente del francés (como podría sugerir la ortografía estándar moderna del idioma inglés). Algunos estudiosos afirman que la palabra francesa se originó a partir del término portugués barroco ("una perla defectuosa"), que apunta al latín verruca, ("verruga"), o a una palabra con el sufijo -ǒccu (común en la Iberia prerromana).. Otras fuentes sugieren un término latino medieval usado en lógica, baroco, como la fuente más probable.

En el siglo XVI, la palabra latina medieval baroco fue más allá de la lógica escolástica y comenzó a usarse para caracterizar cualquier cosa que pareciera absurdamente compleja. El filósofo francés Michel de Montaigne (1533-1592) asoció el término baroco con "Extraño e inútilmente complicado". Otras fuentes tempranas asocian el baroco con magia, complejidad, confusión y exceso.

La palabra barroco también se asoció con perlas irregulares antes del siglo XVIII. El barroco francés y el barroco portugués eran términos asociados a menudo con la joyería. Un ejemplo de 1531 usa el término para describir perlas en un inventario de los tesoros de Carlos V de Francia. Más tarde, la palabra aparece en una edición de 1694 de Le Dictionnaire de l'Académie Française, que describe el barroco como "solo utilizado para perlas que son imperfectamente redondas". Un diccionario portugués de 1728 describe de manera similar el barroco como relacionado con una "perla tosca y desigual".

Una derivación alternativa de la palabra barroco apunta al nombre del pintor italiano Federico Barocci (1528-1612).

En el siglo XVIII se empezó a utilizar el término para describir la música, y no de forma halagadora. En una revisión satírica anónimo del estreno de Jean-Philippe Rameau 's Hipólito y Aricia en octubre de 1733, que fue impreso en el Mercurio de Francia en el de mayo de 1734, el crítico escribió que la novedad en esta ópera era 'du barocque', quejándose que la música carecía de una melodía coherente, era implacable con las disonancias, cambiaba constantemente de tono y compás, y pasaba rápidamente por todos los dispositivos de composición.

En 1762 Le Dictionnaire de l'Académie Française registró que el término podría describir figurativamente algo "irregular, extraño o desigual".

Jean-Jacques Rousseau, que fue músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie : "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación es difícil y el movimiento limitado. Parece que ese término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos ".

En 1788, Quatremère de Quincy definió el término en la Encyclopédie Méthodique como "un estilo arquitectónico muy adornado y atormentado".

Los términos franceses estilo barroco y música barroca aparecieron en Le Dictionnaire de l'Académie Française en 1835. A mediados del siglo XIX, los críticos de arte e historiadores habían adoptado el término "barroco" como una forma de ridiculizar el arte posrrenacentista. Este era el sentido de la palabra tal como la utilizó en 1855 el destacado historiador del arte Jacob Burckhardt, quien escribió que los artistas barrocos "despreciaban y abusaron de los detalles" porque carecían de "respeto por la tradición".

En 1888, el historiador del arte Heinrich Wölfflin publicó el primer trabajo académico serio sobre el estilo, Renaissance und Barock, que describía las diferencias entre la pintura, la escultura y la arquitectura del Renacimiento y el Barroco.

Arquitectura: orígenes y características

Artículo principal: arquitectura barroca Quadratura o techo trampantojo de la Iglesia del Gesù de Roma, de Giovanni Battista Gaulli, de 1673 a 1678

El estilo barroco de la arquitectura fue el resultado de las doctrinas adoptadas por la Iglesia Católica en el Concilio de Trento en 1545–63, en respuesta a la Reforma Protestante. La primera fase de la Contrarreforma había impuesto un estilo académico severo a la arquitectura religiosa, que había atraído a los intelectuales pero no a la masa de feligreses. En cambio, el Concilio de Trento decidió apelar a una audiencia más popular y declaró que las artes deberían comunicar los temas religiosos con una participación directa y emocional. De manera similar, el arte barroco luterano se desarrolló como un marcador confesional de identidad, en respuesta a la Gran Iconoclasia de los Calvinistas.

Las iglesias barrocas se diseñaron con un gran espacio central, donde los fieles podían estar cerca del altar, con una cúpula o cúpula en lo alto, permitiendo que la luz iluminara la iglesia de abajo. La cúpula fue uno de los elementos simbólicos centrales de la arquitectura barroca que ilustra la unión entre los cielos y la tierra.El interior de la cúpula estaba profusamente decorado con pinturas de ángeles y santos, y con estatuillas de ángeles de estuco, dando la impresión a los de abajo. de mirar al cielo. Otra característica de las iglesias barrocas son la quadratura ; Pinturas trampantojo en el techo en marcos de estuco, reales o pintadas, repletas de pinturas de santos y ángeles y conectadas por detalles arquitectónicos con las balaustradas y consolas. Las pinturas de los Atlantes en cuadratura debajo de las cornisas parecen sostener el techo de la iglesia. A diferencia de los techos pintados de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, que combinaban diferentes escenas, cada una con su propia perspectiva, para ser vistas una a la vez, las pinturas barrocas del techo fueron creadas cuidadosamente para que el espectador en el piso de la iglesia pudiera ver el todo el techo en la perspectiva correcta, como si las cifras fueran reales.

Los interiores de las iglesias barrocas se volvieron cada vez más ornamentados en el Alto Barroco y se concentraron alrededor del altar, generalmente colocado debajo de la cúpula. Las obras decorativas barrocas más célebres del Alto Barroco son la Cátedra de San Pedro (1647–53) y el Baldachino de San Pedro (1623–34), ambas de Gian Lorenzo Bernini, en la Basílica de San Pedro en Roma. El Baldequin de San Pedro es un ejemplo del equilibrio de opuestos en el arte barroco; las gigantescas proporciones de la pieza, con la aparente ligereza de la marquesina; y el contraste entre las sólidas columnas retorcidas, bronce, oro y mármol de la pieza con los fluidos cortinajes de los ángeles en el dosel. La Dresden Frauenkirche sirve como un ejemplo destacado del arte barroco luterano, que se completó en 1743 después de haber sido encargado por el ayuntamiento luterano de Dresde y fue "comparada por los observadores del siglo XVIII con San Pedro en Roma".

La columna retorcida en el interior de las iglesias es una de las características distintivas del barroco. Da una sensación de movimiento y también una nueva forma dramática de reflejar la luz. La orla fue otro rasgo característico de la decoración barroca. Se trataba de grandes placas talladas en mármol o piedra, generalmente ovaladas y de superficie redondeada, que llevaban imágenes o texto en letras doradas, y se colocaban como decoración interior o sobre las puertas de los edificios, entregando mensajes a los de abajo. Mostraron una amplia variedad de inventos y se encontraron en todo tipo de edificios, desde catedrales y palacios hasta pequeñas capillas.

Los arquitectos barrocos a veces utilizaron la perspectiva forzada para crear ilusiones. Para el Palazzo Spada en Roma, Borromini usó columnas de tamaño decreciente, un piso más estrecho y una estatua en miniatura en el jardín más allá para crear la ilusión de que un pasillo tenía treinta metros de largo, cuando en realidad solo tenía siete metros de largo. Una estatua al final del pasaje parece ser de tamaño natural, aunque solo mide sesenta centímetros de alto. Borromini diseñó la ilusión con la ayuda de un matemático.

Barroco italiano

Artículo principal: arquitectura barroca italiana San Ignacio de Roma (1626-1650)

El primer edificio en Roma que tuvo una fachada barroca fue la Iglesia del Gesù en 1584; era sencillo según los estándares barrocos posteriores, pero marcó una ruptura con las fachadas tradicionales renacentistas que lo precedieron. El interior de esta iglesia se mantuvo muy austero hasta el alto barroco, cuando fue ricamente ornamentado.

En Roma en 1605, Pablo V se convirtió en el primero de una serie de papas que encargaron basílicas y edificios de iglesias diseñados para inspirar emoción y asombro a través de una proliferación de formas y una riqueza de colores y efectos dramáticos. Entre los monumentos más influyentes del Barroco temprano se encuentran la fachada de la Basílica de San Pedro (1606-1619) y la nueva nave y logia que conectaban la fachada con la cúpula de Miguel Ángel en la iglesia anterior. El nuevo diseño creó un contraste dramático entre la cúpula altísima y la fachada desproporcionadamente amplia, y el contraste en la propia fachada entre las columnas dóricas y la gran masa del pórtico.

A mediados y finales del siglo XVII, el estilo alcanzó su apogeo, más tarde denominado Alto Barroco. Muchas obras monumentales fueron encargadas por los papas Urbano VIII y Alejandro VII. El escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini diseñó una nueva columnata cuádruple alrededor de la Plaza de San Pedro (1656 a 1667). Las tres galerías de columnas en una elipse gigante equilibran la cúpula de gran tamaño y dan a la Iglesia y la plaza una unidad y la sensación de un teatro gigante.

Santa Maria della Salute en Venecia (1631-1687)

Otro gran innovador del alto barroco italiano fue Francesco Borromini, cuya obra principal fue la Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlos de las Cuatro Fuentes (1634–46). La sensación de movimiento viene dada no por la decoración, sino por los propios muros, que se ondulan y por elementos cóncavos y convexos, entre ellos una torre ovalada y un balcón insertado en un travesaño cóncavo. El interior fue igualmente revolucionario; el espacio principal de la iglesia era ovalado, bajo una cúpula ovalada.

Los techos pintados, abarrotados de ángeles y santos y efectos arquitectónicos de trampantojo, fueron una característica importante del alto barroco italiano. Las obras principales incluyeron La entrada de San Ignacio en el paraíso de Andrea Pozzo (1685-1695) en la Iglesia de San Ignacio en Roma, y El triunfo del nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli en la Iglesia del Gesù en Roma (1669– 1683), que presentaba figuras que se derramaban fuera del marco de la imagen y una iluminación oblicua dramática y contrastes de luz y oscuridad. El estilo se extendió rápidamente desde Roma a otras regiones de Italia: apareció en Venecia en la iglesia de Santa Maria della Salute (1631-1687) por Baldassare Longhena, una forma octogonal muy original coronada con una enorme cúpula. Apareció también en Turín, sobre todo en la Capilla de la Sábana Santa (1668-1694) de Guarino Guarini. El estilo también comenzó a usarse en palacios; Guarini diseñó el Palazzo Carignano en Turín, mientras que Longhena diseñó el Ca 'Rezzonico en el Gran Canal, (1657), terminado por Giorgio Massari con decorado con pinturas de Giovanni Battista Tiepolo. Una serie de terremotos masivos en Sicilia requirió la reconstrucción de la mayoría de ellos y varios fueron construidos en el exuberante estilo barroco tardío o rococó.

Barroco español

Artículo principal: Arquitectura barroca española Las torres de la Catedral de Santiago de Compostela de Fernando de Casas Novoa (1680 (torre central) y 1738-1750)

La Iglesia católica en España, y en particular los jesuitas, fueron la fuerza impulsora de la arquitectura barroca española. La primera gran obra de este estilo fue la Capilla de San Isidro de Madrid, iniciada en 1643 por Pedro de la Torre. Contrastaba una extrema riqueza ornamental en el exterior con la sencillez en el interior, dividida en múltiples espacios y utilizando efectos de luz para crear una sensación de misterio. La Catedral de Santiago de Compostela se modernizó con una serie de adiciones barrocas que comenzaron a fines del siglo XVII, comenzando con un campanario muy ornamentado (1680), luego flanqueado por dos torres aún más altas y ornamentadas, llamadas el Obradorio, agregó. entre 1738 y 1750 por Fernando de Casas Novoa. Otro hito del barroco español es la torre de la capilla del Palacio de San Telmo de Sevilla de Leonardo de Figueroa.

Granada sólo había sido conquistada a los moros en el siglo XV y tenía su propia variedad distintiva de barroco. El pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano diseñó el interior barroco de la catedral de Granada entre 1652 y su muerte en 1657. Presenta contrastes dramáticos de las enormes columnas blancas y la decoración dorada.

La arquitectura más ornamental y ricamente decorada del barroco español se llama estilo churrigueresco, en honor a los hermanos Churriguera, que trabajaron principalmente en Salamanca y Madrid. Entre sus obras destacan los edificios de la plaza principal de la ciudad, la Plaza Mayor de Salamanca (1729). Este estilo barroco altamente ornamental fue muy influyente en muchas iglesias y catedrales construidas por los españoles en las Américas.

Otros arquitectos barrocos españoles notables del barroco tardío incluyen a Pedro de Ribera, alumno de Churriguera, que diseñó el Real Hospicio de San Fernando en Madrid, y Narciso Tomé, que diseñó el célebre retablo de El Transparente en la Catedral de Toledo (1729-1732), que da la ilusión, con cierta luz, de flotar hacia arriba.

Los arquitectos del barroco español tuvieron un efecto mucho más allá de España; su trabajo fue muy influyente en las iglesias construidas en las colonias españolas en América Latina y Filipinas. La Iglesia construida por los jesuitas para un colegio en Tepotzotlán, con su ornamentada fachada y torre barrocas, es un buen ejemplo.

Europa central y rococó (décadas de 1740 a 1770)

Artículo principal: Rococó Quadratura ; una cúpula pintada por Andrea Pozzo para la Iglesia de los jesuitas, Viena, que da la ilusión de mirar hacia arriba a figuras celestiales alrededor de una cúpula inexistente (1703)

De 1680 a 1750, se construyeron muchas catedrales, abadías e iglesias de peregrinación muy ornamentadas en Europa Central, Baviera, Austria, Bohemia y el suroeste de Polonia. Algunos eran de estilo rococó, un estilo distintivo, más extravagante y asimétrico que surgió del barroco y luego lo reemplazó en Europa Central en la primera mitad del siglo XVIII, hasta que fue reemplazado a su vez por el clasicismo.

Los príncipes de la multitud de estados de esa región también eligieron el barroco o el rococó para sus palacios y residencias, y a menudo utilizaron arquitectos formados en Italia para construirlos. Arquitectos notables incluyeron a Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt y Dominikus Zimmermann en Baviera, Balthasar Neumann en Bruhl y Matthäus Daniel Pöppelmann en Dresde. En Prusia, Federico II de Prusia se inspiró en el Gran Trianón del Palacio de Versalles y lo utilizó como modelo para su residencia de verano, Sanssouci, en Potsdam, diseñada para él por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Otra obra de la arquitectura palaciega barroca es el Zwinger de Dresde, la antigua orangerie del palacio de los duques de Sajonia en el siglo XVIII.

Iglesia de San Nicolás (Malá Strana) de Praga (1704-1755)

Uno de los mejores ejemplos de una iglesia rococó es la Basilika Vierzehnheiligen, o Basílica de los Catorce Auxiliares, una iglesia de peregrinación ubicada cerca de la ciudad de Bad Staffelstein cerca de Bamberg, en Baviera, en el sur de Alemania. La Basílica fue diseñada por Balthasar Neumann y fue construida entre 1743 y 1772, su plan es una serie de círculos entrelazados alrededor de un óvalo central con el altar colocado en el centro exacto de la iglesia. El interior de esta iglesia ilustra la cumbre de la decoración rococó. Otro ejemplo notable del estilo es la iglesia de peregrinación de Wies (en alemán : Wieskirche). Fue diseñado por los hermanos JB y Dominikus Zimmermann. Se encuentra en las estribaciones de los Alpes, en el municipio de Steingaden en el distrito de Weilheim-Schongau, Baviera, Alemania. La construcción tuvo lugar entre 1745 y 1754, y el interior fue decorado con frescos y con estucos en la tradición de la escuela Wessobrunner. Ahora es un sitio del patrimonio mundial de la UNESCO.

Otro ejemplo notable es la Iglesia de San Nicolás (Malá Strana) en Praga (1704-1755), construida por Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer. La decoración cubre todas las paredes del interior de la iglesia. El altar se coloca en la nave debajo de la cúpula central, y rodeado de capillas, la luz desciende desde la cúpula de arriba y desde las capillas circundantes. El altar está completamente rodeado por arcos, columnas, balaustradas curvas y pilastras de piedra de colores, que están ricamente decoradas con estatuas, creando una confusión deliberada entre la arquitectura real y la decoración. La arquitectura se transforma en un teatro de luz, color y movimiento.

En Polonia, el barroco polaco de inspiración italiana duró desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y enfatizó la riqueza de detalles y colores. El primer edificio barroco de la Polonia actual y probablemente uno de los más reconocibles es la Iglesia de San Pedro y San Pablo en Cracovia, diseñada por Giovanni Battista Trevano. La Columna de Segismundo en Varsovia, erigida en 1644, fue el primer monumento barroco secular del mundo construido en forma de columna. El estilo de la residencia palaciega fue ejemplificado por el Palacio de Wilanów, construido entre 1677 y 1696. El arquitecto barroco más famoso en activo en Polonia fue el holandés Tylman van Gameren y sus obras notables incluyen la Iglesia de San Kazimierz de Varsovia y el Palacio de Krasiński, Santa Ana en Cracovia y Palacio Branicki en Bialystok. Sin embargo, la obra más célebre del barroco polaco es la iglesia de Fara en Poznań, con detalles de Pompeo Ferrari.

Barroco francés o clasicismo

Artículo principal: arquitectura barroca francesa Palacio de Versalles (iniciado por Louis Le Vau en 1661)

Francia resistió en gran medida el estilo barroco ornamentado de Italia, España, Viena y el resto de Europa. El estilo barroco francés (a menudo denominado Gran Clasicismo o simplemente Clasicismo en Francia) está estrechamente asociado con las obras construidas para Luis XIV y Luis XV ; presenta un orden y medida más geométricos que el barroco, y una decoración menos elaborada en las fachadas y en los interiores. Luis XIV invitó al maestro del barroco, Bernini, a presentar un diseño para la nueva ala del Louvre, pero lo rechazó a favor de un diseño más clásico de Claude Perrault y Louis Le Vau.

Los principales arquitectos del estilo fueron François Mansart ( Chateau de Balleroy, 1626-1636), Pierre Le Muet (Iglesia de Val-de-Grace, 1645-1665), Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte, 1657-1661) y especialmente Jules Hardouin Mansart y Robert de Cotte, cuyo trabajo incluyó la Galerie des Glaces y el Grand Trianon en Versailles (1687-1688). Mansart también fue responsable del clasicismo barroco de la Place Vendôme (1686-1699).

El principal proyecto real de la época fue la ampliación del Palacio de Versalles, iniciada en 1661 por Le Vau con decoración del pintor Charles Le Brun. Los jardines fueron diseñados por André Le Nôtre específicamente para complementar y amplificar la arquitectura. La Galerie des Glaces (Salón de los Espejos), la pieza central del castillo, con pinturas de Le Brun, fue construida entre 1678 y 1686. Mansart completó el Gran Trianon en 1687. La capilla, diseñada por De Cotte, se terminó en 1710. Tras la muerte de Luis XIV, Luis XV añadió el Petit Trianon más íntimo y el teatro muy ornamentado. Las fuentes de los jardines se diseñaron para ser vistas desde el interior y para aumentar el efecto dramático. El palacio fue admirado y copiado por otros monarcas de Europa, particularmente Pedro el Grande de Rusia, quien visitó Versalles a principios del reinado de Luis XV, y construyó su propia versión en el Palacio Peterhof cerca de San Petersburgo, entre 1705 y 1725.

Barroco portugués

La gloria de Neptuno, Palacio de Queluz, 1747

La arquitectura barroca en Portugal duró alrededor de dos siglos (finales del siglo XVII y siglo XVIII). Los reinados de Juan V y José I habían aumentado las importaciones de oro y diamantes, en un período llamado absolutismo real, que permitió que floreciera el barroco portugués.

La arquitectura barroca en Portugal disfruta de una situación especial y una cronología diferente al resto de Europa.

Está condicionado por varios factores políticos, artísticos y económicos, que originan varias fases, y diferentes tipos de influencias externas, resultando en una mezcla única, a menudo incomprendida por quienes buscan el arte italiano, encuentran en cambio formas y carácter específicos que le dan un carácter. variedad exclusivamente portuguesa. Otro factor clave es la existencia de la arquitectura jesuítica, también llamada "estilo llano" (Estilo Chão o Estilo Plano) que, como su nombre evoca, es más llana y parece algo austera.

Interior del Monasterio de São Martinho de Tibães, Braga, 1757

Los edificios son basílicas de una sola habitación, capilla mayor profunda, capillas laterales (con pequeñas puertas de comunicación), sin decoración interior y exterior, portal y ventanas muy sencillos. Es un edificio muy práctico, que permite construirlo en todo el imperio con pequeños ajustes, y prepararlo para decorarlo más tarde o cuando se disponga de recursos económicos.

De hecho, el primer barroco portugués no falta en la construcción porque el "estilo llano" es fácil de transformar, mediante la decoración (pintura, alicatado, etc.), convirtiendo espacios vacíos en pomposos y elaborados escenarios barrocos. Lo mismo podría aplicarse al exterior. Posteriormente, es fácil adaptar el edificio al gusto de la época y el lugar y agregar nuevas características y detalles. Práctico y económico.

Con más habitantes y mejores recursos económicos, el norte, particularmente las áreas de Oporto y Braga, fue testigo de una renovación arquitectónica, visible en la gran lista de iglesias, conventos y palacios construidos por la aristocracia.

Oporto es la ciudad del barroco en Portugal. Su centro histórico forma parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Muchas de las obras barrocas en el área histórica de la ciudad y más allá, pertenecen a Nicolau Nasoni, un arquitecto italiano que vive en Portugal, dibujando edificios originales con emplazamientos escenográficos como la iglesia y la torre de los Clérigos, la logia de la Catedral de Oporto, la iglesia. de la Misericordia, el Palacio de São João Novo, el Palacio de Freixo, el Palacio Episcopal (en portugués : Paço Episcopal do Porto) entre muchos otros.

Barroco ruso

Artículos principales: barroco narishkin, barroco petrino, barroco isabelino y barroco siberiano La fachada occidental del Palacio de Catalina (1752-1756) por Bartolomeo Rastrelli

El debut del barroco ruso, o barroco petrino, siguió a una larga visita de Pedro el Grande a Europa occidental en 1697–98, donde visitó los castillos de Fontainebleau y Versalles, así como otros monumentos arquitectónicos. Decidió, a su regreso a Rusia, construir monumentos similares en San Petersburgo, que se convirtió en la nueva capital de Rusia en 1712. Los primeros monumentos importantes del barroco petrino incluyen la Catedral de Pedro y Pablo y el Palacio de Ménshikov.

Durante el reinado de la emperatriz Anna y Elizaveta Petrovna, la arquitectura rusa estuvo dominada por el lujoso estilo barroco del italiano Bartolomeo Rastrelli, que se convirtió en el barroco isabelino. Los edificios emblemáticos de Rastrelli incluyen el Palacio de Invierno, el Palacio de Catalina y la Catedral Smolny. Otros monumentos distintivos del barroco isabelino son el campanario de Troitse-Sergiyeva Lavra y la Puerta Roja.

En Moscú, el barroco de Naryshkin se generalizó, especialmente en la arquitectura de las iglesias ortodoxas orientales a fines del siglo XVII. Era una combinación del barroco de Europa occidental con los estilos folclóricos tradicionales rusos.

Barroco en la América colonial española y portuguesa

Artículos principales: arte mexicano § barroco mexicano, barroco en Brasil, barroco andino, churrigueresco y misiones españolas en las Américas Fachada de la Iglesia Jesuita de Arequipa ( Perú ), 1698-1699. La elevación de la fachada fue supervisada por el arquitecto español Diego de Adrián. La ornamentación fue tallada por escultores y albañiles nativos americanos.

Debido a la colonización de América por los países europeos, el barroco se trasladó naturalmente al Nuevo Mundo, encontrando un terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal, siendo ambos países monarquías centralizadas e irreductiblemente católicas, por extensión sometidas a Roma y adherentes de el barroco contrarreformista más típico. Los artistas europeos emigraron a América e hicieron escuela, y junto con la penetración generalizada de misioneros católicos, muchos de los cuales eran artistas hábiles, crearon un barroco multiforme a menudo influenciado por el gusto popular. Los artesanos criollos e indios hicieron mucho para darle a este barroco características únicas. Los principales centros de cultivo del barroco americano, que aún se mantienen en pie, son (en este orden) México, Brasil, Perú, Ecuador, Cuba, Colombia, Bolivia, Guatemala y Puerto Rico.

De particular interés es el llamado "Barroco Misionero", desarrollado en el marco de las reducciones españolas en áreas que se extienden desde México y porciones del suroeste de los actuales Estados Unidos hasta tan al sur como Argentina y Chile, asentamientos indígenas organizados por católicos españoles. misioneros para convertirlos a la fe cristiana y aculturarlos en la vida occidental, conformando un barroco híbrido influenciado por la cultura nativa, donde florecieron criollos y muchos artesanos y músicos indios, incluso alfabetizados, algunos de gran habilidad y talento propio. Los relatos de los misioneros a menudo repiten que el arte occidental, especialmente la música, tuvo un impacto hipnótico en los forestales, y se consideraba que las imágenes de los santos tenían grandes poderes. Muchos indios se convirtieron y se creó una nueva forma de devoción, de intensidad apasionada, cargada de misticismo, superstición y teatralidad, que se deleitaba con misas festivas, conciertos sagrados y misterios.

La arquitectura barroca colonial en la América española se caracteriza por una profusa decoración (portal de la Iglesia La Profesa, Ciudad de México ; fachadas cubiertas con azulejos estilo Puebla, como en la Iglesia de San Francisco Acatepec en San Andrés Cholula y la Iglesia Convento de San Francisco de Puebla ), que se agravará en el llamado estilo churrigueresco (Fachada del Sagrario de la Catedral de la Ciudad de México, de Lorenzo Rodríguez ; Iglesia de San Francisco Javier, Tepotzotlán ; Iglesia de Santa Prisca de Taxco ). En el Perú, las construcciones desarrolladas mayoritariamente en las ciudades de Lima, Cusco, Arequipa y Trujillo desde 1650 muestran características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros acolchados y columnas salomónicas ( Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco ; Basílica y Convento de San Francisco, Lima ). Otros países incluyen: la Catedral Metropolitana de Sucre en Bolivia ; Catedral Basílica de Esquipulas en Guatemala ; Catedral de Tegucigalpa en Honduras ; Catedral de León en Nicaragua ; la Iglesia de la Compañía de Jesús en Quito, Ecuador ; la Iglesia de San Ignacio en Bogotá, Colombia ; la Catedral de Caracas en Venezuela ; el Cabildo de Buenos Aires en Argentina ; la Iglesia de Santo Domingo en Santiago, Chile ; y la Catedral de La Habana en Cuba. También vale la pena recordar la calidad de las iglesias de las misiones jesuitas españolas en Bolivia, las misiones jesuitas españolas en Paraguay, las misiones españolas en México y las misiones franciscanas españolas en California.

En Brasil, como en la metrópoli, Portugal, la arquitectura tiene cierta influencia italiana, generalmente de tipo borrominesco, como se puede ver en la Concatedral de Recife (1784) y la Iglesia de Nossa Senhora da Glória do Outeiro en Rio de Janeiro (1739). En la región de Minas Gerais, destacó la obra de Aleijadinho, autor de un grupo de iglesias que destacan por su planimetría curva, fachadas con efectos dinámicos cóncavo-convexos y un tratamiento plástico de todos los elementos arquitectónicos ( Iglesia de São Francisco de Assis en Ouro Preto, 1765-1788).

Barroco en el Asia colonial española y portuguesa

Véase también: Terremoto Barroco

En las colonias portuguesas de la India ( Goa, Daman y Diu ) floreció un estilo arquitectónico de formas barrocas mezcladas con elementos hindúes, como la Catedral de Goa y la Basílica de Bom Jesus de Goa, que alberga la tumba de San Francisco Javier. El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1986.

En Filipinas, que fue parte del Imperio español durante mucho tiempo, se conservan una gran cantidad de construcciones barrocas, entre ellas las Iglesias barrocas de Filipinas que cuatro de estas, y la ciudad barroca y neoclásica de Vigan, son ambas UNESCO World Sitios Patrimoniales. También fue muy destacable la Ciudad Amurallada de Manila (Intramuros). Otra ciudad con un notable barroco conservado de la época española es Tayabas.

Cuadro

Artículo principal: pintura barroca La sepultura de Cristo ; de Caravaggio ; circa 1602-1604; óleo sobre lienzo; 3 × 2 m; Pinacoteca Vaticana ( Ciudad del Vaticano )

Los pintores barrocos trabajaron deliberadamente para diferenciarse de los pintores del Renacimiento y del período manierista posterior. En su paleta, utilizaron colores intensos y cálidos, y en particular hicieron uso de los colores primarios rojo, azul y amarillo, poniendo frecuentemente los tres muy cerca. Evitaron la iluminación uniforme de la pintura renacentista y utilizaron fuertes contrastes de luz y oscuridad en ciertas partes del cuadro para dirigir la atención a las acciones o figuras centrales. En su composición, evitaron las escenas tranquilas de la pintura renacentista y eligieron los momentos de mayor movimiento y drama. A diferencia de los rostros tranquilos de las pinturas renacentistas, los rostros de las pinturas barrocas expresan claramente sus emociones. A menudo utilizaban la asimetría, con acciones que se producían fuera del centro de la imagen, y creaban ejes que no eran ni verticales ni horizontales, sino inclinados hacia la izquierda o hacia la derecha, dando una sensación de inestabilidad y movimiento. Realzaron esta impresión de movimiento haciendo que los trajes de los personajes fueran llevados por el viento o movidos por sus propios gestos. Las impresiones generales fueron movimiento, emoción y drama. Otro elemento esencial de la pintura barroca fue la alegoría; cada cuadro contaba una historia y tenía un mensaje, a menudo encriptado en símbolos y personajes alegóricos, que se esperaba que un espectador educado conociera y leyera.

Las Meninas ; de Diego Velázquez ; 1656-1657; óleo sobre lienzo; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado ( Madrid, España)

Las primeras evidencias de las ideas del barroco italiano en la pintura se dieron en Bolonia, donde Annibale Carracci, Agostino Carracci y Ludovico Carracci buscaron devolver las artes visuales al clasicismo ordenado del Renacimiento. Su arte, sin embargo, también incorporó ideas centrales de la Contrarreforma; estos incluían emociones intensas e imágenes religiosas que atraían más al corazón que al intelecto.

Otro pintor influyente de la época barroca fue Michelangelo Merisi da Caravaggio. Su enfoque realista de la figura humana, pintado directamente de la vida y dramáticamente iluminado sobre un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Otros pintores importantes asociados estrechamente con el estilo barroco incluyen Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo y Paolo de Matteis en Italia; Francisco de Zurbarán y Diego Velázquez en España; Adam Elsheimer en Alemania; y Nicolas Poussin y Georges de La Tour en Francia (aunque Poussin pasó la mayor parte de su vida laboral en Italia). Poussin y La Tour adoptaron un estilo barroco "clásico" con menos énfasis en la emoción y mayor atención a la línea de las figuras en la pintura que al color.

El baño de Venus ; de François Boucher ; 1751; óleo sobre lienzo; 108 × 85 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

Peter Paul Rubens fue el pintor más importante del barroco flamenco. Las muy cargadas composiciones de Rubens hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco único e inmensamente popular enfatizó el movimiento, el color y la sensualidad, que siguió el estilo artístico inmediato y dramático promovido en la Contrarreforma. Rubens se especializó en la realización de retablos, retratos, paisajes y pinturas históricas de temas mitológicos y alegóricos.

Un dominio importante de la pintura barroca fue Quadratura, o pinturas en trampantojo, que literalmente "engañó al ojo". Por lo general, estos estaban pintados en el estuco de los techos o las paredes superiores y las balaustradas, y daban la impresión a los que estaban en el suelo mirando hacia arriba de que estaban viendo los cielos poblados de multitudes de ángeles, santos y otras figuras celestiales, colocados contra cielos pintados y arquitectura imaginaria.

En Italia, los artistas colaboraron a menudo con arquitectos en la decoración de interiores; Pietro da Cortona fue uno de los pintores del siglo XVII que empleó esta forma ilusionista de pintar. Entre sus encargos más importantes se encuentran los frescos que pintó para el Palacio de la familia Barberini (1633–39), para glorificar el reinado del Papa Urbano VIII. Las composiciones de Pietro da Cortona fueron los frescos decorativos más grandes ejecutados en Roma desde la obra de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

François Boucher fue una figura importante en el estilo rococó francés más delicado, que apareció durante el período barroco tardío. Diseñó tapices, alfombras y decoración de teatro, así como pintura. Su trabajo fue extremadamente popular entre Madame Pompadour, la amante del rey Luis XV. Sus pinturas presentaban temas mitológicos románticos y levemente eróticos.

América española

Ejemplo de pintura boliviana (de la escuela cusqueña ): Ángel Arquebusier ; por el Maestro de Calamarca ; siglo 17

En Hispanoamérica, las primeras influencias fueron del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán -algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú- como se aprecia en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y el boliviano. Melchor Pérez de Holguín. La Escuela de pintura cusqueña surgió tras la llegada del pintor italiano Bernardo Bitti en 1583, quien introdujo el manierismo en América. Destacó la obra de Luis de Riaño, discípulo del italiano Angelino Medoro, autor de los murales de la Iglesia de San Pedro de Andahuaylillas. También destacó a los pintores indios ( quechuas ) Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Pumacallao, así como a Marcos Zapata, autor de los cincuenta grandes lienzos que cubren los altos arcos de la Catedral del Cusco. En Ecuador, la Escuela Quiteña se formó, representada principalmente por el mestizo Miguel de Santiago y el criollo Nicolás Javier de Goribar.

En el siglo XVIII los retablos escultóricos comienzan a ser sustituidos por pinturas, desarrollando notablemente la pintura barroca en América. Asimismo, creció la demanda de obras civiles, principalmente retratos de las clases aristocráticas y de la jerarquía eclesiástica. La principal influencia fue la murillesca, y en algunos casos -como en el criollo Cristóbal de Villalpando- la de Valdés Leal. La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas dulces y suaves. Destacan Gregorio Vásquez de Arce en Colombia, y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.

Escultura

Artículo principal: escultura barroca El busto de Luis XIV ; de Gian Lorenzo Bernini ; 1665; mármol; 105 × 99 × 46 cm; Palacio de Versalles

La figura dominante en la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del Papa Urbano VIII, realizó una notable serie de estatuas monumentales de santos y figuras cuyos rostros y gestos expresaban vívidamente sus emociones, así como bustos de retratos de excepcional realismo y obras altamente decorativas para el Vaticano, incluida la imponente Silla. de San Pedro debajo de la cúpula de la Basílica de San Pedro. Además, diseñó fuentes con monumentales grupos escultóricos para decorar las principales plazas de Roma.

La escultura barroca se inspiró en la antigua estatuaria romana, en particular en la famosa estatua de Laocoonte del siglo I d.C., que se exhibía en la galería del Vaticano. Cuando visitó París en 1665, Bernini se dirigió a los estudiantes de la Academia de pintura y escultura. Aconsejó a los estudiantes que trabajaran con modelos clásicos, en lugar de con la naturaleza. Les dijo a los estudiantes: "Cuando tuve problemas con mi primera estatua, consulté al Antinoo como un oráculo".

Entre los escultores del barroco francés tardío notables se encuentran Étienne Maurice Falconet y Jean Baptiste Pigalle. Pigalle recibió el encargo de Federico el Grande de hacer estatuas para la versión de Versalles de Federico en Sanssouci en Potsdam, Alemania. Falconet también recibió un importante encargo extranjero, creando la famosa estatua de Pedro el Grande a caballo encontrada en San Petersburgo.

En España, el escultor Francisco Salzillo trabajó exclusivamente en temas religiosos, utilizando madera policromada. Algunas de las mejores artesanías escultóricas barrocas se encontraron en los altares de estuco dorado de las iglesias de las colonias españolas del Nuevo Mundo, hechos por artesanos locales; los ejemplos incluyen la Capilla del Rosario de la Iglesia de Santo Domingo en Oaxaca (México), 1724-1731.

Muebles

Artículo principal: muebles Luis XIV Una hermosa mesa barroca dorada, con una tapa de piedra (probablemente de mármol), del Museo del Cincuentenario ( Bruselas, Bélgica )

Los principales motivos utilizados son: cuernos de abundancia, festones, ángeles bebés, cabezas de león con un anillo de metal en la boca, rostros femeninos rodeados de guirnaldas, cartuchos ovalados, hojas de acanto, columnas clásicas, cariátides, frontones y otros elementos de la arquitectura clásica. esculpido en algunas partes de muebles, cestas con frutas o flores, conchas, armaduras y trofeos, cabezas de Apolo o Baco, y en forma de C volutas.

Durante el primer período del reinado de Luis XIV, los muebles seguían el estilo anterior de Luis XIII, eran macizos y estaban profusamente decorados con esculturas y dorados. Después de 1680, gracias en gran parte al diseñador de muebles André Charles Boulle, apareció un estilo más original y delicado, a veces conocido como obra de Boulle. Se basó en la incrustación de ébano y otras maderas raras, una técnica utilizada por primera vez en Florencia en el siglo XV, que fue refinada y desarrollada por Boulle y otros que trabajaban para Luis XIV. Los muebles estaban incrustados con placas de ébano, cobre y maderas exóticas de diferentes colores.

Aparecieron tipos de muebles nuevos y a menudo duraderos; el inodoro, con dos a cuatro cajones, sustituyó a la antigua coffre, o en el pecho. El canapé, o un sofá, aparecieron, en forma de una combinación de dos o tres sillones. Aparecieron nuevos tipos de sillones, incluido el fauteuil en confessionale o "sillón confesional", que tenía cojines acolchados a ambos lados del respaldo de la silla. La mesa de la consola también hizo su primera aparición; fue diseñado para ser colocado contra una pared. Otro nuevo tipo de mobiliario fue la table à gibier, una mesa de mármol para guardar platos. Aparecieron las primeras variedades del escritorio; el escritorio de Mazarin tenía una sección central retranqueada, colocada entre dos columnas de cajones, con cuatro pies en cada columna.

  • Armario con escenas de la vida de Cristo; 1620-1640; enchapado, madera de roble y nogal, peral y ébano, acero y latón ; Museo Nacional de Varsovia ( Polonia )

  • Armario con escenas de caza; 1620-1640; chapa, madera de roble y nogal, abedul, palo de rosa y muchos otros tipos de madera y acero; 174 × 148 × 63 cm; Museo Nacional de Varsovia

  • Armario holandés; 1625-1650; roble con chapas de ébano y palisandro; total: 244,5 x 224,3 x 85,2 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland, Ohio, EE. UU.)

  • Pequeño escritorio con tapa abatible (buró brisé); circa 1685; roble, pino, nogal chapados en ébano, palisandro y marquetería de carey y latón grabado, bronce dorado y acero; 77 x 106 x 59,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

  • Mesa de muelle francesa; 1685-1690; madera tallada, yesada y dorada, con encimera de mármol; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Instituto de Arte de Chicago (EE. UU.)

  • Consola que representa a Chronos, o el tiempo del padre; 1695; madera pintada y dorada, con mármol en su parte superior; total: 95,3 x 107,3 ​​x 62,9 cm; Museo de Arte de Cleveland

  • Cómoda; de André Charles Boulle ; circa 1710-1720; monturas de ébano, bronce dorado y otros materiales; 87,6 × 128,3 × 62,9 cm; Museo Metropolitano de Arte

  • Recepción inclinada alemana; por Heinrich Ludwig Rohde o Ferdinand Plitzner ; circa 1715-1725; marquetería con arce, amaranto, caoba y nogal sobre abeto y roble; 90 × 84 × 44,5 cm; de Mainz (Alemania); Instituto de Arte de Chicago

Musica y ballet

Artículos principales: música barroca y danza barroca Antonio Vivaldi, (1678-1741)

El término barroco también se utiliza para designar el estilo de música compuesta durante un período que se superpone con el del arte barroco. Los primeros usos del término "barroco" para la música fueron las críticas. En una reseña satírica y anónima del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico insinuó que la novedad de esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de una melodía coherente., estaba lleno de incesantes disonancias, cambiaba constantemente de clave y medidor, y corrió rápidamente a través de todos los dispositivos de composición. Jean-Jacques Rousseau, que fue músico y destacado compositor además de filósofo, hizo una observación muy similar en 1768 en la famosa Enciclopedia de Denis Diderot : "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde y está cargada de modulaciones y disonancias.. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos ".

El uso común del término para la música de la época comenzó solo en 1919, por Curt Sachs, y no fue hasta 1940 que se usó por primera vez en inglés en un artículo publicado por Manfred Bukofzer.

Luis XIV disfrazado de Apolo para el Ballet Royal de la Nuit (1653)

El barroco fue un período de experimentación e innovación musical. Se inventaron nuevas formas, incluido el concierto y la sinfonía. La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI (con Dafne en su mayoría perdida de Jacopo Peri, producida en Florencia en 1598) y pronto se extendió por el resto de Europa: Luis XIV creó la primera Real Academia de Música, en 1669, El poeta Pierre Perrin abrió una academia de ópera en París, el primer teatro de ópera de Francia abierto al público, y estrenó Pomone, la primera gran ópera en francés, con música de Robert Cambert, con cinco actos, elaborada maquinaria escénica y un ballet. Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII.

El ballet clásico también se originó en la época barroca. El estilo de la danza de la corte fue llevado a Francia por Marie de Medici, y al principio los miembros de la corte eran los bailarines. El mismo Luis XIV actuó en público en varios ballets. En marzo de 1662, el Rey fundó la Académie Royale de Danse. Fue la primera escuela y compañía de danza profesional, y estableció los estándares y el vocabulario del ballet en toda Europa durante ese período.

Durante este período se introdujeron varios instrumentos nuevos, incluido el piano. La invención del piano se le atribuye a Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padua, Italia, quien fue empleado por Ferdinando de 'Medici, Gran Príncipe de Toscana, como el Guardián de los Instrumentos. Cristofori nombró al instrumento un cimbalo di cipresso di piano e forte ("un teclado de ciprés con suave y fuerte"), abreviado con el tiempo como pianoforte, fortepiano y más tarde, simplemente, piano.

Compositores y ejemplos

Teatro

Escenografía para Andromedé de Pierre Corneille, (1650) Diseño para un decorado de teatro creado por Giacomo Torelli para el ballet Les Noces de Thétis, de Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

El período barroco fue una época dorada para el teatro en Francia y España; los dramaturgos incluyeron a Corneille, Racine y Moliere en Francia; y Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca España.

Durante el período barroco, el arte y el estilo del teatro evolucionaron rápidamente, junto con el desarrollo de la ópera y el ballet. El diseño de teatros más nuevos y más grandes, la invención del uso de maquinaria más elaborada, el uso más amplio del arco del proscenio, que enmarcaba el escenario y ocultaba la maquinaria al público, fomentaba más efectos escénicos y espectáculo.

El barroco tuvo un carácter católico y conservador en España, siguiendo un modelo literario italiano durante el Renacimiento. El teatro barroco hispano apuntaba a un contenido público con una realidad ideal que manifestaba tres sentimientos fundamentales: religión católica, monárquica y orgullo y honor nacional provenientes del mundo caballeresco y caballeresco.

En el teatro barroco español se conocen dos períodos, con la división en 1630. El primer período está representado principalmente por Lope de Vega, pero también por Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán. El segundo período está representado por Pedro Calderón de la Barca y los compañeros dramaturgos Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto y Francisco Bances Candamo.. Estas clasificaciones son vagas porque cada autor se salía con la suya y en ocasiones podía adherirse a la fórmula establecida por Lope. Incluso puede ser que los "modales" de Lope fueran más liberales y estructurados que los de Calderón.

Lope de Vega presentó a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la nueva comedia. Estableció una nueva fórmula dramática que rompió las tres unidades de Aristóteles de la escuela de poesía italiana (acción, tiempo y lugar) y una cuarta unidad de Aristóteles que trata de estilo, mezcla de elementos trágicos y cómicos mostrando diferentes tipos de versos y estrofas. sobre lo representado. Aunque Lope tiene un gran conocimiento de las artes plásticas, no lo utilizó durante la mayor parte de su carrera ni en el teatro ni en la escenografía. La comedia de Lope otorgó un segundo papel a los aspectos visuales de la representación teatral.

Tirso de Molina, Lope de Vega y Calderón fueron los dramaturgos más importantes de la España de la época dorada. Sus obras, conocidas por su sutil inteligencia y profunda comprensión de la humanidad de una persona, podrían considerarse un puente entre la comedia primitiva de Lope y la comedia más elaborada de Calderón. Tirso de Molina es mejor conocido por dos obras, Las sospechas de los convictos y El embaucador de Sevilla, una de las primeras versiones del mito de Don Juan.

A su llegada a Madrid, Cosimo Lotti llevó a la corte española las técnicas teatrales más avanzadas de Europa. Sus técnicas y conocimientos mecánicos fueron aplicados en exposiciones palaciegas denominadas "Fiestas" y en fastuosas exposiciones de ríos o fuentes artificiales denominadas "Naumaquias". Fue el encargado de estilizar los Jardines del Buen Retiro, de la Zarzuela y de Aranjuez y de la construcción del edificio teatral del Coliseo del Buen Retiro. Las fórmulas de Lope comienzan con un verso que no corresponde a la fundación del teatro de palacio y el nacimiento de nuevos conceptos que iniciaron la carrera de algunos dramaturgos como Calderón de la Barca. Marcando las principales innovaciones de la Nueva Comedia Lopesiana, el estilo de Calderón marcó muchas diferencias, con mucho cuidado constructivo y atención a su estructura interna. La obra de Calderón está en perfección formal y un lenguaje muy lírico y simbólico. Libertad, vitalidad y apertura de Lope dieron un paso a la reflexión intelectual y la precisión formal de Calderón. En su comedia reflejó sus intenciones ideológicas y doctrinales en que por encima de la pasión y la acción, la obra de Autos sacramentales alcanzó altos rangos. El género de Comedia es político, multiartístico y, en cierto sentido, híbrido. El texto poético entrelazado con medios y recursos provenientes de la arquitectura, la música y la pintura liberando el engaño que hay en la comedia lopesiana se componía de la falta de escenografía y comprometiendo el diálogo de la acción.

El dramaturgo alemán más conocido fue Andreas Gryphius, que utilizó el modelo jesuita de los holandeses Joost van den Vondel y Pierre Corneille. También estaba Johannes Velten, que combinó las tradiciones de los cómicos ingleses y la commedia dell'arte con el teatro clásico de Corneille y Molière. Su compañía de giras fue quizás la más significativa e importante del siglo XVII.

América colonial española

Siguiendo la evolución marcada desde España, a finales del siglo XVI, las compañías de humoristas, esencialmente trashumantes, comienzan a profesionalizarse. Con la profesionalización llegó la regulación y la censura: como en Europa, el teatro osciló entre la tolerancia e incluso la protección y el rechazo gubernamental (salvo excepciones) o la persecución por parte de la Iglesia. El teatro sirvió a las autoridades como instrumento para difundir los comportamientos y modelos deseados, el respeto al orden social y la monarquía, escuela del dogma religioso.

Los corrales fueron administrados en beneficio de hospitales que compartieron los beneficios de las representaciones. Las compañías itinerantes (o "de la liga "), que llevaban el teatro en escenarios improvisados ​​al aire libre por las regiones que no tenían locales fijos, requerían una licencia virreinal para trabajar, cuyo precio o pinción se destinaba a limosnas y obras piadosas.. Para las empresas que funcionaban de manera estable en las capitales y grandes ciudades, una de sus principales fuentes de ingresos era la participación en las fiestas del Corpus Christi, lo que les proporcionaba no solo beneficios económicos, sino también reconocimiento y prestigio social. Las representaciones en el palacio virreinal y las mansiones de la aristocracia, donde representaron tanto las comedias de su repertorio como producciones especiales con grandes efectos lumínicos, escenográficos y escénicos, fueron también una importante fuente de trabajo bien remunerado y prestigioso.

Nacido en el Virreinato de la Nueva España pero luego afincado en España, Juan Ruiz de Alarcón es la figura más destacada del teatro barroco de la Nueva España. A pesar de su acomodación a la nueva comedia de Lope de Vega, se ha señalado su "marcado laicismo", su discreción y mesura, y una aguda capacidad de "penetración psicológica" como rasgos distintivos de Alarcón frente a sus contemporáneos españoles. Destaca entre sus obras La verdad sospechosa, una comedia de personajes que refleja su constante propósito moralizador. La producción dramática de Sor Juana Inés de la Cruz la sitúa como la segunda figura del teatro barroco hispanoamericano. Entre sus obras cabe mencionar el auto sacramental El divino Narciso y la comedia Los empeños de una casa.

Jardines

Artículo principal: jardín barroco Parterre de la Orangerie del Palacio de Versalles (1684)

El jardín barroco, también conocido como jardin à la française o jardín formal francés, apareció por primera vez en Roma en el siglo XVI, y luego fue más famoso en Francia en el siglo XVII en los jardines de Vaux le Vicomte y el Palacio de Versalles. Los jardines barrocos fueron construidos por reyes y príncipes en Alemania, los Países Bajos, Austria, España, Polonia, Italia y Rusia hasta mediados del siglo XVIII, cuando comenzaron a ser reconstruidos por el jardín paisajístico inglés más natural.

El propósito del jardín barroco era ilustrar el poder del hombre sobre la naturaleza, y la gloria de su constructor, los jardines barrocos estaban dispuestos en patrones geométricos, como las habitaciones de una casa. Por lo general, se veían mejor desde el exterior y mirando hacia abajo, ya sea desde un castillo o desde una terraza. Los elementos de un jardín barroco incluían parterres de parterres de flores o setos bajos recortados en diseños barrocos ornamentados, y carriles rectos y callejones de grava que dividían y cruzaban el jardín. Se colocaron terrazas, rampas, escaleras y cascadas donde había diferencias de elevación, y proporcionaron miradores. Estanques o cuencas de agua circulares o rectangulares fueron el escenario de fuentes y estatuas. Bosques o arboledas cuidadosamente recortadas o hileras de árboles idénticos, daban la apariencia de muros de verdor y eran el telón de fondo de las estatuas. En los bordes, los jardines solían tener pabellones, naranjas y otras estructuras donde los visitantes podían refugiarse del sol o la lluvia.

Los jardines barrocos requerían un gran número de jardineros, una poda continua y abundante agua. En la última parte del período barroco, los elementos formales comenzaron a ser reemplazados por elementos más naturales, incluidos caminos sinuosos, arboledas de árboles variados que se dejaron crecer sin podar; arquitectura rústica y estructuras pintorescas, como templos romanos o pagodas chinas, así como "jardines secretos" en los bordes del jardín principal, llenos de vegetación, donde los visitantes podían leer o tener conversaciones tranquilas. A mediados del siglo XVIII, la mayoría de los jardines barrocos se transformaron parcial o totalmente en variaciones del jardín paisajístico inglés.

Además de Versalles y Vaux-le-Vicomte, los famosos jardines barrocos que aún conservan gran parte de su apariencia original incluyen el Palacio Real de Caserta, cerca de Nápoles; Palacio de Nymphenburg y Palacios de Augustusburg y Falkenlust, Brühl en Alemania; Het Loo Palace en los Países Bajos; el Palacio Belvedere en Viena ; el Palacio Real de La Granja de San Ildefonso en España; y el Palacio Peterhof en San Petersburgo, Rusia.

Diferencias entre rococó y barroco

Las siguientes son características que tiene el rococó y el barroco no:

  • El abandono parcial de la simetría, todo compuesto por elegantes líneas y curvas, similares a las del Art Nouveau.
  • La enorme cantidad de curvas asimétricas y volutas en forma de C
  • El uso muy amplio de flores en la ornamentación, un ejemplo son los festones hechos con flores.
  • Motivos chinos y japoneses
  • Colores pastel cálidos (amarillo blanquecino, color crema, grises perla, azules muy claros)

Fin del estilo, condena y redescubrimiento académico

Madame de Pompadour, la amante de Luis XV, contribuyó al declive del estilo barroco y rococó. En 1750 envió a su sobrino, Abel-François Poisson de Vandières, en una misión de dos años para estudiar los desarrollos artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot. Regresaron a París apasionados por el arte clásico. Vandiéres se convirtió en el marqués de Marigny y fue nombrado director real de edificios en 1754. Convirtió la arquitectura oficial francesa hacia el neoclásico. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; denunció el petit style de Boucher y pidió un gran estilo con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura de arquitectura.

El pionero historiador del arte y arqueólogo alemán Johann Joachim Winckelmann también condenó el estilo barroco y elogió los valores superiores del arte y la arquitectura clásicos. En el siglo XIX, el barroco fue objeto de burlas y críticas. El crítico neoclásico Francesco Milizia escribió: "Borrominini en arquitectura, Bernini en escultura, Pietro da Cortona en pintura... son una plaga del buen gusto, que contagió a un gran número de artistas". En el siglo XIX, la crítica fue aún más lejos; el crítico británico John Ruskin declaró que la escultura barroca no solo era mala, sino también moralmente corrupta.

El historiador de arte de origen suizo Heinrich Wölfflin (1864-1945) inició la rehabilitación de la palabra barroco en su Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificó el Barroco como "movimiento importado en masa", un arte antitético al arte renacentista. No hizo las distinciones entre manierismo y barroco que hacen los escritores modernos, e ignoró la fase posterior, el barroco académico que duró hasta el siglo XVIII. El arte y la arquitectura barrocos se pusieron de moda en el período de entreguerras y, en gran medida, se han mantenido en el favor de la crítica. El término "barroco" todavía puede usarse, generalmente de manera peyorativa, para describir obras de arte, artesanía o diseño que se cree que tienen una ornamentación excesiva o una complejidad de línea.

Arte renacentista barroco

Artículos principales: Arquitectura renacentista barroca y estilo Napoleón III

El final del siglo XIX fue una época dorada para los estilos de renacimiento, incluido el renacimiento barroco o el neobarroco.

Además de su función práctica (protectora), el rostro también tiene fines estéticos y arquitectónicos. Refleja los estilos predominantes de una época determinada. Los adornos son los "adornos" más comunes de los edificios. Los adornos utilizados en la arquitectura de los siglos XVII-XVIII se reutilizan en edificios del Renacimiento barroco, que incluyen: cuernos de abundancia, festones, ángeles bebés, mascarones femeninos o masculinos, cartuchos ovalados, hojas de acanto, columnas clásicas, cariátides, frontones y otros elementos de greco- Arquitectura romana. La mayoría de los edificios del renacimiento barroco tienen techos abuhardillados, generalmente azules o, a veces, negros, con ventanas ovaladas o abuhardilladas. Algunas de las casas de este estilo tienen ventanas de óculo en forma de orla, generalmente con un mascarón en la parte superior o inferior. En Francia y Rumanía, muchas de las entradas tienen toldos ( francés : marquesa ; rumano : marchiză), hechos de vidrio y metal, generalmente en forma de concha. En estos dos condados, especialmente en Rumania, el neobarroco se combinó a veces con el Art Nouveau. Los edificios de Bellas Artes de finales de la década de 1890 y principios de la de 1900 son muy buenos ejemplos de la arquitectura del Renacimiento barroco. Los edificios neobarrocos más famosos de París son: el Pavillon de Flore (parte del Palais du Louvre ), el Palais Garnier, el Petit Palais y el Grand Palais. Entre los arquitectos importantes de este estilo se encuentran Charles Garnier (1825–1898), Ferdinand Fellner (1847–1917), Hermann Helmer (1849–1919) e Ion D. Berindey (1871–1928).

En las artes decorativas, el Renacimiento barroco se conoce generalmente como el estilo Napoleón III o el estilo del Segundo Imperio. Los objetos de este estilo fueron muy apreciados a finales de la década de 1890 y principios de la de 1900 en Rumanía, muchos de ellos traídos de Francia o Austria. Una de las principales influencias fue el estilo Luis XVI, o neoclasicismo francés, preferido por la emperatriz Eugenia. Sus habitaciones en el Palacio de las Tullerías y otros lugares fueron decoradas con este estilo. Otras influencias incluyen el Renacimiento francés y el estilo Enrique II, que fueron influencias populares en cofres y armarios, bufés y credenciales, que eran macizos y construidos como pequeñas catedrales, decoradas con columnas, frontones, cartelas, mascarones y ángeles y quimeras tallados. Por lo general, se construían de nogal o roble, o algunas veces de teñido más pobre para parecerse al ébano.

Ver también

Notas

Fuentes

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Otras lecturas

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