Las artes escénicas |
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La música es el arte de arreglar los sonidos en el tiempo a través de los elementos de melodía, armonía, ritmo y timbre. Es uno de los aspectos culturales universales de todas las sociedades humanas. Las definiciones generales de música incluyen elementos comunes como el tono (que gobierna la melodía y la armonía ), el ritmo (y sus conceptos asociados tempo, métrica y articulación ), dinámica (sonoridad y suavidad) y las cualidades sonoras del timbre y la textura. (que a veces se denominan el "color" de un sonido musical). Diferentes estilos o tipos de música pueden enfatizar, restar importancia u omitir algunos de estos elementos. La música se interpreta con una amplia gama de instrumentos y técnicas vocales que van desde cantar hasta rapear ; hay piezas únicamente instrumentales, únicamente piezas vocales (como canciones sin acompañamiento instrumental) y piezas que combinan canto e instrumentos. La palabra deriva del griego μουσική ( mousiké ; "(arte) de las Musas ").
En su forma más general, las actividades que describen la música como una forma de arte o actividad cultural incluyen la creación de obras musicales ( canciones, melodías, sinfonías, etc.), la crítica de la música, el estudio de la historia de la música y el examen estético de la música. Los filósofos griegos e indios antiguos definieron la música en dos partes: melodías, como tonos ordenados horizontalmente, y armonías como tonos ordenados verticalmente. Dichos comunes como "la armonía de las esferas " y "es música para mis oídos" apuntan a la noción de que la música a menudo es ordenada y agradable de escuchar. Sin embargo, el compositor del siglo XX John Cage pensó que cualquier sonido puede ser música, diciendo, por ejemplo, "No hay ruido, solo sonido".
La creación, interpretación, significado e incluso la definición de música varían según la cultura y el contexto social. De hecho, a lo largo de la historia, algunas nuevas formas o estilos de música han sido criticadas por "no ser la música", incluyendo Beethoven 's Gran Fuga cuarteto de cuerda en 1825, a principios de jazz en el comienzo de la década de 1900 y punk hardcore en la década de 1980. Hay muchos tipos de música, incluyendo música popular, la música tradicional, la música del arte, la música escrita para las ceremonias religiosas, y las canciones de trabajo, tales como salomas. La música abarca desde composiciones estrictamente organizadas, como las sinfonías de música clásica de los años 1700 y 1800, hasta música improvisada interpretada espontáneamente como el jazz y estilos de vanguardia de la música contemporánea basada en el azar de los siglos XX y XXI.
La música se puede dividir en géneros (p. Ej., Música country ) y los géneros se pueden dividir en subgéneros (p. Ej., El country alternativo y el country pop son dos de los muchos subgéneros del país), aunque las líneas divisorias y las relaciones entre los géneros musicales suelen ser sutiles. a veces abierto a interpretaciones personales y en ocasiones controvertido. Por ejemplo, puede ser difícil trazar la línea entre el hard rock de principios de los 80 y el heavy metal. Dentro de las artes, la música puede clasificarse como un arte escénico, un arte fino o un arte auditivo. La música se puede tocar o cantar y escuchar en vivo en un concierto de rock u orquesta, escuchar en vivo como parte de una obra dramática (un espectáculo de teatro musical u ópera), o se puede grabar y escuchar en una radio, reproductor de MP3, CD reproductor, teléfono inteligente o como banda sonora de una película o programa de televisión.
En muchas culturas, la música es una parte importante del estilo de vida de las personas, ya que juega un papel clave en los rituales religiosos, ceremonias de rito de iniciación (p. Ej., Graduación y matrimonio), actividades sociales (p. Ej., Baile ) y actividades culturales que van desde aficionados canto de karaoke para tocar en una banda de funk amateur o cantar en un coro comunitario. Las personas pueden hacer música como pasatiempo, como un adolescente que toca el violonchelo en una orquesta juvenil, o trabajar como músico o cantante profesional. La industria de la música incluye a las personas que crean nuevas canciones y piezas musicales (como los compositores y compositores), las personas que interpretan música (que incluyen orquesta, bandas de jazz y músicos de bandas de rock, cantantes y directores), las personas que graban música (productores de música y ingenieros de sonido ), personas que organizan giras de conciertos y personas que venden grabaciones, partituras y partituras a los clientes. Incluso una vez que se ha interpretado una canción o pieza, los críticos musicales, los periodistas musicales y los estudiosos de la música pueden evaluar y evaluar la pieza y su interpretación.
La palabra ' música ' se deriva del griego antiguo μουσική ( mousiké) '(arte) de las Musas '. En la mitología griega, las nueve Musas eran las diosas que inspiraron la literatura, la ciencia y las artes y que fueron la fuente del conocimiento encarnado en la poesía, las letras de las canciones y los mitos de la cultura griega. Según el Diccionario de Etimología en línea, el término música se deriva de "mid-13c., Musike, del francés antiguo musique (12c.) Y directamente del latín musica 'el arte de la música', que también incluye la poesía (también [la] fuente español de música, italiano musica, antiguo alto alemán mosica, alemán Musik, holandés muziek, danés musik) ". Esto se deriva del "... griego mousike ( techne) '(arte) de las Musas,' de fem. De mousikos 'perteneciente a las Musas', de Mousa 'Musa' (ver musa (n.)). la ortografía [data] de [la] década de 1630. En la Grecia clásica, [el término 'música' se refiere a] cualquier arte en el que presidieran las Musas, pero especialmente la música y la poesía lírica ".
La música se compone e interpreta para muchos propósitos, que van desde el placer estético, con fines religiosos o ceremoniales, o como un producto de entretenimiento para el mercado. Cuando la música solo estaba disponible a través de partituras, como durante las épocas clásica y romántica, los amantes de la música compraban las partituras de sus piezas y canciones favoritas para poder interpretarlas en casa en el piano. Con la llegada del fonógrafo, los discos de canciones populares, en lugar de las partituras, se convirtieron en la forma dominante en que los amantes de la música disfrutarían de sus canciones favoritas. Con la llegada de las grabadoras caseras en la década de 1980 y la música digital en la década de 1990, los amantes de la música pudieron hacer cintas o listas de reproducción de sus canciones favoritas y llevarlas con ellos en un reproductor de casete portátil o reproductor de MP3. Algunos melómanos crean cintas mixtas de sus canciones favoritas, que sirven como "autorretrato, gesto de amistad, receta para una fiesta ideal... [y] un ambiente que consiste únicamente en lo que más se ama".
Los músicos aficionados pueden componer o interpretar música para su propio placer y obtener sus ingresos de otra parte. Los músicos profesionales son empleados por una variedad de instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas (en bandas de música, bandas de conciertos y grupos de música popular), iglesias y sinagogas, orquestas sinfónicas, compañías de producción cinematográfica o de radiodifusión y escuelas de música. Los músicos profesionales a veces trabajan como autónomos o músicos de sesión, buscando contratos y compromisos en una variedad de entornos. A menudo existen muchos vínculos entre músicos aficionados y profesionales. Los músicos aficionados principiantes toman lecciones con músicos profesionales. En entornos comunitarios, los músicos aficionados avanzados actúan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos, como bandas de conciertos comunitarios y orquestas comunitarias.
A menudo se hace una distinción entre la música interpretada para una audiencia en vivo y la música que se interpreta en un estudio para que se pueda grabar y distribuir a través del sistema de venta minorista de música o el sistema de transmisión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que una actuación en directo frente a una audiencia también se graba y distribuye. Las grabaciones de conciertos en vivo son populares tanto en música clásica como en formas de música popular como el rock, donde los amantes de la música aprecian los conciertos en vivo grabados ilegalmente. En la escena de las bandas de improvisación , se prefieren las sesiones improvisadas en vivo a las grabaciones de estudio.
"Composición" es el acto o práctica de crear una canción, una pieza musical instrumental, una obra con canto e instrumentos u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer también incluye la creación de notación musical, como una "partitura", que luego es interpretada por el compositor o por otros cantantes o músicos. En la música popular y la música tradicional, el acto de componer, que normalmente se denomina composición, puede implicar la creación de un esquema básico de la canción, llamado hoja principal, que establece la melodía, la letra y la progresión de los acordes. En la música clásica, el compositor suele orquestar sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que realice la orquestación. En algunos casos, es posible que un compositor no use la notación en absoluto y, en su lugar, componga la canción en su mente y luego la reproduzca o grabe de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de artistas influyentes reciben el peso que las partituras escritas tienen en la música clásica.
Incluso cuando la música se anota con relativa precisión, como en la música clásica, hay muchas decisiones que debe tomar un intérprete, porque la notación no especifica todos los elementos de la música con precisión. El proceso de decidir cómo interpretar la música que ha sido previamente compuesta y anotada se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos que se eligen y el estilo de ejecución o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y compositores que presentan su propia música están interpretando sus canciones, tanto como aquellos que interpretan la música de otros. El conjunto estándar de opciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se denomina práctica de interpretación, mientras que la interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete.
Aunque una composición musical a menudo usa notación musical y tiene un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener varios compositores, lo que a menudo ocurre en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical, cuando una persona escribe las melodías, una segunda persona escribe la letra y una tercera persona orquesta las canciones.. En algunos estilos de música, como el blues, un compositor / compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin siquiera escribirlas en notación musical. Una pieza musical también se puede componer con palabras, imágenes o programas de computadora que expliquen o anoten cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Los ejemplos van desde música de vanguardia que usa notación gráfica, hasta composiciones de texto como Aus den sieben Tagen, hasta programas de computadora que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoria y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage, Morton Feldman y Witold Lutosławski. Un ejemplo más conocido de música basada en el azar es el sonido de campanillas de viento tintineando con la brisa.
El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para incluir la creación de música popular y canciones de música tradicional y piezas instrumentales, así como obras improvisadas espontáneamente como las de artistas de free jazz y percusionistas africanos como los percusionistas Ewe.
En la década de 2000, la notación musical generalmente significa la expresión escrita de notas musicales y ritmos en papel usando símbolos. Cuando se escribe música, se anotan los tonos y el ritmo de la música, como las notas de una melodía. La notación musical también proporciona a menudo instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede indicar que la canción es un "blues lento" o un "swing rápido", lo que indica el tempo y el género. Para leer la notación musical, una persona debe tener un conocimiento de la teoría musical, la armonía y la práctica de interpretación asociada con una canción o un género en particular.
La notación escrita varía según el estilo y la época de la música. En la década de 2000, la música con anotaciones se produce como partituras o, para las personas con programas de redacción de discos, como una imagen en la pantalla de una computadora. En la antigüedad, la notación musical se ponía en tablas de piedra o arcilla. Para interpretar música a partir de la notación, un cantante o instrumentista requiere una comprensión de los elementos rítmicos y tonales incorporados en los símbolos y la práctica de interpretación asociada con una pieza musical o un género. En los géneros que requieren improvisación musical, el intérprete a menudo toca música en la que solo cambian los acordes y la forma de la canción está escrita, lo que requiere que el intérprete tenga una gran comprensión de la estructura de la música, la armonía y los estilos de un género en particular (p. Ej., Jazz o música country ).
En la música artística occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical de los intérpretes o cantantes individuales. En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la partitura principal, que indica la melodía, los acordes, la letra (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. Los libros falsos también se utilizan en el jazz; pueden consistir en hojas de plomo o simplemente tablas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento de canciones de jazz. Las partituras y las partes también se utilizan en la música popular y el jazz, particularmente en conjuntos grandes como las " grandes bandas " de jazz. En la música popular, los guitarristas y bajistas eléctricos a menudo leen música anotada en tablatura (a menudo abreviada como "tabulación"), que indica la ubicación de las notas que se tocarán en el instrumento utilizando un diagrama del diapasón de la guitarra o el bajo. La tablatura también se usó en la época barroca para anotar música para el laúd, un instrumento de cuerdas y trastes.
La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro (o basada en) un marco armónico preexistente o progresión de acordes. Los improvisadores usan las notas del acorde, varias escalas asociadas con cada acorde, y adornos cromáticos y tonos de paso que pueden no ser ni tonos de acordes ni de las escalas típicas asociadas con un acorde. La improvisación musical se puede hacer con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como el blues, el jazz y la fusión de jazz, en la que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento.
En la tradición de la música artística occidental, la improvisación fue una habilidad importante durante la era barroca y durante la era clásica. En la época barroca, los intérpretes improvisaron adornos y los teclistas de bajo continuo improvisaron voces de acordes basadas en la notación de bajo figurado. Además, se esperaba que los mejores solistas pudieran improvisar piezas como preludios. En la era clásica, los solistas y cantantes improvisaban cadencias virtuosas durante los conciertos.
Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la interpretación de la música artística occidental se institucionalizó en las orquestas sinfónicas, los teatros de ópera y los ballets, la improvisación ha desempeñado un papel menor, ya que cada vez se anota más música en partituras y partes de músicos para tocar. Al mismo tiempo, algunos compositores de música artística de los siglos XX y XXI han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo. En la música clásica india, la improvisación es un componente central y un criterio esencial de ejecución.
La teoría musical abarca la naturaleza y los mecanísmos de la musica. A menudo implica identificar patrones que gobiernan las técnicas de los compositores y examinar el lenguaje y la notación de la música. En un sentido amplio, la teoría musical destila y analiza los parámetros o elementos de la música: ritmo, armonía ( función armónica ), melodía, estructura, forma y textura. En términos generales, la teoría de la música puede incluir cualquier declaración, creencia o concepción de o sobre la música. Las personas que estudian estas propiedades se conocen como teóricos de la música y, por lo general, trabajan como profesores en colegios, universidades y conservatorios de música. Algunos han aplicado la acústica, la fisiología humana y la psicología para explicar cómo y por qué se percibe la música. Los teóricos de la música publican sus investigaciones en revistas de teoría musical y libros de prensa universitarios.
La música tiene muchos fundamentos o elementos diferentes. Dependiendo de la definición de "elemento" que se utilice, estos pueden incluir tono, tiempo o pulso, tempo, ritmo, melodía, armonía, textura, estilo, asignación de voces, timbre o color, dinámica, expresión, articulación, forma y estructura.. Los elementos de la música ocupan un lugar destacado en los planes de estudio de música de Australia, el Reino Unido y los Estados Unidos. Los tres currículos identifican el tono, la dinámica, el timbre y la textura como elementos, pero los otros elementos identificados de la música están lejos de ser universalmente acordados. A continuación se muestra una lista de las tres versiones oficiales de los "elementos de la música":
En relación con el plan de estudios del Reino Unido, en 2013 se añadió el término: " notaciones musicales apropiadas " a su lista de elementos y el título de la lista se cambió de "elementos de la música" a "dimensiones interrelacionadas de la música". Las dimensiones interrelacionadas de la música se enumeran como: tono, duración, dinámica, tempo, timbre, textura, estructura y notaciones musicales apropiadas.
La frase "los elementos de la música" se utiliza en varios contextos diferentes. Los dos contextos más comunes pueden diferenciarse describiéndolos como los "elementos rudimentarios de la música" y los "elementos perceptuales de la música".
En el siglo XIX, las frases "los elementos de la música" y "los rudimentos de la música" se usaban indistintamente. Los elementos descritos en estos documentos se refieren a aspectos de la música que son necesarios para convertirse en músico. Escritores recientes como Espie Estrella parecen estar usando la frase "elementos de la música" de manera similar. Una definición que refleja con mayor precisión este uso es: "los principios rudimentarios de un arte, ciencia, etc.: los elementos de la gramática". El cambio del plan de estudios del Reino Unido a las "dimensiones interrelacionadas de la música" parece ser un cambio hacia el uso de los elementos rudimentarios de la música.
Desde la aparición del estudio de la psicoacústica en la década de 1930, la mayoría de las listas de elementos de la música se han relacionado más con cómo escuchamos música que con cómo aprendemos a tocarla o estudiarla. CE Seashore, en su libro Psychology of Music, identificó cuatro "atributos psicológicos del sonido". Estos fueron: "tono, volumen, tiempo y timbre" (p. 3). No los llamó "elementos de la música", sino que se refirió a ellos como "componentes elementales" (pág. 2). No obstante, estos componentes elementales se vinculan precisamente con cuatro de los elementos musicales más comunes: "tono" y "timbre" coinciden exactamente, "sonoridad" se vincula con la dinámica y "tiempo" se vincula con los elementos basados en el tiempo de ritmo, duración y tempo. Este uso de la frase "los elementos de la música" se vincula más estrechamente con la definición de elemento del Webster's New 20th Century Dictionary como: "una sustancia que no se puede dividir en una forma más simple por métodos conocidos" y las listas de elementos de las instituciones educativas generalmente se alinean con esta definición también.
Aunque los escritores de listas de "elementos rudimentarios de la música" pueden variar sus listas según sus prioridades personales (o institucionales), los elementos perceptivos de la música deben consistir en una lista establecida (o probada) de elementos discretos que puedan manipularse independientemente para lograr un efecto musical pretendido. Parece en esta etapa que todavía hay investigaciones por hacer en esta área.
Una forma ligeramente diferente de abordar la identificación de los elementos de la música es identificar los "elementos del sonido " como: tono, duración, volumen, timbre, textura sonora y ubicación espacial, y luego definir los "elementos de la música" como: sonido, estructura e intención artística.
El tono es un aspecto de un sonido que podemos escuchar, que refleja si un sonido, nota o tono musical es "más alto" o "más bajo" que otro sonido, nota o tono musical. Podemos hablar sobre el tono alto o bajo en el sentido más general, como la forma en que un oyente escucha una nota de flautín agudo y penetrante o un tono de silbido con un tono más alto que un golpe profundo de un bombo. También hablamos de tono en el sentido preciso asociado con melodías musicales, líneas de bajo y acordes. El tono preciso solo se puede determinar en sonidos que tienen una frecuencia lo suficientemente clara y estable como para distinguirlos del ruido. Por ejemplo, es mucho más fácil para los oyentes discernir el tono de una sola nota tocada en un piano que tratar de discernir el tono de un platillo crash que se golpea.
La melodía de la canción tradicional " Pop Goes the Weasel "Una melodía (también llamada "melodía") es una serie de tonos (notas) que suenan en sucesión (uno tras otro), a menudo en un patrón ascendente y descendente. Las notas de una melodía se crean normalmente utilizando sistemas de tono como escalas o modos. Las melodías también suelen contener notas de los acordes utilizados en la canción. Las melodías en canciones populares simples y canciones tradicionales pueden usar solo las notas de una sola escala, la escala asociada con la nota tónica o clave de una canción determinada. Por ejemplo, una canción popular en la clave de C (también conocida como C mayor) puede tener una melodía que usa solo las notas de la escala de C mayor (las notas individuales C, D, E, F, G, A, B, y C; estas son las " notas blancas " en un teclado de piano. Por otro lado, Bebop -era jazz de la década de 1940 y la música contemporánea de los siglos XX y XXI pueden usar melodías con muchas notas cromáticas (es decir, notas además a las notas de la escala mayor; en un piano, una escala cromática incluiría todas las notas del teclado, incluidas las "notas blancas" y las "notas negras" y escalas inusuales, como la escala de tonos completa (una escala de tonos completa en la tonalidad de C contendría las notas C, D, E, F ♯, G ♯ y A ♯) Una línea musical grave y profunda tocada por instrumentos bajos como el contrabajo, el bajo eléctrico o la tuba se llama línea de bajo.
La armonía se refiere a los sonidos "verticales" de los tonos en la música, lo que significa tonos que se tocan o cantan juntos al mismo tiempo para crear un acorde. Por lo general, esto significa que las notas se tocan al mismo tiempo, aunque la armonía también puede estar implícita en una melodía que describe una estructura armónica (es decir, mediante el uso de notas de melodía que se tocan una tras otra, delineando las notas de un acorde). En la música escrita con el sistema de tonalidad mayor-menor ("claves"), que incluye la mayoría de la música clásica escrita entre 1600 y 1900 y la mayoría de la música tradicional, el rock y el pop occidental, la clave de una pieza determina la escala utilizada, qué centros alrededor de la "nota de inicio" o tónica de la tecla. Se escriben piezas clásicas sencillas y muchas canciones de música tradicional y pop para que toda la música esté en un solo tono. Las canciones y piezas de música clásica, pop y tradicional más complejas pueden tener dos tonalidades (y en algunos casos, tres o más tonalidades). La música clásica de la era romántica (escrita aproximadamente entre 1820 y 1900) a menudo contiene varias tonalidades, al igual que el jazz, especialmente el jazz Bebop de la década de 1940, en la que la tonalidad o "nota casera" de una canción puede cambiar cada cuatro compases o incluso cada dos barras.
El ritmo es la disposición de sonidos y silencios en el tiempo. El medidor anima el tiempo en agrupaciones de pulsos regulares, llamadas compases o compases, que en la música clásica, popular y tradicional occidental a menudo agrupan las notas en conjuntos de dos (p. Ej., 2/4 tiempos), tres (p. Ej., 3/4 tiempos, también conocidos como tiempo de vals, o tiempo de 3/8), o cuatro (por ejemplo, tiempo de 4/4). Los medidores se hacen más fáciles de escuchar porque las canciones y las piezas a menudo (pero no siempre) ponen énfasis en el primer tiempo de cada grupo. Existen excepciones notables, como el backbeat utilizado en gran parte del pop y rock occidental, en el que una canción que utiliza un compás que consta de cuatro tiempos (llamado tiempo 4/4 o tiempo común ) tendrá acentos en los tiempos dos y cuatro, que son típicamente interpretado por el baterista en la caja, un instrumento de percusión fuerte y de sonido distintivo. En el pop y el rock, las partes rítmicas de una canción son interpretadas por la sección rítmica, que incluye instrumentos que tocan acordes (p. Ej., Guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano u otros instrumentos de teclado), un instrumento bajo (típicamente bajo eléctrico o para algunos estilos como jazz y bluegrass, contrabajo) y un jugador de batería.
La textura musical es el sonido general de una pieza musical o canción. La textura de una pieza o canción está determinada por cómo se combinan los materiales melódicos, rítmicos y armónicos en una composición, determinando así la naturaleza general del sonido en una pieza. La textura a menudo se describe con respecto a la densidad, o grosor, y rango, o ancho, entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos, así como también se distingue más específicamente según el número de voces o partes y la relación entre estas voces. (vea los tipos comunes a continuación). Por ejemplo, una textura gruesa contiene muchas "capas" de instrumentos. Una de estas capas podría ser una sección de cuerda u otro latón. El grosor también se ve afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos. La textura se describe comúnmente de acuerdo con el número y la relación entre partes o líneas de música:
La música que contiene una gran cantidad de partes independientes (p. Ej., Un concierto doble acompañado de 100 instrumentos orquestales con muchas líneas melódicas entrelazadas) generalmente se dice que tiene una textura "más gruesa" o "más densa" que una obra con pocas partes (p. Ej., Una melodía de flauta solista acompañada de un solo violonchelo).
El timbre, a veces llamado "color" o "color de tono", es la calidad o el sonido de una voz o un instrumento. El timbre es lo que hace que un sonido musical en particular sea diferente de otro, incluso cuando tienen el mismo tono y volumen. Por ejemplo, una nota A de 440 Hz suena diferente cuando se toca en oboe, piano, violín o guitarra eléctrica. Incluso si diferentes intérpretes del mismo instrumento tocan la misma nota, sus notas pueden sonar diferentes debido a diferencias en la técnica instrumental (p. Ej., Diferentes embocaduras ), diferentes tipos de accesorios (p. Ej., Boquillas para músicos de viento, lengüetas para oboe y fagot) o cuerdas hechas de diferentes materiales para los que tocan cuerdas (por ejemplo, cuerdas de tripa versus cuerdas de acero ). Incluso dos instrumentistas que tocan la misma nota en el mismo instrumento (uno tras otro) pueden sonar diferente debido a las diferentes formas de tocar el instrumento (por ejemplo, dos intérpretes de cuerdas pueden sostener el arco de manera diferente).
Las características físicas del sonido que determinan la percepción del timbre incluyen el espectro, la envolvente y los matices de una nota o sonido musical. Para los instrumentos eléctricos desarrollados en el siglo XX, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico, el intérprete también puede cambiar el tono ajustando los controles del ecualizador, los controles de tono del instrumento y utilizando unidades de efectos electrónicos como los pedales de distorsión. El tono del órgano Hammond eléctrico se controla ajustando las barras de tracción.
Las cualidades expresivas son aquellos elementos en la música que crean cambios en la música sin cambiar los tonos principales o cambiar sustancialmente los ritmos de la melodía y su acompañamiento. Los intérpretes, incluidos cantantes e instrumentistas, pueden agregar expresión musical a una canción o pieza agregando fraseo, agregando efectos como vibrato (con voz y algunos instrumentos, como guitarra, violín, instrumentos de viento y viento de madera), dinámica (el volumen o suavidad de la pieza o una sección de ella), fluctuaciones de tempo (por ejemplo, ritardando o acelerando, que son, respectivamente, ralentizando y acelerando el tempo), agregando pausas o fermatas en una cadencia y cambiando la articulación de las notas (por ejemplo, hacer que las notas sean más pronunciadas o acentuadas, haciendo que las notas sean más legato, lo que significa que se conectan suavemente, o haciendo que las notas sean más cortas).
La expresión se logra mediante la manipulación del tono (como inflexión, vibrato, diapositivas, etc.), volumen (dinámica, acento, trémolo, etc.), duración (fluctuaciones de tempo, cambios rítmicos, cambio de duración de la nota, como con legato y staccato, etc.).), timbre (por ejemplo, cambiar el timbre vocal de una voz suave a una resonante) y, a veces, incluso textura (por ejemplo, duplicar la nota de bajo para obtener un efecto más rico en una pieza de piano). Por tanto, la expresión puede verse como una manipulación de todos los elementos para transmitir "una indicación de estado de ánimo, espíritu, carácter, etc." y como tal no puede incluirse como un elemento perceptual único de la música, aunque puede considerarse un elemento rudimentario importante de la música.
En música, la forma describe la estructura general o el plan de una canción o pieza musical, y describe el diseño de una composición dividida en secciones. A principios del siglo XX, las canciones de Tin Pan Alley y las canciones musicales de Broadway estaban a menudo en forma AABA de 32 compases, en la que las secciones A repetían la misma melodía de ocho compases (con variación) y la sección B proporcionaba una melodía o armonía contrastante para ocho compases.. Desde la década de 1960 en adelante, canciones pop y rock occidentales están a menudo en forma de verso-estribillo, que se basa en una secuencia de verso y coro ( "estribillo") secciones, con nuevas letras para la mayoría de los versos y la repetición de letras para los coros. La música popular a menudo hace uso de la forma estrófica, a veces junto con el blues de doce compases.
En la décima edición de The Oxford Companion to Music, Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un medio exitoso entre los extremos opuestos de repetición sin alivio y alteración sin alivio". Ejemplos de formas comunes de música occidental incluyen la fuga, la invención, sonata-allegro, canon, estrófica, tema y variaciones y rondó.
Scholes afirma que la música clásica europea tenía solo seis formas independientes: binaria simple, ternaria simple, binaria compuesta, rondó, aire con variaciones y fuga (aunque el musicólogo Alfred Mann enfatizó que la fuga es principalmente un método de composición que a veces ha tomado sobre ciertas convenciones estructurales.)
Cuando una pieza no se puede dividir fácilmente en unidades seccionales (aunque puede tomar prestada alguna forma de un poema, historia o programa ), se dice que está compuesta por completo. Tal es a menudo el caso con una fantasia, preludio, rapsodia, Etude (o estudio), poema sinfónico, Bagatelle, improvisada, etc. profesor Charles Keil formas y los detalles formales según la clasificación "sección, de desarrollo o variacional."
Algunos estilos de música ponen énfasis en algunos de estos fundamentos, mientras que otros ponen menos énfasis en ciertos elementos. Para dar un ejemplo, mientras que Bebop -era jazz hace uso de acordes muy complejos, que incluyen dominantes alterados y progresiones de acordes desafiantes, con acordes que cambian dos o más veces por compás y teclas que cambian varias veces en una melodía, el funk pone la mayor parte de su énfasis en ritmo y ritmo, con canciones enteras basadas en un vampiro en un solo acorde. Si bien la música clásica de la era romántica de mediados a finales del siglo XIX hace un gran uso de cambios dramáticos de dinámica, desde secciones susurrantes de pianísimo hasta estruendosas secciones de fortissimo, algunas suites de danza barroca completas para clavecín de principios del siglo XVIII pueden usar una sola dinámica. Para dar otro ejemplo, mientras que algunas piezas de música artística, como las sinfonías, son muy largas, algunas canciones pop sólo duran unos minutos.
La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en huesos en los que se han perforado agujeros laterales; se cree que estos se han soplado en un extremo como el shakuhachi japonés. Se cree que la flauta Divje Babe, tallada en el fémur de un oso de las cavernas, tiene al menos 40.000 años, aunque existe un considerable debate en torno a si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales. Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, como el Ravanahatha, se han recuperado de los sitios arqueológicos de la civilización del valle del Indo. La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo; las referencias a la música clásica india ( marga) se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la tradición hindú. La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre el 7000 y el 6600 a. C. El " Himno hurrita a Nikkal ", que se encuentra en tablillas de arcilla que se remontan aproximadamente al 1400 a. C., es la obra musical anotada más antigua que se conserva.
La evidencia material y representativa más antigua de los instrumentos musicales egipcios data del período predinástico, pero la evidencia está atestiguada de manera más segura en el Reino Antiguo cuando se tocaron arpas, flautas y clarinetes dobles. Instrumentos de percusión, liras y laúdes se agregaron a las orquestas del Reino Medio. Los platillos acompañaban con frecuencia la música y la danza, como todavía lo hacen en Egipto en la actualidad. La música folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr, es el género musical contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto, habiendo conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.
Gangubai Hangal Durga |
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La música asiática cubre una amplia franja de culturas musicales analizadas en los artículos sobre Arabia, Asia central, Asia oriental, Asia meridional y Asia sudoriental. Varios tienen tradiciones que se remontan a la antigüedad.
La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran danzas e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler. El Rigveda tiene elementos de la música india actual, con una notación musical para denotar la métrica y el modo de cantar. La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga organizada rítmicamente a través de talas. Silappadhikaram de Ilango Adigal proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escamas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente. La música hindi actual está influenciada por la música tradicional persa y los mogoles afganos. La música carnática, popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.
La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene una historia que se extiende alrededor de tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como afinación y tono musical, instrumentos y estilos musicales o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica, con una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea.
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia, de hecho, era una de las principales materias que se enseñaba a los niños. La educación musical se consideraba importante para el desarrollo del alma de un individuo. Músicos y cantantes jugaron un papel destacado en el teatro griego y los que recibieron una educación musical fueron vistos como nobles y en perfecta armonía (como se puede leer en la República, Platón ) mixtos coros realizados para el entretenimiento, la celebración y ceremonias espirituales. La música sagrada de la Antigua Grecia será considerada un ejemplo de perfección y pureza. Los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial llamado kithara. La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la música griega incluyó los modos musicales griegos, que eventualmente se convirtieron en la base de la música clásica y religiosa occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El epitafio de Seikilos es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo. La obra más antigua que sobrevive escrito sobre el tema de la teoría musical es Harmonika Stoicheia por Aristóxeno.
Léonin o Pérotin Breves dies hominis |
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La era medieval (476 a 1400), que tuvo lugar durante la Edad Media, comenzó con la introducción del canto monofónico (línea melódica única) en los servicios de la Iglesia Católica Romana. La notación musical se usó desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la iglesia católica para que las melodías del canto pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en toda la comunidad católica. imperio. El repertorio medieval única europea que se ha encontrado en forma escrita desde antes del año 800 es el monofónico litúrgico llano canto de la Iglesia católica romana, la tradición central de los cuales fue llamado canto gregoriano. Junto a estas tradiciones de música sagrada y de iglesia, existía una vibrante tradición de canto secular ( cantos no religiosos). Ejemplos de compositores de este período son Léonin, Pérotin, Guillaume de Machaut y Walther von der Vogelweide.
TL de Victoria Amicus meus |
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La música renacentista (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares (no religiosos), como el amor cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que hizo que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música con anotaciones se copiaba a mano). La mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, los tribunales y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y la iglesia siguió siendo un mecenas importante de la música. A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley y Orlande de Lassus. A medida que la actividad musical pasó de la iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos compositores importantes vinieron de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se les llama compositores franco-flamencos. Ocuparon cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una vibrante actividad musical fueron Alemania, Inglaterra y España.
JS Bach Toccata y fuga |
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La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa; y durante este tiempo, la música se expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la música polifónica contrapuntística, en la que se utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto era importante en la música vocal de la época medieval). Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas, metales y vientos de madera, así como para coros e instrumentos de teclado como órgano de tubos, clavecín y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto. El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach ( Suites para violonchelo ), George Frideric Handel ( Mesías ), Georg Philipp Telemann y Antonio Lucio Vivaldi ( Las cuatro estaciones ).
WA Mozart Symphony 40 G menor |
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La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se consideraba los elementos clave del arte y la filosofía de la antigua Grecia y Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. (Nota: la música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un término que se refiere a la música de arte occidental desde el siglo V hasta la década de 2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos). La música del período clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal fue la homofonía, donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinados son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros, y el fortepiano, el precursor del piano moderno, reemplazó al clavecín y al órgano de tubos de la época barroca como el principal instrumento de teclado (aunque el órgano de tubos siguió utilizándose en la música sacra, como las Misas).
Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor desarrollo de formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el concierto y la sinfonía. Otros tipos principales fueron el trío, el cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos que utilizaban música de cámara y orquesta se volvieron más estandarizados. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que consistía en clavecín, órgano o laúd junto con varios instrumentos bajos seleccionados a discreción del líder del grupo (p. Ej., Viola, violonchelo, teorbo, serpiente), grupos de cámara clásicos usó instrumentos estandarizados especificados (por ejemplo, un cuarteto de cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un violonchelo). La interpretación de acordes improvisados de la época barroca del teclista de continuo o el laudista se eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.
Uno de los cambios más importantes realizados en el período Clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reinas o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica llevó a un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios para espectáculos públicos. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros vocales / instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron más populares.
Los compositores más conocidos del clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que comenzó a moverse hacia el romanticismo.
R. Wagner Die Walküre |
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La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores románticos como Wagner y Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el poder en su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con poemas de tono sinfónico, los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica. Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la tradición.
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma de sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías ), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas.
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más significativa (un ejemplo es la figura distintiva de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía ). Compositores románticos posteriores como Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad, como los acordes extendidos y los acordes alterados, que crearon nuevos "colores" de sonido. A finales del siglo XIX se produjo una expansión espectacular en el tamaño de la orquesta, y la revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la música de teatro, incluida la opereta, la comedia musical y otras formas de teatro musical.
En el siglo XIX, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música amateur de clase media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad de discos de gramófono en el mercado masivo significó que las grabaciones sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su tocadiscos) se convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se usaron para reproducir y distribuir música, porque mientras que en el siglo XIX, el enfoque en las partituras restringió el acceso a la nueva música a las personas de clase media y alta que podía leer música y poseía pianos e instrumentos, en el siglo XX, cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y big bands en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que nunca podrían pagar una entrada para un concierto de ópera o una sinfónica, escuchar esta música. También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales.
El foco de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Los horrores de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente de ideas para la música clásica. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música artística del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acousmática y Musique concrète. La grabación de sonido también fue una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX, y durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios del siglo XX en las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África occidental del estilo es evidente en el uso de notas azules, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota balanceada.
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir del rock and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country. El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica, y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas. En su "forma más pura", "tiene tres acordes, un back beat fuerte e insistente y una melodía pegadiza". La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de 1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a utilizar sintetizadores digitales, como el sintetizador DX-7, cajas de ritmos electrónicas como la TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el TB-303 ) o teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital ). En la década de 2020, los sintetizadores suaves y las aplicaciones de música para computadora hacen posible que los productores de dormitorio creen y graben algunos tipos de música, como música electrónica de baile en su propio hogar, agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean música manipulando música grabada en tocadiscos o reproductores de CD, usando un mezclador de DJ.
La innovación en la tecnología musical continuó en el siglo XXI, incluido el desarrollo de teclados isomorfos y Dynamic Tonality.
La interpretación es la expresión física de la música, que se produce cuando se canta una canción o cuando los músicos tocan una pieza de piano, melodía de guitarra eléctrica, sinfonía, ritmo de batería u otra parte musical. En la música clásica, un compositor escribe una obra musical en notación musical y luego se ejecuta una vez que el compositor está satisfecho con su estructura e instrumentación. Sin embargo, a medida que se realiza, la interpretación de una canción o pieza puede evolucionar y cambiar. En la música clásica, los intérpretes, cantantes o directores instrumentales pueden realizar cambios gradualmente en la redacción o el tempo de una pieza. En la música popular y tradicional, los intérpretes tienen mucha más libertad para realizar cambios en la forma de una canción o pieza. Como tal, en los estilos de música popular y tradicional, incluso cuando una banda toca una canción de versión, pueden realizar cambios, como agregar un solo de guitarra o insertar una introducción.
Una actuación puede planificarse y ensayarse (practicarse), que es la norma en la música clásica, con grandes bandas de jazz y muchos estilos de música popular, o improvisarse sobre una progresión de acordes (una secuencia de acordes), que es la norma en pequeños grupos de jazz y blues. Los ensayos de orquestas, bandas de concierto y coros son dirigidos por un director. Las bandas de rock, blues y jazz suelen estar dirigidas por el líder de la banda. Un ensayo es una repetición estructurada de una canción o pieza por parte de los intérpretes hasta que se pueda cantar o tocar correctamente y, si es una canción o pieza para más de un músico, hasta que las partes estén juntas desde una perspectiva rítmica y afinada. La improvisación es la creación de una idea musical, una melodía u otra línea musical, creada en el lugar, a menudo basada en escalas o riffs melódicos preexistentes.
Muchas culturas tienen fuertes tradiciones de interpretación en solitario (en la que actúa un cantante o instrumentista), como en la música clásica india y en la tradición de la música artística occidental. Otras culturas, como en Bali, incluyen fuertes tradiciones de actuación grupal. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambos, y la actuación puede variar desde la interpretación en solitario improvisada hasta actuaciones muy planificadas y organizadas, como conciertos de música clásica moderna, procesiones religiosas, festivales de música clásica o concursos de música. La música de cámara, que es música para un pequeño conjunto con solo unos pocos de cada tipo de instrumento, a menudo se considera más íntima que las grandes obras sinfónicas.
Muchos tipos de música, como el blues tradicional y la música folclórica, no se escribieron en partituras ; en cambio, originalmente se conservaron en la memoria de los artistas intérpretes o ejecutantes, y las canciones se transmitieron oralmente, de un músico o cantante a otro, o de forma auditiva, en la que un intérprete aprende una canción " de oído ". Cuando ya no se conoce al compositor de una canción o pieza, esta música suele clasificarse como "tradicional" o como "canción popular". Las diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes sobre cómo y dónde realizar cambios en el material original, desde los bastante estrictos, hasta los que exigen improvisación o modificación de la música. La historia y las historias de una cultura también se pueden transmitir de oído a través de la canción.
En música, un adorno consiste en notas añadidas que decoran una melodía, línea de bajo u otra parte musical. El detalle incluido explícitamente en la notación musical varía entre géneros y períodos históricos. En general, la notación de música artística de los siglos XVII al XIX requirió que los artistas intérpretes o ejecutantes tuvieran un gran conocimiento contextual sobre los estilos de interpretación. Por ejemplo, en los siglos XVII y XVIII, la música anotada para solistas indicaba típicamente una melodía simple y sin adornos. Se esperaba que los artistas supieran cómo agregar adornos estilísticamente apropiados para agregar interés a la música, como trinos y giros. Los diferentes estilos de música usan diferentes adornos. Un flautista barroco puede agregar mordents, que son notas cortas que se tocan antes de la nota de la melodía principal, ya sea por encima o por debajo de la nota de la melodía principal. Un guitarrista de blues que toque la guitarra eléctrica podría usar la flexión de cuerdas para agregar expresión; un guitarrista de heavy metal puede usar martillos y arranques.
En el siglo XIX, la música artística para intérpretes solistas puede dar una instrucción general, como interpretar la música de manera expresiva, sin describir en detalle cómo debe hacerlo el intérprete. Se esperaba que el intérprete supiera cómo utilizar los cambios de tempo, la acentuación y las pausas (entre otros dispositivos) para obtener este estilo de interpretación "expresivo". En el siglo XX, la notación de música artística a menudo se volvió más explícita y utilizó una variedad de marcas y anotaciones para indicar a los artistas cómo debían tocar o cantar la pieza. En la música popular y los estilos de música tradicional, se espera que los artistas sepan qué tipos de adornos son estilísticamente apropiados para una canción o pieza determinada, y los artistas suelen agregarlos de manera improvisada. Una excepción son los solos nota por nota, en los que algunos intérpretes recrean con precisión una versión famosa de un solo, como un solo de guitarra.
La filosofía de la música es un subcampo de la filosofía. La filosofía de la música es el estudio de cuestiones fundamentales relacionadas con la música. El estudio filosófico de la música tiene muchas conexiones con cuestiones filosóficas en metafísica y estética. Algunas preguntas básicas en la filosofía de la música son:
En la antigüedad, como en el caso de los antiguos griegos, la estética de la música exploró las dimensiones matemáticas y cosmológicas de la organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, la atención se centró en la experiencia de escuchar música y, por lo tanto, en las preguntas sobre su belleza y el disfrute humano ( plaisir y goce ) de la música. El origen de este cambio filosófico a veces se atribuye a Alexander Gottlieb Baumgarten en el siglo XVIII, seguido por Immanuel Kant. A través de su escritura, el antiguo término "estética", que significa percepción sensorial, recibió su connotación actual. En la década de 2000, los filósofos tendieron a enfatizar temas además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, la capacidad de la música para expresar emociones ha sido un tema central.
En el siglo XX, Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton y Stephen Davies hicieron contribuciones importantes. Sin embargo, muchos músicos, críticos musicales y otros no filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo XIX, surgió un importante debate entre Eduard Hanslick, crítico musical y musicólogo, y el compositor Richard Wagner sobre si la música puede expresar significado. Harry Partch y algunos otros musicólogos, como Kyle Gann, han estudiado y tratado de popularizar la música microtonal y el uso de escalas musicales alternativas. También muchos compositores modernos como La Monte Young, Rhys Chatham y Glenn Branca prestaron mucha atención a una escala llamada entonación justa.
A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar nuestras emociones, intelecto y psicología ; puede aliviar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en La República que la música tiene un efecto directo sobre el alma. Por tanto, propone que en el régimen ideal la música estaría estrechamente regulada por el Estado (Libro VII). En la antigua China, el filósofo Confucio creía que la música y los rituales o ritos están interconectados y en armonía con la naturaleza; Afirmó que la música era la armonización del cielo y la tierra, mientras que el orden lo traía el orden de los ritos, lo que los hacía funciones extremadamente cruciales en la sociedad.
Ha habido una fuerte tendencia en la estética de la música a enfatizar la importancia primordial de la estructura compositiva; sin embargo, otros temas relacionados con la estética de la música incluyen lirismo, armonía, hipnotismo, emotividad, dinámica temporal, resonancia, alegría y color (ver también desarrollo musical ).
La psicología musical moderna tiene como objetivo explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musical. La investigación en este campo y sus subcampos es principalmente empírica ; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de las interpretaciones de los datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con los participantes humanos. Además de su enfoque en las percepciones fundamentales y los procesos cognitivos, la psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluida la interpretación musical, la composición, la educación, la crítica y la terapia, así como las investigaciones sobre la aptitud, habilidad e inteligencia humanas., creatividad y comportamiento social.
La neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos basados en el cerebro involucrados en los procesos cognitivos que subyacen a la música. Estos comportamientos incluyen escuchar música, interpretar, componer, leer, escribir y actividades auxiliares. También se preocupa cada vez más por la base cerebral de la estética musical y la emoción musical. El campo se distingue por su dependencia de observaciones directas del cerebro, utilizando técnicas como la resonancia magnética funcional (fMRI), la estimulación magnética transcraneal (TMS), la magnetoencefalografía (MEG), la electroencefalografía (EEG) y la tomografía por emisión de positrones (PET)..
La musicología cognitiva es una rama de la ciencia cognitiva que se ocupa de modelar computacionalmente el conocimiento musical con el objetivo de comprender tanto la música como la cognición. El uso de modelos informáticos proporciona un medio interactivo exigente en el que formular y probar teorías y tiene sus raíces en la inteligencia artificial y la ciencia cognitiva.
Este campo interdisciplinario investiga temas como los paralelismos entre el lenguaje y la música en el cerebro. Los modelos de computación de inspiración biológica se incluyen a menudo en la investigación, como las redes neuronales y los programas evolutivos. Este campo busca modelar cómo se representa, almacena, percibe, interpreta y genera el conocimiento musical. Mediante el uso de un entorno informático bien estructurado, se pueden investigar las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos.
La psicoacústica es el estudio científico de la percepción del sonido. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las respuestas psicológicas y fisiológicas asociadas con el sonido (incluido el habla y la música). Se puede clasificar además como una rama de la psicofísica.
La musicología evolutiva se refiere a los "orígenes de la música, la cuestión del canto de los animales, las presiones de selección que subyacen a la evolución de la música" y la "evolución de la música y la evolución humana". Busca comprender la percepción y la actividad de la música en el contexto de la teoría evolutiva. Charles Darwin especuló que la música puede haber tenido una ventaja adaptativa y funcionado como un protolenguaje, una visión que ha generado varias teorías en competencia sobre la evolución de la música. Una visión alternativa ve la música como un subproducto de la evolución lingüística ; un tipo de "tarta de queso auditiva" que agrada a los sentidos sin proporcionar ninguna función adaptativa. Esta opinión ha sido contrarrestada directamente por numerosos investigadores musicales.
La cultura o etnia de un individuo juega un papel en su cognición musical, incluidas sus preferencias, reacción emocional y memoria musical. Las preferencias musicales están sesgadas hacia tradiciones musicales culturalmente familiares que comienzan en la infancia, y la clasificación de los adultos de la emoción de una pieza musical depende de características estructurales universales y culturalmente específicas. Además, las habilidades de memoria musical de los individuos son mayores para la música culturalmente familiar que para la música culturalmente desconocida.
Muchos estudios etnográficos demuestran que la música es una actividad participativa basada en la comunidad. Los individuos experimentan la música en una variedad de entornos sociales que van desde estar solos hasta asistir a un gran concierto, formando una comunidad musical, que no puede entenderse como una función de la voluntad o el accidente individual; incluye participantes comerciales y no comerciales con un conjunto compartido de valores comunes. Las representaciones musicales adoptan diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos. En Europa y América del Norte, a menudo existe una división entre los tipos de música que se consideran una " cultura alta " y una " cultura baja ". Los tipos de música de "alta cultura" suelen incluir música de arte occidental, como sinfonías, conciertos y obras solistas barrocas, clásicas, románticas y de la era moderna, y normalmente se escuchan en conciertos formales en salas de conciertos e iglesias, con el público sentado en silencio. en asientos.
Otros tipos de música, incluidos, entre otros, jazz, blues, soul y country, a menudo se interpretan en bares, clubes nocturnos y teatros, donde la audiencia puede beber, bailar y expresarse animando. Hasta finales del siglo XX, la división entre formas musicales "altas" y "bajas" fue ampliamente aceptada como una distinción válida que separaba la "música artística" de mejor calidad y más avanzada de los estilos populares de música que se escuchan en bares y salones de baile.
Sin embargo, en las décadas de 1980 y 1990, los musicólogos que estudiaron esta división percibida entre géneros musicales "altos" y "bajos" argumentaron que esta distinción no se basa en el valor musical o la calidad de los diferentes tipos de música. Más bien, argumentaron que esta distinción se basaba en gran medida en la posición socioeconómica o la clase social de los intérpretes o la audiencia de los diferentes tipos de música. Por ejemplo, mientras que la audiencia de los conciertos de música clásica sinfónica normalmente tiene ingresos por encima del promedio, la audiencia de un concierto de rap en un área del centro de la ciudad puede tener ingresos por debajo del promedio. Aunque los intérpretes, la audiencia o el lugar donde se interpreta música que no es "artística" pueden tener un nivel socioeconómico más bajo, la música que se interpreta, como blues, rap, punk, funk o ska puede ser muy compleja y sofisticada.
Cuando los compositores introducen estilos de música que rompen con las convenciones, puede haber una fuerte resistencia por parte de los expertos académicos en música y la cultura popular. Los cuartetos de cuerda de Beethoven del período tardío, las partituras de ballet de Stravinsky, el serialismo, el bebop -era jazz, el hip hop, el punk rock y la electrónica han sido considerados no musicales por algunos críticos cuando se presentaron por primera vez. Estos temas se examinan en la sociología de la música. El estudio sociológico de la música, a veces llamado sociomusicología, a menudo se lleva a cabo en departamentos de sociología, estudios de medios o música, y está estrechamente relacionado con el campo de la etnomusicología.
Las mujeres han jugado un papel importante en la música a lo largo de la historia, como compositores, compositores, intérpretes instrumentales, cantantes, conductores, los estudiosos de la música, profesores de música, los críticos de música / periodistas musicales y otras profesiones musicales. Además, describe movimientos musicales, eventos y géneros relacionados con la mujer, la problemática de la mujer y el feminismo. En la década de 2010, mientras que las mujeres representan una proporción significativa de cantantes de música popular y clásica, y una proporción significativa de compositoras (muchas de ellas cantautoras), hay pocas productoras de discos, críticas de rock e instrumentistas de rock. Aunque ha habido un gran número de mujeres compositoras en la música clásica, desde la época medieval hasta la actualidad, las mujeres compositoras están significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica comúnmente interpretado, los libros de texto de historia de la música y las enciclopedias musicales; por ejemplo, en la Concise Oxford History of Music, Clara Schumann es una de las únicas compositoras que se menciona.
Las mujeres constituyen una proporción significativa de solistas instrumentales en la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas está aumentando. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre solistas de conciertos en las principales orquestas canadienses indicó que el 84% de los solistas de la Orchestre Symphonique de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de la orquesta Filarmónica de Viena mejor clasificada. Las mujeres son menos comunes como intérpretes instrumentales en géneros musicales populares como el rock y el heavy metal, aunque ha habido una serie de notables instrumentistas femeninas y bandas exclusivamente femeninas. Las mujeres están particularmente subrepresentadas en los géneros de metal extremo. En la escena de la música pop de la década de 1960, "[l] omo la mayoría de los aspectos del... negocio de la música, [en la década de 1960], la composición era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes en la radio, mujeres...eran vistos principalmente como consumidores:... cantar era a veces un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no se hacía ". Las mujeres jóvenes "... no fueron socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música]".
Las mujeres también están subrepresentadas en dirección de orquesta, crítica musical / periodismo musical, producción musical e ingeniería de sonido. Si bien se desanimó a las mujeres a componer en el siglo XIX, y hay pocas mujeres musicólogas, las mujeres se involucraron en la educación musical "... hasta tal punto que las mujeres dominaron [este campo] durante la última mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el el siglo 20."
Según Jessica Duchen, compositora de The Independent de Londres, las mujeres músicas de la música clásica son "... con demasiada frecuencia juzgadas por su apariencia, más que por su talento" y enfrentan presión "... para verse sexys en el escenario y en las fotos.. " Duchen afirma que si bien "[l] a hay mujeres músicas que se niegan a tocar con su apariencia,... las que lo hacen tienden a tener más éxito material". Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria de la música ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en roles de actuación o entretenimiento, pero es mucho menos probable que las mujeres ocupen puestos de autoridad, como ser el director de una orquesta. En la música popular, si bien hay muchas mujeres cantantes grabando canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio que actúan como productoras de música, las personas que dirigen y gestionan el proceso de grabación. Uno de los artistas más grabados es Asha Bhosle, una cantante india más conocida como cantante de reproducción en el cine hindi.
La música que hacen los compositores y compositores se puede escuchar a través de varios medios; la forma más tradicional es escucharla en vivo, en presencia de los músicos (o como uno de los músicos), en un espacio interior o exterior como un anfiteatro, sala de conciertos, sala de cabaret, teatro, pub o cafetería. Desde el siglo XX, la música en vivo también puede transmitirse por radio, televisión o Internet, o grabarse y escucharse en un reproductor de CD o MP3.
Algunos estilos musicales se enfocan en producir canciones y piezas para una presentación en vivo, mientras que otros se enfocan en producir una grabación que mezcla sonidos que nunca se tocaron "en vivo". Incluso en estilos esencialmente en vivo como el rock, los ingenieros de grabación a menudo usan la capacidad de editar, empalmar y mezclar para producir grabaciones que pueden considerarse "mejores" que la interpretación en vivo real. Por ejemplo, algunos cantantes se graban a sí mismos cantando una melodía y luego graban múltiples partes de armonía usando una sobregrabación, creando un sonido que sería imposible de hacer en vivo.
La tecnología ha tenido una influencia en la música desde tiempos prehistóricos, cuando la gente de las cavernas usaba herramientas simples para perforar flautas de hueso hace 41.000 años. La tecnología continuó influyendo en la música a lo largo de la historia de la música, ya que permitió el uso de nuevos instrumentos y sistemas de reproducción de notación musical, siendo uno de los momentos decisivos en la notación musical la invención de la imprenta en el siglo XV, lo que significó que las partituras musicales no ya tenía que ser copiado a mano. En el siglo XIX, la tecnología musical condujo al desarrollo de un piano más potente y ruidoso y condujo al desarrollo de nuevos instrumentos de metal con válvulas.
A principios del siglo XX (a fines de la década de 1920), cuando surgieron las imágenes sonoras a principios del siglo XX, con sus pistas musicales pregrabadas, un número creciente de músicos de orquesta de cine se encontraron sin trabajo. Durante la década de 1920, las actuaciones musicales en vivo de orquestas, pianistas y organistas de teatro eran comunes en los teatros de estreno. Con la llegada de las películas parlantes, esas actuaciones destacadas fueron eliminadas en gran medida. La Federación Estadounidense de Músicos (AFM) sacó anuncios en los periódicos que protestaban por el reemplazo de los músicos en vivo por dispositivos mecánicos para tocar. Un anuncio de 1929 que apareció en Pittsburgh Press presenta una imagen de una lata con la etiqueta "Música enlatada / Marca de gran ruido / Garantizada para no producir ninguna reacción intelectual o emocional".
Desde que se introdujo legislación para ayudar a proteger a los artistas intérpretes o ejecutantes, compositores, editores y productores, incluida la Ley de grabación de audio en casa de 1992 en los Estados Unidos, y la Convención de Berna revisada de 1979 para la protección de las obras literarias y artísticas en el Reino Unido, grabaciones y representaciones en vivo también se han vuelto más accesibles a través de computadoras, dispositivos e Internet en una forma que se conoce comúnmente como música a pedido.
En muchas culturas, hay menos distinción entre tocar y escuchar música, ya que prácticamente todo el mundo está involucrado en algún tipo de actividad musical, a menudo en un entorno comunitario. En los países industrializados, escuchar música a través de una forma grabada, como una grabación de sonido en un disco o la radio, se volvió más común que experimentar una actuación en vivo, aproximadamente a mediados del siglo XX. En la década de 1980, ver videos musicales era una forma popular de escuchar música y al mismo tiempo ver a los artistas.
A veces, las actuaciones en vivo incorporan sonidos pregrabados. Por ejemplo, un disc jockey usa discos de disco para hacer scratching, y algunas obras del siglo XX tienen un solo para un instrumento o voz que se interpreta junto con música pregrabada en una cinta. Algunas bandas de pop utilizan pistas de acompañamiento grabadas. Se pueden programar computadoras y muchos teclados para producir y reproducir música de interfaz digital de instrumentos musicales (MIDI). El público también puede convertirse en intérprete participando en el karaoke, una actividad de origen japonés centrada en un dispositivo que reproduce versiones con voz eliminada de canciones conocidas. La mayoría de las máquinas de karaoke también tienen pantallas de video que muestran la letra de las canciones que se están interpretando; los artistas intérpretes o ejecutantes pueden seguir la letra mientras cantan sobre las pistas instrumentales.
El advenimiento de Internet y el acceso generalizado de banda ancha de alta velocidad ha transformado la experiencia de la música, en parte a través de la mayor facilidad de acceso a las grabaciones de música a través de transmisión de video y una gran variedad de opciones de música para los consumidores. Chris Anderson, en su libro The Long Tail: Why the Future of Business Is Selling Less of More, sugiere que mientras que el modelo económico tradicional de oferta y demanda describe la escasez, el modelo minorista de Internet se basa en la abundancia. Los costos de almacenamiento digital son bajos, por lo que una empresa puede permitirse hacer que todo su inventario de grabación esté disponible en línea, brindando a los clientes la mayor cantidad de opciones posible. Por lo tanto, se ha vuelto económicamente viable ofrecer grabaciones de música en las que muy pocas personas están interesadas. La creciente conciencia de los consumidores de su mayor elección da como resultado una asociación más estrecha entre los gustos auditivos y la identidad social, y la creación de miles de nichos de mercado.
Otro efecto de Internet surgió con las comunidades en línea y los sitios web de redes sociales como YouTube y Facebook, un servicio de redes sociales. Estos sitios facilitan que los aspirantes a cantantes y las bandas amateurs distribuyan videos de sus canciones, se conecten con otros músicos y ganen el interés de la audiencia. Los músicos profesionales también utilizan YouTube como editor gratuito de material promocional. Los usuarios de YouTube, por ejemplo, ya no solo descargan y escuchan MP3, sino que también crean activamente los suyos propios. Según Don Tapscott y Anthony D. Williams, en su libro Wikinomics, ha habido un cambio de un rol de consumidor tradicional a lo que ellos llaman un rol de " prosumidor ", un consumidor que crea contenido y consume. Las manifestaciones de esto en la música incluyen la producción de mashes, remixes y videos musicales por parte de los fanáticos.
La industria de la música se refiere a los negocios relacionados con la creación y venta de música. Consiste en compositores y compositores que crean nuevas canciones y piezas musicales, productores musicales e ingenieros de sonido que graban canciones y piezas, sellos discográficos y editores que distribuyen productos musicales grabados y partituras a nivel internacional y que a menudo controlan los derechos de esos productos. Algunas discográficas son " independientes ", mientras que otras son subsidiarias de entidades corporativas más grandes o grupos de medios internacionales. En la década de 2000, la creciente popularidad de escuchar música como archivos de música digital en reproductores MP3, iPods o computadoras, y de intercambiar música en sitios web para compartir archivos o comprarla en línea en forma de archivos digitales tuvo un gran impacto en la música tradicional. negocio. Muchas tiendas de CD independientes más pequeñas cerraron debido a que los compradores de música disminuyeron sus compras de CD, y muchos sellos registraron ventas de CD más bajas. Sin embargo, a algunas empresas les fue bien con el cambio a un formato digital, como iTunes de Apple, una tienda de música en línea que vende archivos digitales de canciones a través de Internet.
A pesar de algunos tratados internacionales de derechos de autor, determinar qué música es de dominio público es complicado debido a la variedad de leyes nacionales de derechos de autor que pueden ser aplicables. La ley de derechos de autor de EE. UU. Protegía anteriormente la música impresa publicada después de 1923 durante 28 años y con renovación por otros 28 años, pero la Ley de derechos de autor de 1976 hizo que la renovación fuera automática, y la Ley de derechos de autor del Milenio digital cambió el cálculo del plazo de los derechos de autor a 70 años después de la muerte. del creador. El sonido grabado está sujeto a licencias mecánicas, a menudo cubiertas por un confuso mosaico de leyes estatales; la mayoría de las versiones de portada tienen licencia a través de la Agencia Harry Fox. Los derechos de interpretación pueden ser obtenidos por los artistas intérpretes o ejecutantes o el lugar de la actuación; las dos organizaciones principales para la concesión de licencias son BMI y ASCAP. Dos fuentes en línea de música de dominio público son IMSLP (Proyecto de biblioteca internacional de partituras musicales) y Biblioteca de dominio público coral (CPDL).
La incorporación de algo de formación musical o de canto en la educación general desde la educación preescolar hasta la educación postsecundaria es común en América del Norte y Europa. Se cree que la participación en tocar y cantar música enseña habilidades básicas como la concentración, el conteo, la escucha y la cooperación, al mismo tiempo que promueve la comprensión del lenguaje, mejora la capacidad de recordar información y crea un entorno más propicio para el aprendizaje en otras áreas. En las escuelas primarias, los niños a menudo aprenden a tocar instrumentos como la flauta dulce, a cantar en pequeños coros y a aprender sobre la historia de la música artística occidental y la música tradicional. Algunos niños de la escuela primaria también aprenden sobre estilos musicales populares. En las escuelas religiosas, los niños cantan himnos y otras músicas religiosas. En las escuelas secundarias (y con menos frecuencia en las escuelas primarias), los estudiantes pueden tener la oportunidad de actuar en algunos tipos de conjuntos musicales, como coros (un grupo de cantantes), bandas de música, bandas de conciertos, bandas de jazz u orquestas. En algunos sistemas escolares, se pueden proporcionar lecciones de música sobre cómo tocar instrumentos. Algunos estudiantes también toman lecciones privadas de música después de la escuela con un profesor de canto o de instrumentos. Los músicos aficionados generalmente aprenden rudimentos musicales básicos (por ejemplo, aprender sobre notación musical para escalas y ritmos musicales ) y técnicas de canto o interpretación de instrumentos de nivel principiante a intermedio.
A nivel universitario, los estudiantes en la mayoría de los programas de artes y humanidades pueden recibir crédito por tomar algunos cursos de música, que generalmente toman la forma de un curso general sobre la historia de la música o un curso de apreciación musical que se enfoca en escuchar música y aprender. sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas tienen algunos tipos de conjuntos musicales en los que los estudiantes de artes y humanidades pueden participar, como coros, bandas de música, bandas de conciertos u orquestas. El estudio de la música artística occidental es cada vez más común fuera de América del Norte y Europa, como el Instituto de Artes de Indonesia en Yogyakarta, Indonesia, o los programas de música clásica que están disponibles en países asiáticos como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y colegios occidentales están ampliando su plan de estudios para incluir música de culturas no occidentales, como la música de África o Bali (por ejemplo, la música de Gamelan ).
Las personas que aspiran a convertirse en músicos profesionales, cantantes, compositores, compositores, profesores de música y practicantes de otras profesiones relacionadas con la música, como profesores de historia de la música, ingenieros de sonido, etc., estudian en programas postsecundarios especializados ofrecidos por colegios, universidades y conservatorios de música.. Algunas instituciones que capacitan a personas para carreras musicales ofrecen capacitación en una amplia gama de profesiones, como es el caso de muchas de las principales universidades de EE. UU., Que ofrecen títulos en interpretación musical (incluido el canto y la interpretación de instrumentos), historia de la música, teoría musical, etc. composición musical, educación musical (para personas que deseen convertirse en profesores de música de primaria o secundaria) y, en algunos casos, dirección. Por otro lado, es posible que algunas universidades pequeñas solo ofrezcan capacitación en una sola profesión (por ejemplo, grabación de sonido ).
Si bien la mayoría de los programas de música de las universidades y los conservatorios se centran en la formación de estudiantes en música clásica, hay varias universidades y facultades que capacitan a músicos para carreras como músicos y compositores de jazz o música popular, con ejemplos notables en EE. UU. Que incluyen la Escuela de Música de Manhattan y Berklee. Facultad de Música. Dos importantes escuelas de Canadá que ofrecen formación profesional en jazz son la Universidad McGill y el Humber College. Las personas que aspiran a carreras en algunos tipos de música, como la música heavy metal, la música country o el blues, tienen menos probabilidades de convertirse en profesionales al completar títulos o diplomas en colegios o universidades. En cambio, normalmente aprenden sobre su estilo de música cantando o tocando en muchas bandas (a menudo comenzando en bandas de aficionados, bandas de covers y bandas de tributo ), estudiando grabaciones disponibles en CD, DVD e Internet y trabajando con profesionales ya establecidos en su entorno. estilo de música, ya sea a través de tutorías informales o lecciones de música regulares. Desde la década de 2000, la creciente popularidad y disponibilidad de los foros de Internet y los videos "instructivos" de YouTube han permitido a muchos cantantes y músicos de metal, blues y géneros similares mejorar sus habilidades. Muchos cantantes de pop, rock y country se entrenan de manera informal con entrenadores vocales y profesores de canto.
Los títulos universitarios de pregrado en música, incluida la Licenciatura en Música, la Licenciatura en Educación Musical y la Licenciatura en Artes (con especialización en música) suelen tardar unos cuatro años en completarse. Estos títulos brindan a los estudiantes una base en teoría musical e historia de la música, y muchos estudiantes también estudian un instrumento o aprenden técnica de canto como parte de su programa. Los graduados de programas de música de pregrado pueden buscar empleo o continuar sus estudios en programas de posgrado de música. Graduados de la licenciatura también son elegibles para aplicar a algunos programas de posgrado y escuelas profesionales fuera de la música (por ejemplo, la administración pública, administración de empresas, ciencias de la biblioteca, y, en algunas jurisdicciones, la universidad del profesor, la escuela de derecho o facultad de medicina ).
Los títulos de posgrado en música incluyen la Maestría en Música, la Maestría en Artes (en musicología, teoría musical u otro campo musical), el Doctorado en Filosofía (Ph.D.) (por ejemplo, en musicología o teoría musical) y, más recientemente, el Doctor en Artes Musicales, o DMA. El título de Maestría en Música, que tarda de uno a dos años en completarse, generalmente se otorga a los estudiantes que estudian la interpretación de un instrumento, educación, voz (canto) o composición. El título de Maestría en Artes, que tarda uno o dos años en completarse y, a menudo, requiere una tesis, generalmente se otorga a los estudiantes que estudian musicología, historia de la música, teoría de la música o etnomusicología.
El doctorado, que se requiere para los estudiantes que desean trabajar como profesores universitarios en musicología, historia de la música o teoría de la música, toma de tres a cinco años de estudio después de la maestría, tiempo durante el cual el estudiante completará cursos avanzados y realizará investigaciones para una tesis. El DMA es un título relativamente nuevo que se creó para proporcionar una credencial para intérpretes o compositores profesionales que desean trabajar como profesores universitarios en interpretación o composición musical. El DMA toma de tres a cinco años después de una maestría e incluye cursos avanzados, proyectos y actuaciones. En la época medieval, el estudio de la música era uno de los Quadrivium de las siete artes liberales y se consideraba vital para la educación superior. Dentro del Quadrivium cuantitativo, la música, o más exactamente los armónicos, era el estudio de las proporciones racionales.
La musicología, el estudio académico de la asignatura de música, se estudia en universidades y conservatorios de música. Las primeras definiciones del siglo XIX definieron tres subdisciplinas de la musicología: musicología sistemática, musicología histórica y musicología comparada o etnomusicología. En 2010 la beca de la época, uno es más probable que encuentre una división de la disciplina en la teoría musical, historia de la música y etnomusicología. La investigación en musicología a menudo se ha enriquecido con el trabajo interdisciplinario, por ejemplo en el campo de la psicoacústica. El estudio de la música de culturas no occidentales y el estudio cultural de la música se llama etnomusicología. Los estudiantes pueden realizar estudios de licenciatura en musicología, etnomusicología, historia de la música y teoría de la música a través de varios tipos diferentes de títulos, incluidos títulos de licenciatura, maestría y doctorado.
La teoría musical es el estudio de la música, generalmente de una manera altamente técnica fuera de otras disciplinas. En términos más generales, se refiere a cualquier estudio de la música, generalmente relacionado de alguna forma con preocupaciones compositivas, y puede incluir matemáticas, física y antropología. Lo que se enseña más comúnmente en las clases de teoría musical para principiantes son pautas para escribir en el estilo del período de práctica común o música tonal. La teoría, incluso de la música del período de práctica común, puede adoptar muchas otras formas. La teoría de conjuntos musicales es la aplicación de la teoría matemática de conjuntos a la música, aplicada por primera vez a la música atonal. La teoría musical especulativa, en contraste con la teoría musical analítica, se dedica al análisis y síntesis de materiales musicales, por ejemplo, sistemas de afinación, generalmente como preparación para la composición.
La zoomusicología es el estudio de la música de animales no humanos o los aspectos musicales de los sonidos producidos por animales no humanos. Como preguntó George Herzog (1941), "¿los animales tienen música?" François-Bernard Mâche 's Musique, mythe, naturaleza, ou les Dauphins d'Arion (1983), un estudio de "Ornitho-musicología" usando una técnica de Nicolas Ruwet ' s Langage, musique, poésie (1972) análisis de segmentación paradigmático, muestra que los cantos de los pájaros se organizan según un principio de repetición-transformación. Jean-Jacques Nattiez (1990), sostiene que “en última instancia, es el ser humano quien decide qué es y qué no es musical, incluso cuando el sonido no es de origen humano. Si reconocemos que el sonido no está organizado y conceptualizado (es decir, hecha para formar música) simplemente por su productor, pero por la mente que la percibe, entonces la música es exclusivamente humana ".
En Occidente, gran parte de la historia de la música que se enseña trata sobre la música artística de la civilización occidental, que se conoce como música clásica. La historia de la música en culturas no occidentales (" música del mundo " o el campo de la "etnomusicología"), que generalmente cubre la música de África y Asia, también se enseña en las universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de los países asiáticos fuera de la influencia de Europa occidental, así como la música popular o indígena de varias otras culturas. Los estilos musicales populares o folclóricos en los países no occidentales variaron ampliamente de una cultura a otra y de un período a otro. Diferentes culturas enfatizaron diferentes instrumentos, técnicas, estilos de canto y usos de la música. La música se ha utilizado para entretenimiento, ceremonias, rituales, propósitos religiosos y para la comunicación práctica y artística. La música no occidental también se ha utilizado con fines de propaganda, como fue el caso de la ópera china durante la Revolución Cultural.
Existe una gran cantidad de clasificaciones musicales para la música no occidental, muchas de las cuales están atrapadas en la discusión sobre la definición de música. Entre las más importantes se encuentra la división entre música clásica (o música "artística") y música popular (o música comercial, incluidos los estilos no occidentales de rock, country y estilos relacionados con la música pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en una de estas "dos grandes" clasificaciones (como la música folclórica, la música mundial o la música relacionada con el jazz ).
A medida que las culturas del mundo han entrado en un mayor contacto global, sus estilos musicales autóctonos a menudo se han fusionado con otros estilos, lo que produce nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo de bluegrass de los Estados Unidos contiene elementos de las tradiciones instrumentales y vocales anglo - irlandesas, escocesas, irlandesas, alemanas y africanas, que pudieron fusionarse en la sociedad multiétnica de " crisol " de los Estados Unidos. Algunos tipos de músicas del mundo contienen una mezcla de estilos indígenas no occidentales con elementos de la música pop occidental. Los géneros musicales están determinados tanto por la tradición y la presentación como por la música actual. Algunos trabajos, como George Gershwin 's Rhapsody in Blue, son reclamados por tanto jazz y música clásica, mientras que de Gershwin Porgy and Bess y Leonard Bernstein ' s West Side Story son reclamados por tanto la ópera y el musical de Broadway tradición. Muchos festivales de música actuales para música no occidental incluyen bandas y cantantes de un género musical en particular, como músicas del mundo.
La música india, por ejemplo, es uno de los tipos de música más antiguos y más longevos, y todavía se escucha y se interpreta ampliamente en el sur de Asia, así como a nivel internacional (especialmente desde la década de 1960). La música india tiene principalmente tres formas de música clásica: estilos indostaní, carnático y dhrupad. También tiene un gran repertorio de estilos, que incluyen solo música de percusión, como las famosas actuaciones de talavadya en el sur de la India.
La musicoterapia es un proceso interpersonal en el que un terapeuta capacitado utiliza la música y todas sus facetas (física, emocional, mental, social, estética y espiritual) para ayudar a los clientes a mejorar o mantener su salud. En algunos casos, las necesidades del cliente se abordan directamente a través de la música; en otros, se abordan a través de las relaciones que se desarrollan entre el cliente y el terapeuta. La musicoterapia se usa con personas de todas las edades y con una variedad de afecciones, que incluyen: trastornos psiquiátricos, problemas médicos, discapacidades físicas, discapacidades sensoriales, discapacidades del desarrollo, problemas de abuso de sustancias, trastornos de la comunicación, problemas interpersonales y envejecimiento. También se utiliza para mejorar el aprendizaje, desarrollar la autoestima, reducir el estrés, apoyar el ejercicio físico y facilitar una serie de otras actividades relacionadas con la salud. Los musicoterapeutas pueden alentar a los clientes a cantar, tocar instrumentos, crear canciones o realizar otras actividades musicales.
Una de las primeras menciones de la musicoterapia fue en el tratado de Al-Farabi (c. 872-950) Significados del intelecto, que describía los efectos terapéuticos de la música en el alma. La música se ha utilizado durante mucho tiempo para ayudar a las personas a lidiar con sus emociones. En el siglo 17, el erudito Robert Burton 's La anatomía de la melancolía argumentó que la música y la danza fueron críticos en el tratamiento de las enfermedades mentales, especialmente la melancolía. Señaló que la música tiene un "excelente poder... para expulsar muchas otras enfermedades" y la llamó "un remedio soberano contra la desesperación y la melancolía". Señaló que en la Antigüedad, Canus, un violinista rodio, usaba la música para "hacer feliz a un hombre melancólico,... a un amante más enamorado, a un hombre religioso más devoto". En el Imperio Otomano, las enfermedades mentales se trataban con música. En noviembre de 2006, el Dr. Michael J. Crawford y sus colegas también descubrieron que la musicoterapia ayudaba a los pacientes esquizofrénicos.
Albert Einstein tuvo un amor de por vida por la música (particularmente las obras de Bach y Mozart ), una vez afirmó que la vida sin tocar música sería inconcebible para él. En algunas entrevistas, Einstein incluso atribuyó gran parte de su intuición científica a la música, con su hijo Hans relatando que "siempre que sentía que había llegado al final del camino o en una situación difícil en su trabajo, se refugiaba en la música, y eso normalmente resolvería todas sus dificultades ". Algo en la música, según Michele y Robert Root-Bernstein en Psychology Today, "guiaría sus pensamientos en direcciones nuevas y creativas". Se ha dicho que Einstein consideraba que la música de Mozart revelaba una armonía universal que Einstein creía que existía en el universo, "como si el gran Wolfgang Amadeus no 'creara' su música bellamente clara en absoluto, sino que simplemente la descubriera ya hecha. Esta perspectiva paralela, notablemente, los puntos de vista de Einstein sobre la máxima simplicidad de la naturaleza y su explicación y declaración a través de expresiones matemáticas esencialmente simples ". Una revisión sugiere que la música puede ser eficaz para mejorar la calidad subjetiva del sueño en adultos con síntomas de insomnio. La música también se está utilizando en la rehabilitación clínica de trastornos cognitivos y motores.
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