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Pablo Picasso

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"Picasso" vuelve a dirigir aquí. Para otros usos, consulte Picasso (desambiguación). En este nombre español, el primer apellido o apellido paterno es Ruiz y el segundo apellido o apellido materno es Picasso.

Pablo Picasso
Retrato de Picasso, 1908.jpg Picasso en 1908
Nació Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso ( 25/10/1881)25 de octubre de 1881 Málaga, España
Murió 8 de abril de 1973 (8 de abril de 1973)(91 años) Mougins, Francia
Lugar de descanso Castillo de Vauvenargues 43.554142 ° N 5.604438 ° E 43 ° 33′15 ″ N 5 ° 36′16 ″ E /  / 43.554142; 5.604438
Nacionalidad Español
Educación
Conocido por Pintura, dibujo, escultura, grabado, cerámica, escenografía, escritura
Trabajo notable
Movimiento Cubismo, Surrealismo
Esposos)
Olga Khokhlova ​ ​( . M  1918; murió 1955)
Jacqueline Roque ​( M.  1961)
Socios)
Niños
Familia
Patrón (s) Sergei Shchukin
Firma
Picasso Signatur-DuMont 1977.svg

Pablo Ruiz Picasso (25 de octubre de 1881 - 8 de abril de 1973) fue un pintor, escultor, grabador, ceramista y diseñador de teatro español que pasó la mayor parte de su vida adulta en Francia. Considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX, es conocido por cofundar el movimiento cubista, la invención de la escultura construida, la co-invención del collage y por la amplia variedad de estilos que ayudó a desarrollar y explorar.. Entre sus obras más famosas se encuentran las protocubistas Les Demoiselles d'Avignon (1907) y Guernica (1937), una representación dramática del bombardeo de Guernica por las fuerzas aéreas alemanas e italianas durante la Guerra Civil española.

Picasso demostró un talento artístico extraordinario en sus primeros años, pintando de manera naturalista durante su infancia y adolescencia. Durante la primera década del siglo XX, su estilo cambió a medida que experimentó con diferentes teorías, técnicas e ideas. Después de 1906, la obra fauvista del artista un poco mayor Henri Matisse motivó a Picasso a explorar estilos más radicales, iniciando una fructífera rivalidad entre los dos artistas, quienes posteriormente fueron a menudo emparejados por los críticos como líderes del arte moderno.

El trabajo de Picasso a menudo se clasifica en períodos. Si bien se debaten los nombres de muchos de sus períodos posteriores, los períodos más comúnmente aceptados en su trabajo son el período azul (1901-1904), el período rosa (1904-1906), el período de influencia africana (1907-1909), El cubismo analítico (1909-1912) y el cubismo sintético (1912-1919), también conocido como el período Cristal. Gran parte de la obra de Picasso de finales de la década de 1910 y principios de la de 1920 es de estilo neoclásico, y su obra de mediados de la década de 1920 a menudo tiene características del surrealismo. Su trabajo posterior a menudo combina elementos de sus estilos anteriores.

Excepcionalmente prolífico a lo largo de su larga vida, Picasso logró un renombre universal y una inmensa fortuna por sus logros artísticos revolucionarios, y se convirtió en una de las figuras más conocidas del arte del siglo XX.

Contenido
  • 1 Vida temprana
  • 2 Carrera
    • 2.1 Antes de 1900
    • 2.2 Período azul: 1901-1904
    • 2.3 Período de la rosa: 1904-1906
    • 2.4 Arte y primitivismo africanos: 1907-1909
    • 2.5 Cubismo analítico: 1909-1912
    • 2.6 Cubismo sintético: 1912-1919
    • 2.7 Neoclasicismo y surrealismo: 1919-1929
    • 2.8 Exposición de la Gran Depresión al MoMA: 1930-1939
    • 2.9 Segunda Guerra Mundial y finales de la década de 1940: 1939-1949
    • 2.10 Obras posteriores hasta los últimos años: 1949–1973
  • 3 puntos de vista políticos
  • 4 Estilo y técnica
  • 5 legado artístico
    • 5.1 La votación de Basilea
    • 5.2 Historial de subastas
  • 6 Vida personal
  • 7 Catálogo razonado
  • 8 Véase también
  • 9 Notas y referencias
    • 9.1 Notas
    • 9.2 Referencias
    • 9.3 Fuentes
  • 10 Lecturas adicionales
  • 11 Enlaces externos

Vida temprana

Picasso con su hermana Lola, 1889

Picasso nació a las 23:15 del 25 de octubre de 1881, en la ciudad de Málaga, Andalucía, en el sur de España. Fue el primer hijo de Don José Ruiz y Blasco (1838-1913) y María Picasso y López. La familia de Picasso era de clase media. Su padre era un pintor que se especializaba en representaciones naturalistas de aves y otros animales de caza. Durante la mayor parte de su vida, Ruiz fue profesor de arte en la Escuela de Artesanía y curador de un museo local. Los antepasados ​​de Ruiz fueron aristócratas menores.

El certificado de nacimiento de Picasso y el registro de su bautismo incluyen nombres muy largos, que combinan los de varios santos y parientes. Ruiz y Picasso eran sus apellidos paternos y maternos, respectivamente, según la costumbre española. El apellido "Picasso" proviene de Liguria, una región costera del noroeste de Italia; su capital es Génova. Hubo un pintor de la zona llamado Matteo Picasso  [ it ] (1794-1879), nacido en Recco (Génova), de retratismo de estilo neoclásico tardío, aunque las investigaciones no han determinado definitivamente su parentesco con la rama de antepasados ​​relacionados con Pablo Picasso. La rama directa de Sori, Liguria (Génova), se remonta a Tommaso Picasso (1728-1813). Su hijo Giovanni Battista, casado con Isabella Musante, fue tatarabuelo de Pablo. De este matrimonio nació Tommaso (Sori, 1787 – Málaga, 1851). El bisabuelo materno de Pablo, Tommaso Picasso, se mudó a España alrededor de 1807.

Picasso mostró pasión y habilidad por el dibujo desde una edad temprana. Según su madre, sus primeras palabras fueron "piz, piz", una abreviatura de lápiz, la palabra española para "lápiz". Desde los siete años, Picasso recibió de su padre una formación artística formal en dibujo de figuras y pintura al óleo. Ruiz era un artista e instructor académico tradicional, que creía que la formación adecuada requería la copia disciplinada de los maestros y dibujar el cuerpo humano a partir de moldes de yeso y modelos vivos. Su hijo se preocupó por el arte en detrimento de su trabajo de clase.

La familia se trasladó a A Coruña en 1891, donde su padre se convirtió en profesor de la Escuela de Bellas Artes. Se quedaron casi cuatro años. En una ocasión, el padre encontró a su hijo pintando sobre su boceto inacabado de una paloma. Al observar la precisión de la técnica de su hijo, relata una historia apócrifa, Ruiz sintió que el Picasso de trece años lo había superado y juró dejar la pintura, aunque existen pinturas suyas de años posteriores.

En 1895, Picasso quedó traumatizado cuando su hermana Conchita, de siete años, murió de difteria. Tras su muerte, la familia se trasladó a Barcelona, donde Ruiz ocupó un puesto en su Escuela de Bellas Artes. Picasso prosperó en la ciudad, considerándola en tiempos de tristeza o nostalgia como su verdadero hogar. Ruiz persuadió a los funcionarios de la academia para que le permitieran a su hijo tomar un examen de ingreso a la clase avanzada. Este proceso a menudo tomaba a los estudiantes un mes, pero Picasso lo completó en una semana, y el jurado lo admitió, con solo 13. Como estudiante, Picasso carecía de disciplina, pero hizo amistades que lo afectarían en su vida posterior. Su padre le alquiló una pequeña habitación cerca de casa para que pudiera trabajar solo, sin embargo, lo revisaba varias veces al día, juzgando sus dibujos. Los dos discutían con frecuencia.

El padre y el tío de Picasso decidieron enviar al joven artista a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, la escuela de arte más importante del país. A los 16 años, Picasso partió por primera vez solo, pero no le gustaba la instrucción formal y dejó de asistir a clases poco después de inscribirse. Madrid albergaba muchos otros atractivos. El Prado alberga cuadros de Diego Velázquez, Francisco Goya y Francisco Zurbarán. Picasso admiraba especialmente las obras de El Greco ; elementos como sus miembros alargados, colores deslumbrantes y rostros místicos se hacen eco en la obra posterior de Picasso.

Carrera profesional

Antes de 1900

Picasso en 1904. Fotografía de Ricard Canals.

La formación de Picasso con su padre comenzó antes de 1890. Su progreso se puede rastrear en la colección de obras tempranas que ahora se encuentra en el Museu Picasso de Barcelona, ​​que proporciona uno de los registros más completos que existen de los comienzos de cualquier artista importante. Durante 1893 decae la calidad juvenil de sus primeras obras, y en 1894 se puede decir que comenzó su carrera como pintor. El realismo académico aparente en las obras de mediados de la década de 1890 se muestra bien en La primera comunión (1896), una gran composición que representa a su hermana, Lola. Ese mismo año, a los 14 años, pintó Retrato de la tía Pepa, un retrato vigoroso y dramático que Juan-Eduardo Cirlot ha calificado de "sin duda uno de los más grandes de toda la historia de la pintura española".

En 1897, su realismo comenzó a mostrar una influencia simbolista, por ejemplo, en una serie de pinturas de paisajes representadas en tonos violetas y verdes no naturalistas. Siguió lo que algunos llaman su período modernista (1899-1900). Su exposición a la obra de Rossetti, Steinlen, Toulouse-Lautrec y Edvard Munch, combinada con su admiración por los viejos maestros favoritos como El Greco, llevó a Picasso a una versión personal del modernismo en sus obras de este período.

Picasso hizo su primer viaje a París, entonces la capital del arte de Europa, en 1900. Allí conoció a su primer amigo parisino, el periodista y poeta Max Jacob, quien ayudó a Picasso a aprender el idioma y su literatura. Pronto compartieron apartamento; Max dormía de noche mientras Picasso dormía de día y trabajaba de noche. Eran tiempos de extrema pobreza, frío y desesperación. Gran parte de su trabajo se quemó para mantener caliente la pequeña habitación. Durante los primeros cinco meses de 1901, Picasso vivió en Madrid, donde él y su anarquista amigo Francisco de Asís Soler fundó la revista Arte Joven ( Young Art), que publicó cinco cuestiones. Soler solicitó artículos y Picasso ilustró la revista, en su mayoría contribuyendo con caricaturas sombrías que representaban y simpatizaban con el estado de los pobres. El primer número se publicó el 31 de marzo de 1901, momento en el que el artista había comenzado a firmar su obra Picasso. A partir de 1898 firma sus obras como "Pablo Ruiz Picasso", luego como "Pablo R. Picasso" hasta 1901. El cambio no parece implicar un rechazo a la figura paterna. Más bien, quería distinguirse de los demás; iniciado por sus amigos catalanes que le llamaban habitualmente por su apellido materno, mucho menos actual que el paterno Ruiz.

Período azul: 1901-1904

Más información: El período azul de Picasso La Vie (1903), Museo de Arte de Cleveland El viejo guitarrista (1903), Art Institute of Chicago

El período azul de Picasso (1901-1904), caracterizado por pinturas sombrías en tonos de azul y azul verdoso que sólo ocasionalmente se calientan con otros colores, comenzó en España a principios de 1901 o en París en la segunda mitad del año. Muchas pinturas de madres demacradas con niños datan del Período Azul, durante el cual Picasso dividió su tiempo entre Barcelona y París. En su uso austero del color y temas a veces lúgubres —las prostitutas y los mendigos son temas frecuentes—, Picasso se vio influido por un viaje por España y por el suicidio de su amigo Carles Casagemas. A partir del otoño de 1901, pintó varios retratos póstumos de Casagemas que culminaron en la lúgubre pintura alegórica La Vie (1903), ahora en el Museo de Arte de Cleveland.

El mismo estado de ánimo impregna el conocido grabado The Frugal Repast (1904), que representa a un ciego y una mujer vidente, ambos demacrados, sentados a una mesa casi desnuda. La ceguera, tema recurrente en la obra de Picasso de este período, también está representada en La comida del ciego (1903, Museo Metropolitano de Arte ) y en el retrato de Celestina (1903). Otras obras del período azul incluyen Retrato de Soler y Retrato de Suzanne Bloch.

Período rosa: 1904-1906

Más información: Período Rosa de Picasso Pablo Picasso, 1905, Au Lapin Agile ( At the Lapin Agile) ( Arlequin tenant un verre), óleo sobre lienzo, 99,1 × 100,3 cm, Museo Metropolitano de Arte

El Período Rosa (1904-1906) se caracteriza por un tono y un estilo más claros que utiliza colores naranja y rosa y presenta a muchos circenses, acróbatas y arlequines conocidos en Francia como saltimbanques. El arlequín, un personaje cómico generalmente representado con ropa estampada a cuadros, se convirtió en un símbolo personal para Picasso. Picasso conoció a Fernande Olivier, una artista bohemia que se convirtió en su amante, en París en 1904. Olivier aparece en muchas de sus pinturas del Período Rosa, muchas de las cuales están influenciadas por su cálida relación con ella, además de su mayor exposición a la pintura francesa. El estado de ánimo generalmente optimista y optimista de las pinturas en este período recuerda al período 1899-1901 (es decir, justo antes del Período Azul), y 1904 puede considerarse un año de transición entre los dos períodos.

Retrato de Gertrude Stein, 1906, Museo Metropolitano de Arte, Ciudad de Nueva York. Cuando alguien comentó que Stein no se parecía a su retrato, Picasso respondió: "Lo hará".

En 1905, Picasso se convirtió en el favorito de los coleccionistas de arte estadounidenses Leo y Gertrude Stein. Su hermano mayor Michael Stein y su esposa Sarah también se convirtieron en coleccionistas de su trabajo. Picasso pintó un retrato de Gertrude Stein y uno de su sobrino Allan Stein. Gertrude Stein se convirtió en la principal mecenas de Picasso, adquiriendo sus dibujos y pinturas y exponiéndolos en su Salón informal en su casa de París. En una de sus reuniones en 1905, conoció a Henri Matisse, quien se convertiría en un amigo y rival de toda la vida. Los Stein le presentaron a Claribel Cone y su hermana Etta, que eran coleccionistas de arte estadounidenses; también comenzaron a adquirir pinturas de Picasso y Matisse. Finalmente, Leo Stein se mudó a Italia. Michael y Sarah Stein se convirtieron en patrocinadores de Matisse, mientras que Gertrude Stein continuó coleccionando Picassos.

En 1907, Picasso se unió a una galería de arte que había sido inaugurada recientemente en París por Daniel-Henry Kahnweiler, un historiador y coleccionista de arte alemán que se convirtió en uno de los principales marchantes de arte franceses del siglo XX. Fue uno de los primeros campeones de Pablo Picasso, Georges Braque y el cubismo que desarrollaron conjuntamente. Kahnweiler promovió a artistas emergentes como André Derain, Kees van Dongen, Fernand Léger, Juan Gris, Maurice de Vlaminck y varios otros que habían venido de todo el mundo para vivir y trabajar en Montparnasse en ese momento.

Arte y primitivismo africanos: 1907-1909

Les Demoiselles d'Avignon (1907), Museo de Arte Moderno de Nueva York Ver también: El período africano de Picasso y el protocubismo

El período de influencia africana de Picasso (1907-1909) comienza con su pintura Les Demoiselles d'Avignon. Las tres figuras de la izquierda se inspiraron en la escultura ibérica, pero volvió a pintar las caras de las dos figuras de la derecha después de quedar impresionado por los artefactos africanos que vio en junio de 1907 en el museo etnográfico del Palais du Trocadéro. Cuando mostró la pintura a sus conocidos en su estudio más tarde ese año, la reacción casi universal fue de conmoción y repulsión; Matisse, enojado, descartó el trabajo como un engaño. Picasso no exhibió Les Demoiselles públicamente hasta 1916.

Otras obras de este período incluyen Desnudo con los brazos levantados (1907) y Tres mujeres (1908). Las ideas formales desarrolladas durante este período conducen directamente al período cubista que sigue.

Cubismo analítico: 1909-1912

El cubismo analítico (1909-1912) es un estilo de pintura que Picasso desarrolló con Georges Braque utilizando colores monocromáticos marrones y neutros. Ambos artistas desarmaron objetos y los "analizaron" en términos de sus formas. Las pinturas de Picasso y Braque en este momento comparten muchas similitudes.

En París, Picasso entretuvo a un distinguido círculo de amigos en los barrios de Montmartre y Montparnasse, entre ellos André Breton, el poeta Guillaume Apollinaire, el escritor Alfred Jarry y Gertrude Stein. En 1911, Picasso fue arrestado e interrogado sobre el robo de la Mona Lisa del Louvre. La sospecha del crimen había recaído inicialmente sobre Apollinaire debido a sus vínculos con Géry Pieret, un artista con un historial de robos en la galería. Apollinaire a su vez implicó a su amigo cercano Picasso, quien también había comprado obras de arte robadas al artista en el pasado. Temeroso de una condena que pudiera resultar en su deportación a España, Picasso negó haber conocido a Apollinaire. Posteriormente, ambos fueron absueltos de cualquier participación en la desaparición de la pintura.

Cubismo sintético: 1912-1919

Artículo principal: Cubismo de cristal Picasso frente a su cuadro El aficionado ( Kunstmuseum Basel ) en Villa les Clochettes, verano de 1912

El cubismo sintético (1912-1919) fue un desarrollo posterior del género del cubismo, en el que fragmentos de papel cortado, a menudo papel tapiz o porciones de páginas de periódicos, se pegaron en composiciones, lo que marcó el primer uso del collage en las bellas artes.

Entre 1915 y 1917, Picasso comenzó una serie de pinturas que representaban objetos cubistas altamente geométricos y minimalistas, que consistían en una pipa, una guitarra o un vaso, con un elemento ocasional de collage. "Diamantes de corte cuadrado de bordes duros", señala el historiador de arte John Richardson, "estas gemas no siempre tienen ventajas o desventajas". "Necesitamos un nuevo nombre para designarlos", le escribió Picasso a Gertrude Stein. El término " cubismo cristalino " se utilizó más tarde como resultado de analogías visuales con los cristales de la época. Estas "pequeñas gemas" pueden haber sido producidas por Picasso en respuesta a los críticos que habían reclamado su deserción del movimiento, a través de su experimentación con el clasicismo dentro del llamado retorno al orden después de la guerra.

Después de adquirir algo de fama y fortuna, Picasso dejó a Olivier por Marcelle Humbert, a quien llamó Eva Gouel. Picasso incluyó declaraciones de su amor por Eva en muchas obras cubistas. Picasso quedó devastado por su muerte prematura por enfermedad a la edad de 30 años en 1915.

Al estallar la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914, Picasso vivía en Aviñón. Braque y Derain se movilizaron y Apollinaire se unió a la artillería francesa, mientras que el español Juan Gris permaneció del círculo cubista. Durante la guerra, Picasso pudo seguir pintando ininterrumpidamente, a diferencia de sus compañeros franceses. Sus pinturas se volvieron más sombrías y su vida cambió con dramáticas consecuencias. El contrato de Kahnweiler había terminado con su exilio de Francia. En este punto, la obra de Picasso sería asumida por el marchante de arte Léonce Rosenberg. Tras la pérdida de Eva Gouel, Picasso tuvo un romance con Gaby Lespinasse. Durante la primavera de 1916, Apollinaire regresó del frente herido. Renovaron su amistad, pero Picasso comenzó a frecuentar nuevos círculos sociales.

El diseño de vestuario de Pablo Picasso que representa rascacielos y avenidas, por Serge Diaghilev 's ballets rusos rendimiento del desfile en el Teatro del Châtelet, Paris 18 de mayo de 1917 Más información: Picasso y los Ballets Rusos

Hacia el final de la Primera Guerra Mundial, Picasso se involucró con los Ballets Rusos de Serge Diaghilev. Entre sus amigos durante este período estaban Jean Cocteau, Jean Hugo, Juan Gris y otros. En el verano de 1918, Picasso se casó con Olga Khokhlova, una bailarina de la compañía de Sergei Diaghilev, para quien Picasso estaba diseñando un ballet, Erik Satie's Parade, en Roma; Pasaron su luna de miel cerca de Biarritz en la villa de la glamorosa mecenas del arte chileno Eugenia Errázuriz.

Después de regresar de su luna de miel y necesitado de dinero, Picasso inició su relación exclusiva con el marchante de arte franco-judío Paul Rosenberg. Como parte de sus primeros deberes, Rosenberg acordó alquilar a la pareja un apartamento en París a sus expensas, que estaba ubicado al lado de su propia casa. Este fue el comienzo de una profunda amistad fraternal entre dos hombres muy diferentes, que duraría hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Khokhlova introdujo a Picasso en la alta sociedad, cenas formales y otras dimensiones de la vida de los ricos en el París de los años veinte. Los dos tuvieron un hijo, Paulo Picasso, que se convertiría en piloto de motos y chófer de su padre. La insistencia de Khokhlova en la propiedad social chocó con las tendencias bohemias de Picasso y los dos vivieron en un estado de conflicto constante. Durante el mismo período en que Picasso colaboró ​​con la compañía de Diaghilev, él e Igor Stravinsky colaboraron en Pulcinella en 1920. Picasso aprovechó la oportunidad para realizar varios dibujos del compositor.

En 1927, Picasso conoció a Marie-Thérèse Walter, de 17 años, y comenzó una aventura secreta con ella. El matrimonio de Picasso con Khokhlova pronto terminó en separación en lugar de divorcio, ya que la ley francesa requería una división uniforme de la propiedad en el caso de divorcio, y Picasso no quería que Khokhlova tuviera la mitad de su riqueza. Los dos permanecieron legalmente casados ​​hasta la muerte de Khokhlova en 1955. Picasso mantuvo una relación de larga data con Marie-Thérèse Walter y engendró una hija con ella, llamada Maya. Marie-Thérèse vivió con la vana esperanza de que Picasso algún día se casara con ella y se ahorcó cuatro años después de la muerte de Picasso.

  • 1909, Femme assise (Sitzende Frau), óleo sobre lienzo, 100 × 80 cm (39 x 31 in), Staatliche Museen, Neue Nationalgalerie, Berlín

  • 1909-10, Figure dans un Fauteuil (Desnuda sentada, Femme nue assise), óleo sobre lienzo, 92,1 × 73 cm (36 x 28 pulgadas), Tate Modern, Londres. Esta pintura de la colección de Wilhelm Uhde fue confiscada por el estado francés y vendida en el Hôtel Drouot en 1921.

  • 1910, Mujer con olla de mostaza (La Femme au pot de moutarde), óleo sobre lienzo, 73 × 60 cm (28 x 23 in), Gemeentemuseum, La Haya. Expuesto en el Armory Show, Nueva York, Chicago, Boston 1913

  • 1910, Chica con mandolina (Fanny Tellier), óleo sobre lienzo, 100,3 × 73,6 cm (39 x 28 pulgadas), Museo de Arte Moderno de Nueva York

  • 1910, Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler, Instituto de Arte de Chicago. Picasso escribió sobre Kahnweiler: "¿Qué habría sido de nosotros si Kahnweiler no hubiera tenido sentido comercial?"

  • 1910–11, Guitariste, La mandoliniste (Mujer tocando la guitarra o la mandolina), óleo sobre lienzo

  • hacia 1911, Le Guitariste. Reproducido en Albert Gleizes y Jean Metzinger, Du "Cubisme", 1912

  • 1911, Bodegón con botella de ron, óleo sobre lienzo, 61,3 × 50,5 cm (24 x 19 pulg.), Metropolitan Museum of Art, Nueva York

  • 1911, El poeta (Le poète), óleo sobre lienzo, 131,2 × 89,5 cm (51 5/8 x 35 1/4 pulg.), The Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Collection, Venecia

  • 1911–12, Violón (violín), óleo sobre lienzo, 100 × 73 cm (39 x 28 pulgadas) (ovalado), Museo Kröller-Müller, Otterlo, Países Bajos. Esta pintura de la colección de Wilhelm Uhde fue confiscada por el estado francés y vendida en el Hôtel Drouot en 1921.

  • 1913, Bouteille, clarinete, violín, diario, verre, 55 × 45 cm (21 x 17 pulg.). Esta pintura de la colección de Wilhelm Uhde fue confiscada por el estado francés y vendida en el Hôtel Drouot en 1921.

  • 1913, Femme assise dans un fauteuil (Eva), Mujer con camisola en un sillón, óleo sobre lienzo, 149,9 × 99,4 cm (59 x 39 pulgadas), Colección cubista Leonard A. Lauder, Museo Metropolitano de Arte

  • 1913–14, Cabeza (Tête), papel de color cortado y pegado, gouache y carboncillo sobre cartón, 43,5 × 33 cm (17 x 12,9 pulgadas), Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia, Edimburgo

  • 1913–14, L'Homme aux cartes (Jugador de cartas), óleo sobre lienzo, 108 × 89,5 cm (42 x 35 pulgadas), Museo de Arte Moderno de Nueva York

  • 1914–15, Nature morte au compotier (Naturaleza muerta con compota y vidrio), óleo sobre lienzo, 63,5 × 78,7 cm (25 × 31 pulg.), Columbus Museum of Art, Ohio

  • 1916, L'anis del mono (Botella de Anis del Mono), óleo sobre lienzo, 46 ​​× 54,6 cm (18 x 21 pulgadas), Detroit Institute of Arts, Michigan

  • Parade, 1917, cortina diseñada para el ballet Parade. La obra es la más grande de las pinturas de Picasso. Centre Pompidou-Metz, Metz, Francia, mayo de 2012

Neoclasicismo y surrealismo: 1919-1929

Pablo Picasso, 1921, Nu assis s'essuyant le pied ( Desnuda sentada secándose el pie), pastel, 66 x 50,8 cm, Museo Berggruen

En febrero de 1917, Picasso realizó su primer viaje a Italia. En el período posterior a la agitación de la Primera Guerra Mundial, Picasso produjo una obra de estilo neoclásico. Este " regreso al orden " es evidente en el trabajo de muchos artistas europeos en la década de 1920, incluidos André Derain, Giorgio de Chirico, Gino Severini, Jean Metzinger, los artistas del movimiento Nueva Objetividad y del Movimiento Novecento Italiano. Las pinturas y dibujos de Picasso de este período recuerdan con frecuencia la obra de Rafael e Ingres.

En 1925, el escritor y poeta surrealista André Breton declaró a Picasso como "uno de los nuestros" en su artículo Le Surréalisme et la peinture, publicado en Révolution surréaliste. Les Demoiselles se reprodujo por primera vez en Europa en el mismo número. Sin embargo, Picasso exhibió obras cubistas en la primera exposición colectiva surrealista en 1925; el concepto de "automatismo psíquico en estado puro" definido en el Manifeste du surrealisme nunca le atrajo por completo. En ese momento, desarrolló nuevas imágenes y sintaxis formal para expresarse emocionalmente, "liberando la violencia, los miedos psíquicos y el erotismo que había estado contenido o sublimado en gran medida desde 1909", escribe la historiadora de arte Melissa McQuillan. Aunque esta transición en la obra de Picasso fue informada por el cubismo por sus relaciones espaciales, "la fusión del ritual y el abandono en las imágenes recuerda el primitivismo de las Demoiselles y las escurridizas resonancias psicológicas de su obra simbolista", escribe McQuillan. El surrealismo revivió la atracción de Picasso por el primitivismo y el erotismo.

  • Pablo Picasso, 1918, Pierrot, óleo sobre lienzo, 92,7 × 73 cm, Museo de Arte Moderno de Nueva York

  • Pablo Picasso, 1918, Portrait d'Olga dans un fauteuil (Olga en un sillón), Musée Picasso, París, Francia

  • Pablo Picasso, 1919, Campesinos durmientes, gouache, acuarela y lápiz sobre papel, 31,1 × 48,9 cm, Museo de Arte Moderno

Exposición de la Gran Depresión al MoMA: 1930-1939

Durante la década de 1930, el minotauro reemplazó al arlequín como motivo común en su obra. Su uso del minotauro se debió en parte a su contacto con los surrealistas, que a menudo lo usaban como símbolo, y aparece en el Guernica de Picasso. El minotauro y la amante de Picasso, Marie-Thérèse Walter, aparecen en su célebre Suite de grabados Vollard.

Guernica, 1937, Museo Reina Sofía

Podría decirse que la obra más famosa de Picasso es su descripción del bombardeo alemán de Guernica durante la Guerra Civil española : Guernica. Este gran lienzo encarna para muchos la inhumanidad, brutalidad y desesperanza de la guerra. Cuando se le pidió que explicara su simbolismo, Picasso dijo: "No depende del pintor definir los símbolos. De lo contrario, ¡sería mejor si los escribiera con tantas palabras! El público que mira la imagen debe interpretar los símbolos como ellos los entienden ". Guernica se exhibió en julio de 1937 en el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París, y luego se convirtió en la pieza central de una exposición de 118 obras de Picasso, Matisse, Braque y Henri Laurens que recorrió Escandinavia e Inglaterra. Tras la victoria de Francisco Franco en España, el cuadro fue enviado a Estados Unidos para recaudar fondos y apoyo a los refugiados españoles. Hasta 1981 fue confiado al Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York, ya que fue el deseo expreso de Picasso que la pintura no se entregue a España hasta que la libertad y la democracia se establecieran en el país.

En 1939 y 1940, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, bajo su director Alfred Barr, un entusiasta de Picasso, realizó una gran retrospectiva de las principales obras de Picasso hasta ese momento. Esta exposición enalteció a Picasso, puso a la vista del público estadounidense el alcance de su arte y resultó en una reinterpretación de su trabajo por parte de historiadores y académicos del arte contemporáneo. Según Jonathan Weinberg, "Dada la extraordinaria calidad del espectáculo y el enorme prestigio de Picasso, generalmente aumentado por el impacto político de Guernica... la crítica fue sorprendentemente ambivalente". La "multiplicidad de estilos" de Picasso inquietaba a un periodista; otro lo describió como "descarriado e incluso malicioso"; La reseña de Alfred Frankenstein en ARTnews concluyó que Picasso era tanto un charlatán como un genio.

Segunda Guerra Mundial y finales de la década de 1940: 1939-1949

Stanisław Lorentz guía a Picasso a través del Museo Nacional de Varsovia en Polonia durante la exposición Pintores franceses contemporáneos y Cerámica de Pablo Picasso, 1948. Picasso entregó al museo de Varsovia más de una docena de sus cerámicas, dibujos y grabados en color. Escena de la subasta de arte degenerado, primavera de 1938, publicada en un periódico suizo. Obras de Picasso, Cabeza de mujer (lote 117), Dos arlequines (lote 115).

Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso permaneció en París mientras los alemanes ocupaban la ciudad. El estilo artístico de Picasso no se ajustaba al ideal de arte nazi, por lo que no exhibió durante este tiempo. A menudo fue acosado por la Gestapo. Durante una búsqueda en su apartamento, un oficial vio una fotografía del cuadro Guernica. "¿Hiciste eso?" preguntó el alemán a Picasso. "No", respondió, "Lo hiciste".

Retirándose a su estudio, continuó pintando, produciendo obras como Naturaleza muerta con guitarra (1942) y The Charnel House (1944-1948). Aunque los alemanes prohibieron la fundición de bronce en París, Picasso continuó de todos modos, utilizando el bronce que le había pasado de contrabando la Resistencia francesa.

Por esta época, Picasso escribió poesía como una salida alternativa. Entre 1935 y 1959 escribió más de 300 poemas. En gran parte sin título, excepto por una fecha y, a veces, el lugar donde se escribió (por ejemplo, "París, 16 de mayo de 1936"), estas obras eran gustativas, eróticas y, a veces, escatológicas, al igual que sus dos obras completas Desire Caught by the Tail. (1941) y Las cuatro niñas (1949).

En 1944, tras la liberación de París, Picasso, que entonces tenía 63 años, inició una relación sentimental con una joven estudiante de arte llamada Françoise Gilot. Ella era 40 años más joven que él. Picasso se cansó de su amante Dora Maar ; Picasso y Gilot empezaron a vivir juntos. Finalmente tuvieron dos hijos: Claude Picasso, nacido en 1947 y Paloma Picasso, nacida en 1949. En su libro de 1964 Life with Picasso, Gilot describe su trato abusivo y miríadas de infidelidades que la llevaron a dejarlo, llevándose a los niños con ella. Este fue un duro golpe para Picasso.

Picasso fotografiado en 1953 por Paolo Monti durante una exposición en el Palazzo Reale de Milán (Fondo Paolo Monti, BEIC ).

Picasso tuvo aventuras con mujeres de una disparidad de edad aún mayor que la suya y la de Gilot. Mientras todavía estaba involucrado con Gilot, en 1951 Picasso tuvo un romance de seis semanas con Geneviève Laporte, que era cuatro años menor que Gilot. A sus 70 años, muchas pinturas, dibujos a tinta y grabados tienen como tema a un enano viejo y grotesco como el amante cariñoso de una bella modelo joven. Jacqueline Roque (1927-1986) trabajó en la Alfarería Madoura en Vallauris en la Riviera francesa, donde Picasso hizo y pintó cerámica. Ella se convirtió en su amante y luego en su segunda esposa en 1961. Los dos estuvieron juntos durante el resto de la vida de Picasso.

Su matrimonio con Roque fue también un medio de venganza contra Gilot; Con el apoyo de Picasso, Gilot se había divorciado de su entonces esposo, Luc Simon, con el plan de casarse con Picasso para asegurar los derechos de sus hijos como herederos legítimos de Picasso. Picasso ya se había casado en secreto con Roque, después de que Gilot solicitara el divorcio. Su tensa relación con Claude y Paloma nunca se curó.

Para entonces, Picasso había construido una enorme casa gótica y podía permitirse grandes villas en el sur de Francia, como Mas Notre-Dame-de-Vie en las afueras de Mougins, y en la Provenza-Alpes-Costa Azul.. Era una celebridad internacional, con tanto interés en su vida personal como en su arte.

Obras posteriores a los últimos años: 1949-1973

El Chicago Picasso, una escultura cubista pública de 50 pies de altura. Donado por Picasso a la gente de Chicago

Picasso fue uno de los 250 escultores que expusieron en la III Sculpture International celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia a mediados de 1949. En la década de 1950, el estilo de Picasso volvió a cambiar, ya que se dedicó a producir reinterpretaciones del arte de los grandes maestros. Hizo una serie de obras basadas en Velázquez pintura de 's Las Meninas. También basó sus pinturas en obras de Goya, Poussin, Manet, Courbet y Delacroix.

Además de sus logros artísticos, Picasso hizo algunas apariciones en películas, siempre como él mismo, incluido un cameo en Testament of Orpheus (1960) de Jean Cocteau. En 1955, ayudó a realizar la película Le Mystère Picasso ( El misterio de Picasso ) dirigida por Henri-Georges Clouzot.

Un anciano Pablo Picasso con una gorra de tela, sonriendo a la cámara Picasso en 1962

Se le encargó la realización de una maqueta para una enorme escultura pública de 15 metros de altura que se construiría en Chicago, conocida generalmente como Chicago Picasso. Abordó el proyecto con mucho entusiasmo, diseñando una escultura ambigua y algo controvertida. No se sabe qué representa la figura; podría ser un pájaro, un caballo, una mujer o una forma totalmente abstracta. La escultura, uno de los hitos más reconocibles del centro de Chicago, se dio a conocer en 1967. Picasso se negó a que le pagaran 100.000 dólares por ella y la donó a la gente de la ciudad.

Las obras finales de Picasso fueron una mezcla de estilos, sus medios de expresión en constante cambio hasta el final de su vida. Dedicando todas sus energías a su trabajo, Picasso se volvió más atrevido, sus obras más coloridas y expresivas, y de 1968 a 1971 produjo un torrente de pinturas y cientos de grabados en cobre plateado. En ese momento, la mayoría descartó estas obras como fantasías pornográficas de un anciano impotente o las obras chapuceras de un artista que había pasado su mejor momento. Solo más tarde, después de la muerte de Picasso, cuando el resto del mundo del arte había pasado del expresionismo abstracto, la comunidad crítica llegó a ver las obras tardías de Picasso como una prefiguración del neoexpresionismo.

Pablo Picasso murió el 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia, de edema pulmonar e insuficiencia cardíaca, mientras él y su esposa Jacqueline invitaban a cenar a unos amigos. Fue enterrado en el castillo de Vauvenargues cerca de Aix-en-Provence, una propiedad que había adquirido en 1958 y ocupado con Jacqueline entre 1959 y 1962. Jacqueline impidió que sus hijos Claude y Paloma asistieran al funeral. Devastada y solitaria tras la muerte de Picasso, Jacqueline se suicidó de un disparo en 1986 cuando tenía 59 años.

Puntos de vista políticos

Masacre en Corea, 1951

Picasso se mantuvo al margen del movimiento independentista catalán durante su juventud a pesar de expresar su apoyo general y ser amigable con los activistas dentro de él. No se unió a las fuerzas armadas de ningún bando o país durante la Primera Guerra Mundial, la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. Como ciudadano español que vivía en Francia, Picasso no estaba obligado a luchar contra los invasores alemanes en ninguna de las dos guerras mundiales. Sin embargo, en 1940, solicitó la ciudadanía francesa, pero fue rechazada por sus "ideas extremistas que evolucionan hacia el comunismo". Esta información no se reveló hasta 2003.

Al comienzo de la Guerra Civil española en 1936, Picasso tenía 54 años. Poco después de iniciadas las hostilidades, los republicanos lo nombraron "director del Prado, aunque en ausencia", y "se tomó muy en serio sus funciones", según John Richardson, aportando los fondos para evacuar la colección del museo a Ginebra. La guerra proporcionó el ímpetu para la primera obra abiertamente política de Picasso. Expresó su enfado y condena a Francisco Franco y los fascistas en El sueño y la mentira de Franco (1937), que fue producido "específicamente con fines propagandísticos y de recaudación de fondos". Esta fusión surrealista de palabras e imágenes estaba destinada a venderse como una serie de postales para recaudar fondos para la causa republicana española.

En 1944, Picasso se unió al Partido Comunista Francés, asistió al Congreso Mundial de Intelectuales en Defensa de la Paz en Polonia y en 1950 recibió el Premio Stalin de la Paz del gobierno soviético. Las críticas del partido en 1953 a su retrato de Stalin como insuficientemente realista enfriaron el interés de Picasso en la política soviética, aunque siguió siendo un miembro leal del Partido Comunista hasta su muerte. Su distribuidor, DH. Kahnweiler, un socialista, calificó el comunismo de Picasso de "sentimental" más que político, diciendo "Nunca ha leído una línea de Karl Marx, ni de Engels, por supuesto". En una entrevista de 1945 con Jerome Seckler, Picasso declaró: "Soy comunista y mi pintura es comunista... Pero si fuera zapatero, realista o comunista o cualquier otra cosa, no necesariamente martillaría mis zapatos de una manera especial. manera de mostrar mi política ". Su compromiso con el comunismo, común entre los intelectuales y artistas continentales de la época, ha sido durante mucho tiempo objeto de cierta controversia; una demostración notable de ello fue una cita comúnmente atribuida a Salvador Dalí (con quien Picasso tenía una relación bastante tensa):

Picasso es pintor, yo también; [...] Picasso en español, yo también; Picasso es comunista, yo tampoco.
(Picasso es pintor, yo también; [...] Picasso es español, yo también; Picasso es comunista, yo tampoco).

A finales de la década de 1940, su viejo amigo el poeta surrealista y trotskista y antiestalinista André Breton fue más directo; negándose a estrechar la mano de Picasso, le dijo: "No apruebo que se afilie al Partido Comunista ni la posición que ha tomado respecto a las purgas de los intelectuales después de la Liberación". Picasso estaba en contra de la intervención de Naciones Unidas y Estados Unidos en la Guerra de Corea y lo describió en Masacre en Corea. La crítica de arte Kirsten Hoving Keen dice que está "inspirada en los informes de las atrocidades estadounidenses" y la considera una de las obras comunistas de Picasso.

El 9 de enero de 1949, Picasso crea Dove, una litografía en blanco y negro. Se utilizó para ilustrar un cartel en el Consejo Mundial por la Paz de 1949 y se convirtió en una imagen iconográfica de la época, conocida como "La paloma de la paz". La imagen de Picasso se utilizó en todo el mundo como símbolo de los Congresos de Paz y Comunismo.

En 1962 recibió el Premio Lenin de la Paz. El biógrafo y crítico de arte John Berger sintió que los comunistas "desperdiciaron" su talento como artista. Según los diarios de Jean Cocteau, Picasso le dijo una vez en referencia a los comunistas: "Me he unido a una familia y, como todas las familias, está llena de mierda".

Estilo y técnica

Pablo Picasso, 1901, Anciana (Mujer con guantes), óleo sobre cartón, 67 × 52,1 cm, Museo de Arte de Filadelfia Pablo Picasso, 1901–02, Femme au café (Bebedora de absenta), óleo sobre lienzo, 73 × 54 cm, Museo del Hermitage

Picasso fue excepcionalmente prolífico a lo largo de su larga vida. A su muerte había más de 45.000 obras sin vender en su finca, que comprendían 1.885 pinturas, 1.228 esculturas, 3.222 cerámicas, 7.089 dibujos, 150 cuadernos de bocetos, muchos miles de grabados y numerosos tapices y alfombras. El catálogo más completo, pero no exhaustivo, de sus obras, el catálogo razonado compilado por Christian Zervos, enumera más de 16.000 pinturas y dibujos. La producción de Picasso fue varias veces más prolífica que la de la mayoría de los artistas de su época; según al menos una cuenta, el artista estadounidense Bob Ross es el único que rivaliza con el volumen de Picasso, y la obra de arte de Ross fue diseñada específicamente para ser fácilmente producida en masa rápidamente.

El medio en el que Picasso hizo su contribución más importante fue la pintura. En sus pinturas, Picasso utilizó el color como elemento expresivo, pero se basó en el dibujo en lugar de las sutilezas del color para crear forma y espacio. A veces agregaba arena a su pintura para variar su textura. Una nanonda de El sillón rojo de Picasso (1931), en la colección del Art Institute of Chicago, realizada por físicos del Laboratorio Nacional Argonne en 2012, confirmó la creencia de los historiadores del arte de que Picasso usó pintura de casas común en muchas de sus pinturas. Gran parte de su pintura se realizó de noche con luz artificial.

Las primeras esculturas de Picasso fueron talladas en madera o modeladas en cera o arcilla, pero de 1909 a 1928 Picasso abandonó el modelado y en su lugar realizó construcciones escultóricas con diversos materiales. Un ejemplo es Guitar (1912), una construcción en relieve hecha de chapa y alambre que Jane Fluegel denomina una "contraparte plana tridimensional de la pintura cubista" que marca un "alejamiento revolucionario de los enfoques tradicionales, el modelado y el tallado".

Pablo Picasso, 1921, Nous autres musiciens (Tres músicos), óleo sobre lienzo, 204,5 x 188,3 cm, Museo de Arte de Filadelfia

Desde el comienzo de su carrera, Picasso mostró interés por temas de todo tipo y demostró una gran versatilidad estilística que le permitió trabajar en varios estilos a la vez. Por ejemplo, sus pinturas de 1917 incluyeron la Mujer puntillista con mantilla, la Figura cubista en un sillón y el Arlequín naturalista (todas en el Museu Picasso, Barcelona). En 1919, realizó una serie de dibujos a partir de postales y fotografías que reflejan su interés por las convenciones estilísticas y el carácter estático de las fotografías posadas. En 1921 pintó simultáneamente varias grandes pinturas neoclásicas y dos versiones de la composición cubista Three Musicians (Museo de Arte Moderno de Nueva York; Museo de Arte de Filadelfia). En una entrevista publicada en 1923, Picasso dijo: "Las diversas maneras que he usado en mi arte no deben considerarse como una evolución, o como pasos hacia un ideal desconocido de la pintura... Si los temas que he querido expresar han sugerido diferentes formas de expresión, nunca he dudado en adoptarlas ".

Aunque sus obras cubistas se acercan a la abstracción, Picasso nunca abandonó los objetos del mundo real como tema. En sus pinturas cubistas destacan formas fácilmente reconocibles como guitarras, violines y botellas. Cuando Picasso representaba escenas narrativas complejas, generalmente lo hacía en grabados, dibujos y obras de pequeña escala; Guernica (1937) es una de sus pocas grandes pinturas narrativas.

Picasso pintó principalmente de la imaginación o la memoria. Según William Rubin, Picasso "sólo podía hacer un gran arte a partir de temas que realmente lo involucraban... A diferencia de Matisse, Picasso había evitado los modelos prácticamente toda su vida madura, prefiriendo pintar individuos cuyas vidas habían influido y tenían un significado real para, su propia." El crítico de arte Arthur Danto dijo que la obra de Picasso constituye una "vasta autobiografía pictórica" ​​que proporciona alguna base para la concepción popular de que "Picasso inventaba un nuevo estilo cada vez que se enamoraba de una nueva mujer". La naturaleza autobiográfica del arte de Picasso se ve reforzada por su hábito de fechar sus obras, a menudo hasta la fecha. Explicó: "Quiero dejar para la posteridad una documentación lo más completa posible. Por eso pongo fecha a todo lo que hago".

Legado artístico

Sello postal, URSS, 1973. Picasso ha sido honrado en sellos en todo el mundo.

La influencia de Picasso fue y sigue siendo inmensa y ampliamente reconocida por sus admiradores y detractores por igual. Con motivo de su retrospectiva de 1939 en el MoMA, la revista Life escribió: "Durante los 25 años que ha dominado el arte europeo moderno, sus enemigos dicen que ha sido una influencia corruptora. Con igual violencia, sus amigos dicen que es el mejor artista vivo. " Picasso fue el primer artista en recibir una exposición especial de honor en la Gran Galería del Museo del Louvre en París en celebración de sus 90 años. En 1998, Robert Hughes escribió sobre él: "Decir que Pablo Picasso dominó el arte occidental en el siglo XX es, a estas alturas, un simple lugar común... Ningún pintor o escultor, ni siquiera Miguel Ángel, había sido tan famoso como éste en su propia vida... Aunque Marcel Duchamp, ese viejo zorro astuto de la ironía conceptual, ciertamente ha tenido más influencia en el arte nominalmente de vanguardia durante los últimos 30 años que Picasso, el español fue el último gran beneficiario de la creencia de que el lenguaje de la pintura y la escultura realmente le importaban a otras personas además de sus devotos ".

Musée Picasso, París (Hotel Salé, 1659)

En el momento de la muerte de Picasso, muchas de sus pinturas estaban en su poder, ya que había mantenido fuera del mercado del arte lo que no necesitaba vender. Además, Picasso tenía una colección considerable de la obra de otros artistas famosos, algunos de sus contemporáneos, como Henri Matisse, con quien había intercambiado obras. Como Picasso no dejó testamento, sus derechos de sucesión (impuesto sobre sucesiones) al estado francés se pagaron en forma de sus obras y otras de su colección. Estas obras forman el núcleo de la inmensa y representativa colección del Musée Picasso de París. En 2003, familiares de Picasso inauguraron un museo dedicado a él en su ciudad natal, Málaga, España, el Museo Picasso Málaga.

Museu Picasso se encuentra en los palacios góticos de la calle Montcada de Barcelona

El Museu Picasso de Barcelona presenta muchas de sus primeras obras, creadas mientras vivía en España, incluidas muchas obras raramente vistas que revelan su firme base en las técnicas clásicas. El museo también alberga numerosos estudios de figura precisos y detallados realizados en su juventud bajo la tutela de su padre, así como la extensa colección de Jaime Sabartés, su amigo íntimo y secretario personal.

Guernica estuvo expuesta en el Museo de Arte Moderno de Nueva York durante muchos años. En 1981 fue devuelto a España y expuesto en el Casón del Buen Retiro del Museo del Prado. En 1992, el cuadro se exhibió en el Museo Reina Sofía cuando se inauguró.

El 22 de septiembre de 2020 se anunció que el proyecto de un nuevo Museo Picasso se inaugurará en Aix-en-Provence en 2021, en un antiguo convento (Couvent des Prêcheurs), que habría albergado la mayor colección de sus pinturas de cualquier museo., había sido descartada debido a que Catherine Hutin-Blay, la hija de Jacqueline Picasso, y el Ayuntamiento no habían logrado llegar a un acuerdo.

En la película Surviving Picasso de 1996, Picasso es interpretado por el actor Anthony Hopkins. Picasso también es un personaje de la obra de Steve Martin de 1993, Picasso en el Lapin Agile. En A Moveable Feast de Ernest Hemingway, Hemingway le dice a Gertrude Stein que le gustaría tener algunos Picassos, pero que no puede pagarlos. Más adelante en el libro, Hemingway menciona mirar una de las pinturas de Picasso. Se refiere a él como el desnudo de Picasso de la niña con la canasta de flores, posiblemente relacionado con La joven desnuda con la canasta de flores. El 8 de octubre de 2010, Picasso: Masterpieces from the Musée National Picasso, Paris, una exposición de 150 pinturas, esculturas, dibujos, grabados y fotografías del Musée National Picasso en París, inaugurada en el Seattle Art Museum, Seattle, Washington, EE. UU. Posteriormente, la exposición viajó al Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, Virginia : el Museo Conmemorativo MH de Young, San Francisco, California, EE. UU.; la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, Sydney, Australia; y la Galería de Arte de Ontario, Toronto, Ontario, Canadá.

A partir de 2015, Picasso siguió siendo el artista mejor clasificado (según las ventas de sus obras en subastas) según el informe Art Market Trends. Se han robado más pinturas suyas que las de cualquier otro artista; en 2012, el Art Loss Register tenía 1.147 de sus obras registradas como robadas. La Administración de Picasso funciona como su patrimonio oficial. El representante de derechos de autor de EE. UU. Para la Administración Picasso es la Artists Rights Society.

Picasso es interpretado por Antonio Banderas en la temporada 2018 de Genius, que se centra en su vida y su arte.

El voto de Basilea

El Kunstmuseum Basel

En la década de 1940, una compañía de seguros suiza con sede en Basilea había comprado dos cuadros de Picasso para diversificar sus inversiones y servir de garantía para los riesgos asegurados. Tras un desastre aéreo en 1967, la empresa tuvo que pagar cuantiosos reembolsos. La empresa decidió desprenderse de las dos pinturas, que fueron depositadas en el Kunstmuseum Basel. En 1968, un gran número de ciudadanos de Basilea convocó a un referéndum local sobre la compra de los Picassos por parte del cantón de Basel-Stadt, que tuvo éxito, convirtiéndose en la primera vez en la historia democrática que la población de una ciudad votó sobre la compra. de obras de arte para un museo de arte público. Por tanto, las pinturas permanecieron en el museo de Basilea. Informado de esto, Picasso ofreció tres pinturas y un boceto a la ciudad y su museo y luego fue nombrado ciudadano honorario por la ciudad.

Historial de subastas

Pablo Picasso, 1905, Garçon à la pipe, (Niño con pipa), colección privada, Período Rosa

Varias pinturas de Picasso se encuentran entre las pinturas más caras del mundo. Garçon à la pipe se vendió por 104 millones de dólares en Sotheby's el 4 de mayo de 2004, estableciendo un nuevo récord de precios. Dora Maar au Chat se vendió por 95,2 millones de dólares en Sotheby's el 3 de mayo de 2006. El 4 de mayo de 2010, Nude, Green Leaves and Bust se vendió en Christie's por 106,5 millones de dólares. La obra de 1932, que representa a la amante de Picasso Marie-Thérèse Walter reclinada y como un busto, estaba en la colección personal de la filántropa de Los Ángeles Frances Lasker Brody, quien murió en noviembre de 2009. El 11 de mayo de 2015, su pintura Mujeres de Argel estableció el récord de el precio más alto jamás pagado por una pintura cuando se vendió por 179,3 millones de dólares en Christie's en Nueva York.

El 21 de junio de 2016, una pintura de Pablo Picasso titulada Femme Assise (1909) se vendió por 43,2 millones de libras esterlinas (63,4 millones de dólares) en Sotheby's London, superando la estimación en casi 20 millones de dólares, estableciendo un récord mundial por el precio más alto jamás pagado en una subasta por una obra cubista.

El 17 de mayo de 2017, The Jerusalem Post, en un artículo titulado "La obra de Picasso robada por los nazis se vende por 45 millones de dólares en una subasta", informó de la venta de un retrato pintado por Picasso, la Femme assise de 1939, robe bleu, que anteriormente había sido objeto de apropiación indebida durante los primeros años. años de la Segunda Guerra Mundial. La pintura ha cambiado de manos varias veces desde su recuperación, la más reciente a través de una subasta en mayo de 2017 en Christie's en la ciudad de Nueva York.

En marzo de 2018, su Femme au Béret et à la Robe Quadrillée (1937), un retrato de Marie-Thérèse Walter, se vendió por 49,8 millones de libras esterlinas en Sotheby's de Londres.

Vida personal

A lo largo de su vida Picasso mantuvo varias amantes además de su esposa o pareja principal. Picasso se casó dos veces y tuvo cuatro hijos de tres mujeres:

  • Paulo (4 de febrero de 1921-5 de junio de 1975, Paul Joseph Picasso) - con Olga Khokhlova
  • Maya (nacida el 5 de septiembre de 1935, Maria de la Concepcion Picasso) - con Marie-Thérèse Walter
  • Claude (nacido el 15 de mayo de 1947, Claude Pierre Pablo Picasso) - con Françoise Gilot
  • Paloma (nacida el 19 de abril de 1949, Anne Paloma Picasso) - con Françoise Gilot

La fotógrafa y pintora Dora Maar fue también una constante compañera y amante de Picasso. Los dos estaban más cercanos a finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, y fue Maar quien documentó la pintura de Guernica.

Las mujeres en la vida de Picasso jugaron un papel importante en los aspectos emocionales y eróticos de su expresión creativa, y la naturaleza tumultuosa de estas relaciones se ha considerado vital para su proceso artístico. Muchas de estas mujeres funcionaron como musas para él, y su inclusión en su extensa obra les otorgó un lugar en la historia del arte. Un motivo muy recurrente en su obra es la forma femenina. Las variaciones en sus relaciones informaron y chocaron con su progresión de estilo a lo largo de su carrera. Por ejemplo, los retratos creados de su primera esposa, Olga, se realizaron en un estilo naturalista durante su período neoclásico. Su relación con Marie-Thérèse Walter inspiró muchas de sus piezas surrealistas, así como lo que se conoce como su "Año de las maravillas". La reaparición del tema de los acróbatas en 1905 puso fin a su " Período Azul " y pasó a su " Período Rosa ". Esta transición se ha atribuido incorrectamente a la presencia de Fernande Olivier en su vida.

A Picasso se le ha caracterizado comúnmente como un mujeriego y un misógino, y se ha citado que le dijo a una de sus amantes, Françoise Gilot, "Las mujeres son máquinas para el sufrimiento". Más tarde le dijo: "Para mí sólo hay dos tipos de mujeres: diosas y felpudos". En sus memorias, Picasso, mi abuelo, Marina Picasso escribe sobre su trato a las mujeres: "Las sometió a su sexualidad animal, las domesticó, las embrujó, las ingirió y las aplastó sobre su lienzo. Después de haber pasado muchas noches extrayendo su esencia, una vez que se hubieran desangrado, él se desharía de ellos ".

De las varias mujeres importantes en su vida, dos, Marie-Thèrése Walter, una amante, y Jacqueline Roque, su segunda esposa, murieron por suicidio. Otros, en particular su primera esposa Olga Khokhlova, y su amante Dora Maar, sucumbieron a crisis nerviosas. Su hijo, Paulo, desarrolló un alcoholismo fatal debido a la depresión. Su nieto, Pablito, también se suicidó ese mismo año al ingerir lejía cuando Jacqueline Roque le prohibió asistir al funeral del artista.

Catálogo razonado

Picasso encomendó a Christian Zervos la elaboración del catálogo razonado de su obra (pintada y dibujada). El primer volumen del catálogo, Obras de 1895 a 1906, publicado en 1932, supuso la ruina económica de Zervos, que se autoeditó bajo el nombre de Cahiers d'art, lo que le obligó a vender parte de su colección de arte en una subasta para evitar la quiebra.

De 1932 a 1978, Zervos constituyó el catálogo razonado de las obras completas de Picasso en compañía del artista que se había convertido en uno de sus amigos en 1924. Tras la muerte de Zervos, Mila Gagarin supervisó la publicación de 11 volúmenes adicionales de 1970 a 1978.

Los 33 volúmenes abarcan toda la obra desde 1895 hasta 1972, con cerca de 16.000 fotografías en blanco y negro, de acuerdo con la voluntad del artista.

  • 1932: tomo I, Œuvres de 1895 à 1906. Introducción p. XI– [XXXXIX], 185 páginas, 384 reproducciones
  • 1942: tomo II, vol. 1, Œuvres de 1906 à 1912. Introducción p. XI– [LV], 172 páginas, 360 reproducciones
  • 1944: tomo II, vol. 2, Œuvres de 1912 à 1917. Introducción p. IX– [LXX – VIII], 233 pág. págs. 173 a 406, 604 reproducciones
  • 1949: tomo III, Œuvres de 1917 à 1919. Introducción p. IX– [XIII], 152 páginas, 465 reproducciones
  • 1951: tomo IV, Œuvres de 1920 à 1922. Introducción p. VII– [XIV], 192 páginas, 455 reproducciones
  • 1952: tomo V, Œuvres de 1923 à 1925. Introducción p. IX– [XIV], 188 páginas, 466 reproducciones
  • 1954: tomo VI, Supplément aux tomos I à V. Sans introducción, 176 páginas, 1481 reproducciones
  • 1955: tomo VII, Œuvres de 1926 à 1932. Introducción p. V– [VII], 184 páginas, 424 reproducciones
P. Literatura.svg Esta lista relacionada con la literatura está incompleta ; puedes ayudar expandiéndolo.
  • 1978: Catálogo razonado de œuvres de Pablo Picasso, París, éditions Cahiers d'art

Otras publicaciones de Zervos

  • Picasso. Œuvres de 1920 à 1926, Cahiers d'art, París
  • Dessins de Picasso 1892-1948, París, éditions Cahiers d'art, 1949
  • Picasso. Dessins (1892-1948), Hazan, 199 reproducciones, 1949

Ver también

notas y referencias

Notas

Referencias

Fuentes

Otras lecturas

  • Alexandra Schwartz, "Painted Love: La artista Françoise Gilot era la amante, ayudante y musa de Picasso. Entonces quería más", The New Yorker, 22 de julio de 2019, páginas 62–66. "[V] idas fueron pisoteadas. Picasso murió, a la edad de noventa y un años, en 1973. En 1977, Marie-Thérèse Walter se ahorcó; ocho años después, Jacqueline Roque, sucesora de Gilot y segunda esposa de Picasso, se pegó un tiro en la Paulo, su hijo con Olga [Khokhlova], se bebió hasta morir, en 1975, y el hijo de Paulo, Pablito, se suicidó tragando lejía cuando se le prohibió asistir al funeral de su abuelo ". (pág.66)

enlaces externos

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